Artecinemas

Opuestos en una figura circular

2008-05-05T18:03:00.000-07:00

Desde hace tiempo me queda claro que los chicos bien portados no pasarán nunca a los libros de historia, no serán leyenda, ni harán reflexionar al mundo. A nadie le interesa que una persona haya cultivado el arte de respetar a sus mayores, o que alguien con una carrera bien pensada y calculada logró conseguir un título universitario.

La cosa es pone más dramática cuando rebasamos el nivel común de nuestro vecino “prodigio”, o de lo bien portado que es nuestro primo el "nerd", podemos ver que incluso gente que rompió paradigmas a la fecha son ignorados por los que ahora viven en esta canica azul: dudo que Federico Nietzche sea identificado con cierta precisión por estudiantes universitarios, ya no digamos de bachillerato, y estamos hablando de un auténtico irreverente.

Más aún, en la actualidad todo mundo presume una libertad sexual a toda prueba, y sin embargo dudo que mucha gente a la fecha agradezca su vida sexual a las investigaciones del doctor Alfred Kinsey, ¿es que acaso nuestro destino ineludible, como lo afirma José Saramago, es el olvido?

Me parece que esto lo vio y lo explotó Andy Warhol. Para quien ignore quién es este sujeto, baste decir que es el creador del Pop art, que legó la frase “tuvo sus 15 minutos de fama” y que concentró en sus actos la entonces visión del consumismo llevado al culto artístico.

Y sin embargo, dado lo que vivimos en la actualidad queda claro que los 15 minutos de Warhol terminaron profetizando su mismo destino. La informatización, la globalidad y el sentimiento vertiginoso en donde todo pierde vigencia a ritmos frenéticos hace que incluso Warhol, además de víctima, sea polvo y olvido de sus 15 minutos, es muy probable que ahora sólo se goce de 5 minutos de fama, y quizás eso sea muy generoso.

Esta angustia de la vigencia, de la vida acelerada, del consumismo, del fetichismo industrial queda espléndidamente expuesto en la cinta Fábrica de sueños, tercera cinta de George Hickenlooper (El gran anillo de bronce y Gigoló, el precio del éxito), y en ella podremos ver fases y actitudes de Andy Warhol en un estudio de su propiedad y en donde los excesos son la clave para pertenecer a la casa productora.

El reparto de la cinta está centrado en Guy Pearce, (Andy Warhol) y Sienna Millar (Edith), el valor en el trabajo de estos dos actores es expresar, me parece que de manera atinada, la mutación en la que cada uno de ellos se irá tranformando, muy lejos de un convencionalismo social, distantes de normas, artífices de un exceso que hace que toda la película signifique entrar a las entrañas de lo que seguramente nutrió a Bob Dylan y su Like a rolling stone.

Clasismo, urbanismos, drogas, anarquía, sexualidad y morbosidad son explotadas a lo largo de la cinta de Hickenlooper, con tomas muy cerradas, con planos muy directos a las expresiones de los personajes, acentuando sus estados de ánimo, la insensatez de estar haciendo algo que no saben por qué lo hacen, pero que define su efímera y absurda existencia centrada en el elixir de la fama.

La degradación o intensidad (según se pueda ver) se logra con cambios de imagen que nos remiten a los tiempos del súper 8, imágenes en blanco y negro, rayadas, desde luego, y con planos en donde los colores y el grano tan separado hace evidente la psicodelia, el desorden, el aparente anarquismo es donde la libertad fluye, aunque ese mismo caos se vuelve medra y Hades de sus hijos.

Cuando se ve Fábrica de sueños uno está ante una auténtica cinta clasificación C, pero no por la clásica connotación sexual, es una cinta C por exponer la degradación, la comercializacion, el cuerpo usado como objeto con el pretexto del arte, donde la masificación de las drogas hace evidente la soledad, el vacío, y lo amargo que puede ser basar la existencia en la fama.

Pero cuidado, no nos vayamos con el ardid de que se trata de criticar al lado consumista, ¿Qué vamos a ver en el otro lado, en el extremo de la sociedad, de lo correcto, del orden y del buen gusto? Incesto, apariencia, negación de esa otra realidad, abuso de autoridad, ¿quién resulta más despreciable, el que hace evidente su narcisismo y su lujuria o quien tiene una máscara de ropa, posesiones y prestigio social?

Al final, el espectador verá la cara menos glamorosa del ser humano, la negación superficial, pretendiendo rechazar con indiferencia lo que nos duele, como si así dejara de existir, la vida de Edith será una lata más de sopa, un rostro más que se multiplicara en un cuadro, será sólo sueño que quizás dure 15 minutos, ¿pero en verdad se tiene otra opción?

Sí, Fábrica de sueños es una cinta polémica, severa (una pareja no soportó tanto alucine y nos dejo más solos en la sala), pero sin duda que se tiene que ver para saber que ese mundo no está tan lejos, es más, podemos estar en cualquiera de los dos extremos, aparentemente huyendo del opuesto, y sin embargo, es posible que se trate de una trayectoria circular.

Por los pasillos del video club

Picnic pasional, del director Didier Martiny, estelarizada por Carole Bouquet, Philippe Noiret, Niels Arestrup, Stéphane y Michel Aumont, es una cinta francesa que describe los ridículos en los que basamos la "felicidad" humana. Un grupo familiar, más una pareja agregada es el marco para reflexionar sobre las relaciones que existen para destruirse, donde el arte es una forma de degradación interna, donde la felicidad y la lujuria conviven. La fidelidad, el gozar oportunidades, y demás emociones se terminarán alineando de dos maneras posibles: ¿cómo deseo bajar la montaña, por el camino trazado o dejándome ir por la ladera empinada? Picnic pasional es una gran opcion cuando se va a video club.

La decisión cargada por alguien más

2008-04-25T13:25:00.000-07:00

Rumania, 1987, un país sumido en la miseria, en la apatía, donde el mercado negro es lo común, y en ese entorno es que Gabita tiene un problema que hace más complicado el ya de por sí complejo entorno, pero no se puede quedar serena, necesita abortar.

La operación es compleja, el régimen comunista tiene la paradoja de una profunda red burocrática, que con todo y su paquidérmica estructura tiene un sistema de vigilancia constante y siniestro.

La operación será ejecutada, coordinada y sufrida por Otilia, amiga de Gabita, y que tendrá que contactar al doctor que hará el "trabajo”, conseguirá una habitación de hotel, que obtendrá el dinero que suponen será suficiente, que será parte del pago (costo adicional), y, desde luego, ser la responsable de deshacerse del feto de Gabita.

4 meses, 3 semanas y 2 días, se estuvo amasando desde 2006 por el guionista y director Cristian Mungiu, y a lo largo de la historia podemos ver el influencia del Dogma 95 (Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales. Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista), aunque el dilema en cuanto a su estructura narrativa me parece que tiene la influencia del director polaco Kristof Kieslowski, lo que lejos de minar la cinta, le dan un tono muy original.

Es en este ambiente que Mungiu se adentra en las presiones del ser humano, en el universo femenino que ve en la situación de la amiga lo que podría ser la vida propia, en la culpa que nos persigue, en la soledad en que el ser humano debe buscar soluciones, y lo más desgarrador, soluciones que no son propias.

El reparto descansa en tres personajes, Anamaría Marinca (Otilia), amiga de Gabita, y que será la responsable de que toda la operación tenga “éxito”; Laura Vasiliu (Gabita) es la chica embaraza, solitaria, y que me imagino funge de tonta para faciltarse la negación de la realidad: nunca contacta físicamente al doctor (lo hace Otilia), no confirma la habitación de hotel (la consigue Otilia), dice que tiene 3 meses de embarazo (pues tiene 4), no sabe la periodicidad de su cuerpo, en fin, ella sólo desea quitarse ese problema de encima.

Los personajes centrales se cierran con Vlad Ivanov, el Sr. Bebé, un doctor hosco, seco, agresivo y notablemente misógino (además de pragmático), no tiene mayor mérito moral su personaje, va al punto, impone con violencia sus condiciones (está en posición de hacerlo), y hace de su “ayuda” una situación de cobro en donde el dinero, Gabita y Otilia entran en el mismo paquete.

Los diálogos y la musicalización serán escasos a lo largo de la cinta, el relato es con imágenes, resultando muy acertado diálogos en donde sólo vemos a uno de los sujetos, como si se tratara de un diálogo con la nada, con nadie, un diálogo interno y que nos enfrenta entre la realidad y la negación tramposa.

Sí, el aborto se logrará, y eso no significa contar el final, la historia va mucho más allá, se funda en la culpa que nos perseguirá, que nos acosará, donde Otilia va a representar a esa parte paternalista de toda sociedad que trata de ocultar sus culpas en la basura (ver comentario de La zona), y sin embargo, al final, un plato de cerdo, tuétano y demás vísceras será un golpe, una cachetada que para una será un recordatorio de lo que ha pasado, en tanto que para la otra será la cadena de remordimiento del alto precio que se ha pagado.

4 meses, 3 semanas y 2 días es una cuenta regresiva a nuestras decisiones, para la acción, para el rompimiento de la ley, para el pago más obsceno, y sin embargo, al final, ser sólo un pasaje más de la dura vida que la mayoría de la gente enfrenta día tras día.

Por lo pasillos del video club

Gracias por fumar es una cinta que va más allá de un título sugestivo, es una cinta de Jason Reitman (Juno, Los cazafantasmas 2), y más que ser una cinta irreverente por el tema de las tabacaleras y su defensa, es una excelente ejercicio de inteligencia en el guión que se comparte con el cinéfilo que gusta de ver la otra cara de un tema que pudiera estar trillado. No hay consejos morales, y demuestra lo que a veces pareciera obvio: no hay verdad ni mentira, todo depende como se argumente la defensa o la crítica. Cinta que considero imperdible y de notable uso académico.

Parece que recuperamos a Lee

2008-04-18T19:24:00.000-07:00

En 2006 Ang Lee ofreció al mundo Secreto en la montaña, y tal como en aquella ocasión, sigo convencido que es una película floja, sin un dilema bien abordado y que en suma es una serie de anécdotas hiladas para llenar más de 2 horas ante la pantalla.

En este 2008 llega a la cartelera Lujuria y traición, y desde luego que era mucha la curiosidad para ver de manera clara si Secreto en la montaña era un resbalón (nada que ver con por ejemplo El tigre y el dragón, o Cabalgando con el diablo) o si ya se puede ver el límite de su obra en cuanto a lo que ofrece.

Lujuria y traición, me parece que tiene algo y algo. De nueva cuenta, me parece, extiende de más lo que es su film, creo que se pudo contar lo mismo con unos 25 minutos menos. Por otra parte, la idea estética de sus cuadros y secuencias lo mantiene, es decir, considero que la imagen sigue siendo cuidada, los enfoques y los ángulos exaltan la belleza de la protagonista o el salvajismo de la pareja en la cama.

Más aun, me parece que retoma por momentos la intensidad y el dilema del libre albedrío cuando los personajes son dominados por las emociones y no por la fidelidad a los principios colectivos. Traición y lujuria no es lo más impactante en este año, pero me parece que puede mantener la atención del espectador durante casi toda la cinta, insisto en esos 25 minutos.

¿Cuál es la cuestión?, El entorno es la ocupación japonesa en China durante la segunda guerra mundial, es decir, la parte menos glamorosa de esta estúpida guerra. Esta polarización siempre encuentra beneficiados y perjudicados, patriotas que detestas a los colaboracionistas. Japón como la potencia invasora tiene en el señor Yee al brazo policial y represor ideal para mantener el control de la sociedad ocupada, qué mejor que un chino para perseguir y asesinar a los chinos.

Sin que se muestre de manera abierta o insistente, la cinta de Lee expone lo que ya se sabe, una cosa es la guerra, y sus motivos, y otra es la realidad social. El mensaje propagandístico hace ostentoso el valor patriótico de la intervención para dar a los asiáticos el control del Asia, aunque el entorno, la ropa, los artículos , el consumo y demás detalles traten de imitar en lo más posible a Nueva York, por ejemplo.

En medio de esta ambiente Wong Chia se involucra con un grupo de compañeros de una compañía de teatro para asesinar a los traidores colaboracionistas (desde luego, el señor Yee) y para ello adquirirá la personalidad de Mac Tai.

Lo interesante de la cinta es que veremos a este grupo de sicarios en dos fases, como aficionados, cuando son más efectivos, y somo profesionales, cuando enfrentan dificultades en su meta.

Mac tai será una infiltrada que deberá que tener en mente la idea de la fidelidad hacie el grupo rebelde para el cuál “presta” sus servicios, es decir, ella sabe que más que una espía es una pieza del tablero que puede ser la más importante y delicada, por su fortaleza o por su debilidad, según se vaya desarrollando la acción.

Mac Tai y Yee serán una representación de lujuria, sí, pero la traición se juzgará desde dos lugares distintos, ¿Yee es un traidor por ayudar a los invasores haciendo el trabajo sucio, o sólo se ha adaptado a cambio de beneficios de impunidad?, ¿Mac Tai está siendo honesta consigo al tratar de acabar con el enemigo asumiendo un rol de alguien que no es, y que para colmo su éxito se basa en el deseo sexual?

Las imágenes de sexo de Mac Tai y Yee son fuertes, sin duda mucho más atractivas, eróticas, salvajes y transgresoras que lo que vemos con los vaqueros amantes en Secreto en la montaña, y eso es lo que hay que agradecer al cineasta en esta ocasión. No se puede entender un dilema de traición a lo que sea si no hay una dependencia o un salvajismo que arrebata la razón a los protagonistas.

En Lujuria y traición, si uno entra en la sintonía del relato, se va a mostrar la lucha por los ideales, la dignidad del patriota, lo conveniente del poder y de la impunidad; sí, hay una propuesta más definida, y los comportamientos arrebatados, irracionales, de sexualidad desbordada con una ternura muy peculiar terminarán siendo el terreno en el que los cuerpos de los amantes vibrarán, tanto, como la que cada quien viva su propia tración, su propio pecado, su muy personal expiación.

Parece que la clave está en alejar a una sana distancia a Lee de los compromisos de Hollywood.

Por los pasillos del video club

La historia del camello que llora es una cinta que en parte es drama y en parte documental, y es dirigida por Luigi Falorni y Byambasuren Davaa. La estética de cada cuadro es elocuente, el relato es sencillo, sin que signifique simpleza. Por medio de historias tradicionales, rituales de fertilidad y ceremonias para armonizar al universo (que la camella pueda aceptar a su cría) es que descubrimos la dureza y sabiduría con que una tribu de nómadas mongoles hacen del desierto del Gobi un universo interesante, profundo, con un equilibrio que invita a reflexionar al occidental atrapado en la falasia de las posesiones.

Goza del paraíso por 30 minutos

2008-04-15T13:06:00.000-07:00

Podrás estar en el paraíso con tranquilidad por 30 minutos, antes de que el diablo sepa que has muerto, esa es la premisa con que Sidney Lumet abre su película, justamente Antes de que diablo sepa que has muerto, cinta en verdad excitante, con un ritmo vertiginoso y con un armado de historia que cautiva a quien gusta de ver historias en el plano psicológico.

Lumet es un experimentado director que desde 1957 ha estado filmando, y en su saga de éxitos podemos anotar: Sérpico (1973), Asesinato en el expreso de Oriente (1974), Tarde de perros (1975), A la mañana siguiente (1986), El abogado del diablo (1983), entre muchas otras.

Más allá de nominaciones al premio Óscar, lo que haya ganado y lo que haya dejado pasar, Antes de que diablo sepa que has muerto es una historia que tiene un guión fuerte, que se adentra en la miseria de una familia saturada de mediocridad, y donde lo cotidiano va tomando giros cada vez más dramáticos.

El reparto me parece sólido, encabezado por Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), y Albert Finney (Charles). Andy y Hank son hermanos, Gina es la esposa de Andy, sin embargo todos los jueves se encierra en un hotel con Hank, en tanto que Charles es al padre de este par de chicos que terminarán en una travesura muy peligrosa.

La travesura a la que hacemos mención es el robo de la joyería de Charles. Los motivos son varios, Andy trabaja en una empresa de bienes raíces, viste bien, es algo así como la imagen de un ejecutivo triunfador; un ejecutivo heroinómano, que admite ser mal amante de su esposa y que por si fuera poco su estilo de vida lo está ahogando en deudas. Hank, el hermano menor, ha hecho un desastre de su vida, su actitud, su ropa, y la incapacidad de cubrir la pensión alimenticia de su hija lo retrata con la imagen perfecta del perdedor.

Por medio de un muy atractivo juego de flash back Lumet no vas presentando el rompecabezas en el que vemos el asalto, lo que pasó un día antes, cuatro días antes, y es así como el espectador va descubriendo como en Hank y Andy se va mezclando la inocencia, la desesperación, la perversión y la frialdad para que se vaya organizando una tragedia familiar, pues el relato expone como algunas piezas no encajaron como se había pensado y otras aparecieron donde nunca debieron estar.

Antes que el diablo sepa que has muerto expone lo cerca que podemos estar de salirnos con la nuestra, de que las familiar tienen secretos que en verdad son escandalosos, que lo que parece sencillo puede salir de control en apenas segundos, la avaricia será el motor, y la misma avaricia llevará a las peores decisiones en donde pareciera que el auténtico beneficiado es el diablo que espera que el hombre y su albedrío lo enredan cada vez más.

No conforme con el flash bak, Lumet se encarga en la segunda parte de la historia en recargar su estilo narrativa en la visión desde diferentes planos y tiempos, a veces el diálogo lo vemos entre Andy y Hank, pero más adelante veremos la acción desde la perspectiva de Gina.

Después de todo, tanto los hermanos Hank y Andy, así como el Charles terminarán enfrentados, saldrán a flote los sentimientos de preferencias, de protección, dudas de paternidad, y demás situaciones que sólo la presión puede hacer explotar, y por si fuera poco, algunas escanas en donde el maravilloso cuerpo de Marisa Tomei llena la pantalla con un cuerpo bello, seductor y en verdad erótico.

El final de la cinta supondrá una cascada de sangre, habrá muertes, habrá expiación, incluso el mito de Saturno se hará evidente para lograr una purificación donde todo ha sido arruinado. Lo interesante del film de Lumet es que no hay frases morales, no hay consejos, es tan sólo dejar escapar la avaricia, la soledad emocional y moral, y la muerte como un cambio a un estado de vida mejor, pues se demuestra que los males surgen en la familia misma.

Antes que el diablo sepa que has muerto es un nuevo acercamiento a los sentimientos de las persona. No hay grandes metáforas, sí alegorías, y una cinta que pudiera parecer que se encamina a una versión interesante de un golpe perfecto termina en una cinta de suspenso donde el laberinto llevará a cada personaje a un camino sin retorno.

Por los pasillos del video club

Vender en el mercado de pulgas un ropero, un uniforme militar, una televisión, siempre a precio regateado, son soluciones que encuentra un jubilado kurdo del Caucazo para subsistir en una entorno solitario, gélido, de profunda melancolía, ah, y por si fuera poco, es un viudo. Sin embargo, la vida sigue, y es posible que una relación surja con una compañera de desgracia. Una maravillosa metáfora final revelará que se pueden vender las cosas, pero la dignidad es la que nos seguirá moviendo. Vodka limón, de Hiner Saleem es una cinta escasa de diálogo, pero las imágenes y las secuencias hacen explícita la narración. Vodka limón es una cinta muy disfrutable.

Una visión triste y optimista del ser humano

2008-04-10T12:10:00.000-07:00

La familia Savage es una de esas cintas que reciben poca difusión, tiene pocas copias y sin embargo deja huella en el ánimo del espectador si relaciona la sencillez y encuentra el contraste que se expone a lo largo del film.

The Savage (su título original) es una cinta de Tamara Jenkins, que la verdad sea dicha, de las cintas que ha dirigido no tengo la menor referencia, así que parto de cero para juzgar su dirección, y este primer acercamiento ha sido muy grato.

¿Qué es lo que va a ver el cinéfilo?, podrá ser testigo del proceso de una familia disfuncional que por motivos humanitarios verá reunidos a dos hermanos para hacer frente a las adversidades y así iniciar un viaje de autodescubrimiento que en ocasiones va a ser crudo, en otras pintoresco y divertido, pero constantemente muy inteligente.

El casting tiene un acierto, a mi parece, definitivo: Philip Seymour Hoffman. Él es un actor del perfil de, por ejemplo, Gary Oldman o de Jhonny Deep, es decir camaleónicos, igual lo hemos visto como un estudiante cínico en Perfume de mujer, como camillero angustiado en Magnolia, como un perdedor nauseabundo en Felicidad, y desde luego, encarnado como escritor Capote.

En La familia Savage, Hoffman encarna a Jon, un profesor universitario eremita, descuidado, frío, insencible, y a la vez comprometido con la causa familiar, a su estilo, claro está. Jon será una paradoja que ve con dureza la existencia de asilos donde la gente acalla su consciencia y reconforta su estilo clasista de vida, pero llora cada vez que su compañera de departamento le prepara huevos en el desayuno. Jon es capaz de dar conferencias sobre el sentimiento edípico de Bequer, pero es incapaz de ser un soporte emocional sólido para su hermana Wendy. Uno podría pensar que hay que odiar a Jon, sin embargo es un personaje muy humano y muy creíble por la textura que Hoffman logra dar al personaje.

Por su parte, Laura Linney (a quien hemos visto en cintas como Truman show, El exorcismo de Emily Rose, La vida de David Gale) interpreta a Wendy. Una solterona que tiene una aventura con un hombre casado, que tiene dudas sobre el destino de su vida, que ha pedido en 8 ocasiones diferentes una beca para ser escritora, que tiene ideas sobre hacer una obra de teatro semi biográfica, misma que critica y descalifica en cuanto la comenta y la promueve, que siente una mortificación terrible cuando lo que planea para ella o su familia simplemente fracasa.

Ambos personajes, Jon y Wendy vivirán una serie de experiencias al buscar la mejor solución a la situación de su padre (interpretado por Philip Bosco), un padre que nuncatuvo un sólido concepto de la familia, que está viejo, demente y se encuentra muy cerca de la muerte.

Este escenario es el que Tamara Jenkins traza y dibuja. Es inteligente al insertar segmento de cintas del estilo de Fred Astaire, donde estar feliz es la obligación, donde hay fastuosos escenarios, y que termina por contrastar con el entorno que predomina en la cinta: frío, lluvioso, con nevadas, oscuridad y en general un ambiente deprimente.

La familia Savage es una estupenda oportunidad para interiorizar en los sentimientos que unen a las personas, los pequeños detalles en donde podemos encontrar a la felicidad, o bien, descubrir lo delicado y engañoso que es el placer y la satisfacción.

Personajes solitarios, abandonados al desaliento y hastío de una vida que parece no tener suficientes alicientes para hacer algo diferente o con mayor gusto, y sin embargo, no comparto la idea de que se trate de una historia pesimista, muy en en fondo, la cinta expone que la felicidad viene, en parte, envuelta de la aceptación del ser, de las posibilidades, que es algo relacionado directamente con el equilibrio.

La familia Savage hay que verla con ganas de saber algo más del ser humano, a dejarse envolver por la secuencias acompañadas por una música que transpira melancolía. Vista en unidad, la película me da la impresión de ver algún cuanto cuento de Jorge Ibargüengoitia, que de tan trágicas que son las cosas terminas riendo.

Ojalá La familia Savage permanezca más de dos semanas en cartelera, pues es una estupenda oportunidad de ver algo muy valioso en la pantalla.

Nadie elige vivir así

2008-04-08T13:06:00.000-07:00

Así como hace un par de años el tema recurrente del cine mexicano era la violencia (el secuestro, concretamente), ahora la avanzada es sobre el tema de los migrantes. No me atrevo a decir que el rumbo es erróneo, pero creo que es muy difícil hacer cine de algo de reclamamos cuando caemos en muchas de esas prácticas.

El caso que ahora nos ocupa es La misma luna, cinta dirigida por Patricia Riggen (La milpa, Retrato de familia), y en ella se da una visión, que si bien puede estar algo gastada cumple su cometido de entretener en la sala y mover los sentimientos, lo cuál no necesariamente es punto insalvable.

Vayamos por partes, como dijo Jack “El destripador”. Ya el año pasado pudimos ver con El pequeño Vannya una cinta emotiva en donde el héroe cumple todo un periplo para encontrar a su madre, quien por cierto, no se va al extranjero para mejorar su estilo de vida, sino que lo regala a un orfanato para que eventualmente tenga una mejor oportunidad en la vida vía la adopción.

En el caso de La misma luna la fórmula se repite: la fortaleza de los vínculos entre madre e hijo será el motor para que un niño de 9 años cruce parte del territorio mexicano y estadounidense para reencontrarse. Este viaje está cargado de momentos cálidos, de transformación de los personajes…, sin embargo, en esta comparación de argumentos la cinta rusa, me parece, lleva la ventaja.

Otro detalle, El pequeño Vannya es una lucha del niño (el héroe) que aunque dramática y fuerte, guarda toda la fuerza y ternura hasta la imagen final donde no hay lágrimas, no hay gritos, sólo un niño que ve iluminar su rostro al ver (él, no el espectador) y escuchar la voz de su madre ya encontrada. En el caso de La misma luna, la directora no deja pasar la oportunidad de poner a madre e hijo llorando en la calle y esperando a que un semáforo de la luz verde para hacer tangible su ya inminente encuentro. Otro punto para la cinta rusa.

Esto que se acaba de apuntar no pretende destruir la imagen de La misma luna, pero me parece justo explicar los detalles que hacen a algunos argumentos más pensados, más elaborados, y que no dependen tanto de los elementos sentimentales, que por cierto, no dejan de estar bien empleados en la cinta mexicana de acuerdo a lo que se busca.

¿Qué mantiene a flote a la cinta?, el dilema que como mexicanos nos resulta muy atractivo, ver que el americano, al fin y al cabo como capitalista, tiene la sartén por el mango, emplea y dispone como mejor le conviene el trabajo del migrante ilegal, es decir, perseguirlo y contratarlo, saber que está, que lo necesita, y a la vez despreciarlo.

En cuanto a las figuras en pantalla, se recurre al símbolo, casi fetiche, del migrante que son los Tigres del norte, así como una actriz que tienen una honestidad interpretativa notable como Carmen Salinas, y que apoyan a Kate del Castillo (Rosario), que trasmite muy bien la angustia de la madre desesperada, e incluso la participación de Eugenio Derbez (Enrique) que parece decir ¡soy un actor, lo puedo demostrar!; pero de manera particular destaca Adrián Alonso (Carlitos, por cierto), claro, el niño que encarnará al héroe que vencerá todos los obstáculos.

Justo es decir que la cinta no muestra a un héroe falso, a veces Carlitos es la fortaleza de atender a su abuela, pero no dejar de conmoverse ante la muerte de ésta, y que a la vez representa el punto de inicio para su viaje, pues su abuela es lo único que lo une a su casa.

En Carlitos veremos que a veces se muestra la inocencia de un niño a punto de caer en las garras de los traficantes de personas, pero contrasta con su empeño para trabajar y ganarse así el sustento, el favor o la situación favorable. Carlitos se impondrá a la figura del padre ausente y a la indiferencia del único adulto al que se puede unir en su andanza por el desierto y así es que se logran tocar diversos aspectos que en la unidad hacen divertida a la cinta y no perderse en anécdotas vagas (Secreto en la montaña, por ejemplo).

La misma luna no es profunda, no es novedosa, sin embargo sí expone la posible transformación del ser humano, del indiferencia del egoísta que termina entendiendo lo que es el sacrificio y que lo aceptará como tal, pues así es como podrá hacer verdad un sueño que no es el suyo, ese es el aporte de la cinta, y Enrique será en quien recaerá esta responsabilidad, estos elementos han hecho posible el que esta cinta haya obtenido premios y reconocimientos en festivales como el de Toronto o el Sundance.

Gocemos La misma luna, y si es posible, que sea motivo de reflexión sobre el por qué sufrimos y nos indignamos de las injusticias que padecemos al ir al norte y a la vez somos tan ciegos e indiferentes a lo mismo que hacemos cuando tratamos al que viene del sur.

La fidelidad narrada en tatuajes

2008-03-27T17:52:00.000-07:00

El cine de David Cronenberg, dentro de lo bien hecho que resulta, es perturbador. Revisando su filmografía, salvo algunas excepciones, es de gran intensidad, y de notable empatía con el espectador, y para mi el mayor ejemplo es Crash (1996), aunque Promesas peligrosas me parece mejor lograda.

Easter Promises (título original) es una cinta en donde se expone la forma en que opera la mafia rusa, pero no en un sentido de crimen por sí mismo, sino en sus códigos. El ambiente que se pondrá será el aducado y correcto Londres, que es uno de los lugares donde las familias mafiosas han extendido sus influencias.

Desde el inicio el director jugará con los sentimientos y emociones del espectador, un degollamiento y posterior preparación del cadáver (cortando dedos y arrancando dientes) mostrará el perfil necrófilo tan habitual en el negocio de la mafia. Paralelo a este círculo de ajusticiamientos, una enfermera partera se involucrará en el caso de una niña, recién nacida, que por extrañas circunstancias resulta estar involucrada con la familia de mafiosos en cuestión, un diario será la llave de entrada y que a la vez la expondrá a los naturales peligros que conlleva.

El reparto de esta cinta de Cronenberg descansa en Viggo Mortensen (su nuevo fectiche fílmico, pues ya lo dirigió en Una historia violenta), Naomi Watts (la enfermera partera), un soberbio Vincet Cassell (el patriarca mafioso), y Sinead Cusack como el hijo idiota heredero.

A lo largo de la cinta, el director canadiense gusta de jugar con los personajes en sus acciones, es decir, Nikolai (Motersen) es un chofer, y paulatinamente se va involucrando con la familia, conoce los códigos de la mafia, es discreto, gélido, eficaz, no tiene miedo y ya es inmune al dolor, domina los métodos, sabe que su madre es una ramera y que su padre no existió nunca, su única familia es la mafia.

Promesas peligrosas, además, tiene la gran virtud de poner una violencia en verdad profunda, es decir, lo que en otras cintas puede ser grotesco, incluso ridículo, como las cintas de terror, en las imágenes de Cronenberg resulta natural, crudo, pero justificado, la sangre y el dolor son parte del relato, y como tal hay que involucrarse, pues sus imágenes logran trasmitir lo que es el dolor y la angustia de la vida que se escapa por el tajo de una navaja.

Un secreto es lo que dará unidad y coherencia al relato, de nueva cuenta se pondrá un ambiente misterioso, de poca claridad para el que está fuera del círculo selecto, el escalar en la sociedad, el saber ver y callar, el relatar tu vida por medio de tu cuerpo tatuado es lo que veremos en Promesas peligrosas, pero no por ello hay que bajar la guardia, no todo en la maldad ni es unidireccional, existen normas y líneas que no se pueden saltar, trazos hereditarios, crímenes a infantes, o fidelidades a prueba de la dignidad misma se expondrán y el espectador tendrá que notar esto en el estilo fílmico de Cronenberg, o en su defecto, salir de la sala, pues no se trata de un cine cómodo.

Es muy seguro que quede para la memoria del cinéfilo la iniciación de Nikolai en su nueva familia, la lucha a muerte que tiene en un baño sauna (ahí si que hay una demostración clara del dolor, de dirección y de compromiso del actor), de los lazos que unen a una familia, donde lo que en verdad cuenta es salvar en todo momento a la cofradía, y en medio de todo ello, la defensa de la inocencia nacida de la misma barbarie.

Promesas peligrosas cuenta lo que desea el director en el momento adecuado, pues no hay empacho en guardar un as bajo la manga, sin el cuál la bondad y compromiso de vida no se podría entender.

De ninguna manera pretendo afirmar que la película de Cronenberg nos hará expertos en los códigos de la mafia rusa, pero sin duda es un acercamiento muy interesante, muy bien fotografiado y con una estética en sus cuadros, que mantendrá al espectador atento, muy tenso en su asiento, y al final saber que es posible que aún haya esperanzas de que en algunas ocasión, los buenos ganen.

Falsificadores en una lucha real

2008-03-25T10:51:00.000-07:00

Cuando uno pone un poco de atención en los registros históricos no puede uno menos que asombrarse de que las cosas hayan resultado como las conocemos. Sin duda que un hito del siglo XX fue la segunda guerra mundial, y por ejemplo no deja de llamar la atención que quienes estaban en verdad pactados en sociedad fueron los que perdieron, y lo aliados, que sólo tenían ese nombre, fueron los ganadores pese a sus notables rivalidades.

La cosa no para ahí, a la fecha las técnicas de propaganda y adoctrinamiento mantienen la esencia que perfeccionó Goebbels, y por si fuera poco, lograron desarrollar un sistema de falsificación que pudo llevar a la quiebra a la economía inglesa y americana, ¿entonces por qué perdieron?, tal vez por pactar con sus enemigos en plena guerra.

La Operación Bernhard fue ideada por Reinchard Heydrich, aprobada por Heinrich Himmler y ejecutada por un coronel de las SS llamado Berhard Krüger.¿En qué consistió?, el 10 de marzo de 1944 nueve prisioneros judíos de Auschwitz, presos por falsificación, cinco de ellos polacos, un holandés, un francés, un checo y un apátrida fueron llevados a Sachsenhausen para trabajar en un proyecto a gran escala de falsificación. Uno de los expertos del equipo de 142 falsificadores fue Salomón Smolianoff un ruso que falsificó billetes de banco británicos de 50 libras en 1927 y que fue arrestado en Ámsterdam. Otro fue Adolf Burger, un eslovaco judío experto en impresiones falsas. Burger fue apresado por la Gestapo por falsificar documentos de identificación personal para comunistas en Bratislava y enviado a Auschwitz (las memorias de Burger son la base del guión de la historia que comentaremos).

Este entorno histórico es el fundamento de la cinta Los falsificadores, de Stefan Ruzowitzky (director que ya ha dirigido Anatomia, y su secuela, dos cintas de suspenso), y que en esta ocasión plantea las diversas ópticas en que se enfrenta un lucha de supervivencia en un campo de concentración.

El dilema en simple, por así decirlo, los nazis están exterminando a las razas inferiores, los judíos en primer lugar, y sin embargo seleccionan a los más aptos en el “arte” de la falsificación para realizar la operación que más arriba se detalló. ¿Que hacer?, cooperar a fin de mantenerse vivos y bien alimentados en el campo de concentración es una opción, sabotear la operación para forzar la eventual derrota nazi es la otra posibilidad.

A lo largo de la cinta de Ruzowitzky se van encontrando momentos que aunque no llegan a un suspenso absoluto, sí queda en evidencia la lucha por la supervivencia, aunque se trate de presos VIP, en donde se encuentra tiempo para la negociación, para la aceptación de conveniencias ( Krüger reconociendo que no es nazi, pero en conveniente pasar por uno), Salomón cuidando de hacer su trabajo para conservar la vida, pero sin pensar en denunciar a quien está saboteando el trabajo de todo el equipo.

No me queda duda alguna de que Los falsificadores no pasará a la historia como la mejor película de dilema ético, pero si es una perspectiva un poco más honesta del holocausto, en el sentido en que se ve que los nazis no eran tan “honestos” en su convicción, eran capaces de limitar su brutalidad en pro de un beneficio, de judíos que vieron también el fenómeno con un pragmatismo que los ha caracterizado o incluso estigmatizado.

El valor de la cinta estriba en haber expuesto una lucha digna y honesta en medio de estafadores profesionales. Para algunos presos la lucha era mantenerse vivos, para otros era la forma de acabar con el monstruo desde sus entrañas, para otros era soportar el dolor del holocausto en su familia. Esa era la real batalla, una batalla tan evidente como las falsificaciones que a más de uno lo mantuvieron vivo.

Los falsificadores es una cinta muy amena, que se disfruta, con una fotografía que acentúa muy bien el estado de sometimiento, y que presenta una perspectiva más al holocausto, a mi juicio, una óptica más a real y cercana.

La Zona, o la defensa de un estilo de vida

2008-03-24T20:04:00.000-07:00

Enrique Galván, colaborador del noticiario de Jacobo Zabludovsky, explicó en una anécdota que un policía le había confiado en alguna ocasión que los cuerpos policíacos mexicanos son de los más capaces del mundo, pero si no se lograba hacer evidente este hecho era “porque no les dejan pisarle la cola al diablo”. Esta anécdota me parece que puede ser parte de la premisa de La Zona, cinta de debut de Rodrigo Plá.

La Zona no es un terreno común, La Zona no es un barrio exclusivo enclavado en lo más deprimente de la miseria, ni siquiera es un gueto de gente adinerada que ha decidido recluirse en ella para su “protección”, La Zona es un pequeñoEestado que se ha escudado en la intolerancia para limitar sus fronteras.

Honestamente no estaba muy convencido de ver la cinta de Rodrgo Plá, sin embargo me es grato poder dar un comentario favorable a esta historia, pues pone al descubierto lo más lamentable y triste de la condición humana, sin que por fuerza se encasille a un segmento en específico de los protagonistas.

Miguel es un adolescente de una colonia mísera, que colinda con la barda electrificada y filmada de La Zona, y un accidente, la caída de un espectacular, se convierte en una escalera en medio de una tormenta, con lo que el accidente se vuelve en una oportunidad de poder entrar a robar a las opulentas cosas del exclusivo fraccionamiento.

En la lógica que conocemos en lugares como la ciudad de México, los colonos de La Zona tomarán la justicia en sus manos, y es en ello donde la historia se volverá en caldo de cultivo de todo aquello que se hace “por el bien de todos”, es decir, lo escalofriante de la acción humana.

En un recuento de algunas de las atrociodades que nutren la cinta de Plá se puede apuntar la cacería humana que se organiza (como si hubieran sido entrenados por el KKK), la existencia de amparo que protege a los habitantes de La Zona de cualquier acción o investigación policíaca, y así podemos seguir, pero hay que ver la cinta para poder comprender eso que de tan simple aterra: una cosa lleva a la otra.

Los motivos de los protagonistas son amplios, los ricos consideran a la policía la fuente de la corrupción, de lo más asquerosos del sistema social, al cuál se sienten elegidos para dirigir (pues sólo hay una cosa peor que un policía corrupto, y es un policía que no se deja sobornar); la policía es movida por la búsqueda de exhibir a estos adinerados que se sienten superiores. No hay una búsqueda de justicia, mucho menos de solucionar el conflicto, la cosa es sencilla, se trata de un mano a mano entre autoridad y residentes, donde quien quedará en medio, para no variar, será el pobre, el miserable, que en este torbellino de intereses está desprotegido.

Poco a poco las emociones y los intereses van a ir moldeando las posturas de cada colono de La Zona, y como si se trata de mitología, los líderes más sanguinarios del fraccionamiento tomarán en control, justificaran su podredumbre, acomodarán las piezas que molestan (cualquiera sabe que un muerto hay que tirarlo a la basura), e incluso actuarpan en beneficio de la colectividad amedrentando a todo aquel vecino que no esté de su lado de manera ciega.

La cinta presentará un clímax que nos suena típico en la democracias bananeras que habitamos (es que no sé como llamar a las otras democracias) donde la solución es simple, un soborno, pero no algo tan asqueroso como poner dinero en la mano del corrupto, no, se trata de tener estilo, donde hay sujetos de traje, portafolios, números que se anotan en papelitos, vamos, se trata de un acuerdo de caballeros, ¿no? Bien decía en maestro Groucho Marx: "Disculpe que los llama caballeros, pero es que no los conozco". Policía y Sociedad se reencontrarán y podrán volver a vivir en armonía, pues ambos tendrán lo que reclaman, dinero o sangre.

Sí, Miguel tendrá la cantidad justa de sangre que saciará la sed de tan educados y finos colonos, gracias a ello podrán volver a vivir en tranquilidad, sabiendo que han acabado con un asesino miserable (y pobre), porque lo que ellos han cometido se da en nombre de la justicia (ojo por ojo), de las buenas costumbres, del buen vivir, y en donde como siempre, el pagano será el que no tiene dinero para comprar un

estilo de vida.

Sí, es posible que más de un personaje de este microuniverso sienta culpa, pero ¿entonces para que existe el dinero, la clase, el estilo, la jerarquía?

Sí, La Zona cuenta con el apoyo de actores como Daniel Jiménez Cacho, Carlos Bardem, Maribel Verdú, Blanca Guerra, Claudio Obregón, y sin embargo, el sentido de la película es lo que exibe: que después de las cavernas, poco hemos logrado en verdad.

Una vida condenada por la mentira

2008-03-18T18:54:00.000-07:00

Briony (Saoirse Ronan de niña, y Romota Garai de adulta) es una niña que siente la aspiración de ser escritora, a sus 11 años ya escribe obras sencillas que planea representar en las reuniones familiares. Cecilia (Keira Knightley) es su hermana mayor (de unos 19 años), es una mujer muy atractiva y que vive una sensualidad muy avanzada a su época (1936), en tanto que Robbie, (James McAvoy), además de tener la edad de Cecilia, es el hijo de una sirvienta de la casa, y técnicamente ha sido adoptado por la familia Tallis (la familia de Briony y Cecilia), estos tres personajes son los protagonistas del drama psicológico Expiación, deseo y pecado, dirigido por Joe Wrigth.

Sobre Joe Wrigth no hay mucho en su filmografía, sólo se puede anotar una cinta llamada Orgullo y prejuicio, y si nos guiamos un poco por la idea de los títulos podemos ver que es un director que gusta de los juegos de apreciación, de criticar a la doble moral de la sociedad (y que parece encontrar en el pueblo británico un ejemplo claro).

Expiación, deseo y pecado (novela original escrita por Ian McEwan y titulada por él como “Atonement”), rompe el hilo narrativo lógico, nada es completo sin alguna de las partes, y es así, por medio de fragmentos que la cinta va presentando elementos al espectador para que éste haga su propia imagen, tome partido, e incluso sea engañado por algunos instantes.

Existe, como siempre, un macroentorno que es la inminente guerra mundial, en tanto que el microentorno es la el amor, o atracción, mejor, la fantasía de Briony hacia Robbie, la cual lo hace celar sus pasos, estar pendiente de su flirteos con Cecilia, exponer su vida para asegurarse que Robbie será el caballero galante que la librará del apuro, y más, en un arrebato de celos (o de protección) inculpará a Robbie de una violación con nada más que su conicción de que así debieron ser las cosas. Robbie terminará en prisión, ¿por ser culpable o por no tener un respaldo aristocrático que lo libre del problema? Es fácil adivinar cuando es el hijo de una sirvienta y ha mordido a la mano generosa que antes lo protegio.

La cinta de Wrigth dará continuos saltos, de pronto veremos que el tiempo recorre cuatro años, donde vemos al recluta Robbie tratar de salvar su vida en la playas de Dunkerke, donde Cecilia ha roto en definitiva con su familia por la traición de Briony, en tanto que ésta deja su futuro universitario para enlistarse como enfermera militar, pero después podemos regresar dos semanas, con lo que la atención del espectador se fortalece. Sí, los tres protagonistas de estas historias enlazadas viven su expiación, el deseo y la culpa del pecado.

La culpa y la búsqueda frenética de Briony por lograr rearmar el rompecabezas que adulteró será el pecado que tratará de expiar, sus pasiones por la literatura será el escape, el legado, la disculpa por haber separado a los amantes, por haber sido el obstáculo a su deseo, pero cuidado, no hay que engañarse con la idea de una salida rápida, de aclarar el malentendido y esperar a que la guerra termine.

Briony, como enfermera verá el dolor, la angustia de hombres y mujeres que han dado su vida por defender una causa extraña (¿por qué tenemos que defender a los franceses si éstos nos odian, reflexiona un soldado inglés), en tanto Robbie tendrá que vagar, con sus ojos ser testigo de la poca gloria que hay en la guerra, del caos y miseria a donde es arrojada la dignidad humana en pro de gloria propagandística, asido a la imagen de una postal, que como promesa de paraíso, se mantiene firme en este infierno donde no tiene un Virgilio que lo guíe o lo entregue a su Beatriz.

El salto magistral de la cinta vendrá al final, unos 50 años después, donde veremos a una Briony envejecida, víctima de una enfermedad que aunque cruel, le permitirá a su alma y a su memoria borrar el infierno que creó, un final poético para el nada poético final que Robbie y Cecilia encontraron.

La confesión de Briony se constituye en la pieza central de la cinta, y sin embargo se guarda al final, creando un estado de empatía con el sufrimiento de los amantes que bien vale la pena vivirlo en la sala fílmica.

Quizás la doble moral sea uno de los puntos que los filósofos han descuidado de la naturaleza humana, es posible que cintas como Expiación, deseo y pecado sea un ejercicio de armado de una realidad que nunca está definida, en donde todo depende de momentos cambiantes, esquivos, y que sin embargo son el combustible por el cuál vale la pena vivir.

Una charla reveladora

2008-03-17T21:45:00.000-07:00

En la filmografía de Zabou Breitman sólo encontré el antecedente de 2002, Acordarse de las cosas bellas (que no recuerdo en nuestra cartelera saturada de plástico fílmico), y sin embargo su nueva propuesta El hombre de su vida presenta un interesante ejercicio de búsqueda de la identidad humana por medio de una visión integral y con varios perfiles muy bien trabajados.

El hombre de su vida se centra en una casa de campo donde Frederic (Bernard Campain) es un esposo como cualquiera, atiende a su hijo, quiere a su esposa Fredérique (Lea Druker) y goza de un verano en el campo en compañía de sus vecinos. Unas vacaciones campestres que parecen ideales para cualquier familia feliz.

La historia no tiene giros espectaculares o de sensualidad exagerada, sólo sugiere un cambio de perspectivas que va introduciendo al espectador en un ambiente de estética, de búsqueda de respuestas, de esa identidad y de apariencias que por paradójico que suena, en su perversión mantiene cohesionada a la sociedad.

Es en este ambiente amable que aparece Hugo (Charles Bergin, a quien ya vimos en Padre e hijos), Hugo es un diseñador que puede pasar por libertino, es homosexual, gusta de la belleza un tanto andrógina, nada desnudo en su alberca, vamos, se podría decir que es un metrosexual metido en la campiña.

Por medio de intensos desgloses de un diálogo en particular, Breitman nos va presentando a un Hugo amable, pero a la vez intenso cuestionador de los principios que agradan a la sociedad: amor, matrimonio, estabilidad, fidelidad, entre otros. Hugo es apasionado, pero no alza la voz, y paulatinamente va inquietando a Frederic, quien empieza a ver en Hugo como alguien más allá de un vecino con ideas sofisticadas.

La metáfora se completa de dos formas, digamos que la visual es cuando ambos pesonajes se internan en el bosque para trotar, Hugo siempre irá de frente, y su cuerpo será delineado por los rayos del sol, este reflejo matutino marcará el camino para que Frederic empiece a dudar no de su masculinidad, sino de los valores a los que ha apostado en la vida y que hacen a Hugo tan sólido, tan admirable, tan atractivo en su forma de ser y de buscar el equilibrio.

Ahora, la metáfora se complementa con Hugo cargando a Frederic, pues se ha lesionado en su trote matutino, y es así como este caballero carga en sus hombros a un Frederic que es conducido por campos de una belleza particular, la imagen que da motivo al cartel promocional es un campo de girasoles, lo que me parece que se puede interpretar como el movimiento de la flor en idéntica manera a como Frederic ve a Hugo, es el sol al cual va a tener que voltear a ver como su nuevo referente.

Sí, la cineasta francesa va a dulcificar la imagen del hombre en su búsqueda de identidad, pero no va a dejar pasar por alto el rechazo a la homosexualidad, el distanciamiento de las familias por preconceptos sociales y morales, la angustia y crisis de la familia que está viendo trasnformado su equilibrio, así como la violencia sexual que tan comúnmente se ve cubierta por la educación y las buenas formas.

El hombre de su vida es un buen ejercicio de seguimiento fílmico, donde una charla al amancer será como un nuevo despertar para Frederic, pero el exponerla desde diferentes ángulos, y descubriendo poco a poco el contenido de esa plática hace que la cinta no pierda intensidad.

La dirección de la película no pierde de vista el juego de las imágenes narrativas, como el departamento de Hugo, donde un piso de vidrio nos permite ver la estética masculina con ternura, con inocencia, con una candidez que sólo una mujer puede trasmitir; o bien, en un juego de sombras que van completando palabras al ser proyectadas sobre un muro de su despacho y así hacer que la oficina de Hugo tenga ese perfil camaleónico. El hombre de su vida obliga a que el espectador permanezca atento a lo largo de sus casi dos horas de duración.

La experiencia va a confirmar algo a Frederic: no es invencible, tiene debilidades, y permanecer ajeno a esto es tanto como traicionar su propia existencia, su alter ego, representado por su hijo vestido de súper héroe, terminará por evidenciar el dilema en donde ahora el protagonista tendrá que buscarse.

Sadismo con principios

2008-03-07T19:55:00.000-08:00

El gran Lebowski, Fargo, El hombre que nunca estuvo, ¿Dónde estás hermano?, son las películas que he visto de los hermanos Coen, y en todas ellas hay pequeñas marcas que aunque comunes son muy divertidas y atractivas en su estilo narrativo.

Guardando las proporciones, o mejor, en un tono polémico, me atrevería a decir que los Coen ya son de ese club del sello de Woddy Allen, donde los actores buscan prestigio más que dinero al trabajar con estos hermanos que logran trasmitir muy bien el sentimiento popular de nuestro llamado vecino del norte.

Sin lugar para los débiles (más preciso me parece Sin lugar para viejos) es la nueva propuesta de Ethan y Joel Cohen. La historia se desarrolla en el desierto texano, y en donde el entorno de cacería se va manifiesta a lo largo de la cinta.

Llewelyn (Josh Brolyn) es un cazador que hallará el saldo de una matanza entre narcotraficantes, algo así como unos 12 o 15 masacrados en la nada del desierto (sólo encontrando un moribundo traficante suplicante de agua), digamos algo que ya es parte de los usos y costumbres de este lado de la frontera. Su escuela de cacería lo lleva a toparse con una valija que tiene algo así como 2 millones de dólares. El golpe de suerte está planteado desde el inicio.

Llewelyn, sin embargo, no podrá tener la mente tranquila, y a media noche llevará agua al que único sobreviviente que encontró en la zona de la matanza. ¿Tendría motivos éticos o morales para este gesto de caridad?, no, sin embargo él mismo le dice a Mary Jane (su mujer) antes de salir: “Voy a hacer una estupidez”.

Es por medio de esta estupidez que inicia una cacería por la valija millonaria, y en donde el resto del elenco de la cinta va tomando su papel y peso en la historia. Veremos a un Llewelyn perseguido por Antón (Javier Barden), a un Carson Wells (Woody Harrelson) que trata de ser su única opción de salir con vida, y a un sheriff viejo y rebasado por la maldad que impera en el mundo (Tommy Lee Jones).

Hay varios puntos que hacen a la cinta de los Coen muy atractiva: poner a un asesino en verdad frío, desalmado, realmente incalificable (algo complicado en estos tiempos que vivimos), como Antón. El dotarlo de sadismo no quiere decir impedirle elegancia, pues lejos de ser amante del baño de sangre con armas de fuego se vale del aire comprimido para liquidar a sus enemigos. Por favor, pongan mucha atención al papel de la moneda de la suerte, sobre todo en la gasolinera.

Hay más, la búsqueda del dinero hace que por momentos Antón sea el cazador, pero también por instantes Llewelyn es quien marca el paso del acecho. Paralelo a ello, el sheriff se mantiene cerca, reflexiona sobre la maldad, sobre esos colegas que trabajan sin pistolas. Cuidado, no se trata de poner a un simple policía rural, muy seguramente es toda una metáfora del buen juicio, de la justicia, de lo bueno que hay en todo ser humano que es incapaz de comprender la cacería que se hace por dólares. En algún momento se existe un diálogo así: “Ahora todo es traficar y el dinero”, es decir, como si la delincuencia se hubiera prostituido en la actualidad.

Ahora bien, hay varias secuencias de auténtico sadismo y escándalo, y nunca aparece nadie que grite, patrullas, equipos de rescate, o algo similar, la matanzas se da en soledad, sin testigos, sin ruido, sin curiosos. ¿A caso no parece el entorno mexicano, concretamente capitalino?, Es ahí un paralelismo que puede ser evidente: Sin lugar para los débiles es una representación de los pueblos del “viejo” oeste, donde al haber duelo todo mundo se escondía hasta que uno de los pistoleros quedara muerto. Los Coen nos traen una historia de vaqueros, pero aquí los buenos están desbordados, y los malos están en su escenario a sus anchas.

Sin lugar para los débiles nos va mostra matanzas en verdad impactantes, protagonistas que son masacrados con la mayor naturalidad, buenos que se empeñan en comprender a la miseria humana, perversos que no funcionan por dinero, o por ambiciones personales, es más, se podría decir concretamente que Antón es un tipo con principios, su sed de sangre, si se ve con calma la cinta, está justificada y nos plantea interrogantes inquietantes sobre la naturaleza humana.

Más que enlistar los premios o honores alcanzados por la cinta (que me parece inferior a Petróleo sangriento), sin duda ofrece un punto de vista muy actual sobre la condición humana, ah, y sin que deje de mencionarlo, por favor, que no se vaya a hacer un drama por la forma tan… folklórica en que la cinta expone al lado mexicano, después de todo, es muy posible que lo expuesto en Sin lugar para los débiles sea sólo parte del “training” que disciplina al narco mexicano.

Un ateo vendiendo su alma a Dios

2008-03-05T17:06:00.000-08:00

Boogie Nigths (1997) y Magnolia (1999) son cintas que aparecen en la filmografía de Paul Thomas Anderson, y me atrevo a decir que en cada una de ella va superando su calidad narrativa, su profundidad de emociones y la eficacia de la trama, incluso superando el horrendo título impuesto de Petróleo Sangriento, su más reciente trabajo.

En su momento critiqué a Ang Lee en Secreto en la montaña, pues la historia se convirtió en una serie de estampas con poca relación, sin fuerza en los personajes y que me parecía que después de 45 minutos había agotado el dilema (por cierto, mantego mi afirmación). En el caso de Petróleo sangriento, también se van tejiendo una serie de andanzas, pero con la cualidad de ser fuertes, de ocultar parte de su información para momentos posteriores, de tal manera que hasta los últimos 5 minutos hay sorpresas guardadas para el espectador.

Anderson centra la narrativa fílmica en Daniel Plainview (Daniel Day Lewis), y en el nombre mismo pone el sello del visionario. Daniel es un minero que a base de golpes, accidentes y mucha astucia pragmática va armando un emporio petrolero en Texas (sí parte bonita que se quedó en EU).

Daniel es un hombre práctico, frío calculador, con lógica de negocios, pero no por cuadrar los números (cosa ya por descontada), su lógica consiste en saber negociar, en saber conceder y en saber cobrarse en el momento indicado. A medida que logra un negocio va confirmando su idea de supremacía sobre los demás. Daniel es algo así como una manifestación viva del Leviatán, donde la óptica que predomina del ser humano es mísera, reduccionista, plagada de ambición, traición, y eventual supervivencia del más sanguinario.

¿A qué se tiene que sobreponer Daniel Plainview?, a un oficio como la minería, tan riesgosa como en la actualidad, pero con menos difusión posible, a una comunidad religiosa (la Iglesia de la Tercera Revelación) que es encarnada por Eli, un pequeño fanático que en nombre de Dios busca lo más jugoso de los negocios terrestres; además de la férrea competencia de la naciente industria petrolera.

¿Tiene Daniel algún tipo de descanso en su frenética lucha de poder?, su hijo,. Un chico simpático, agradable a la vista, que es algo así como la cara tierna que ofrece al momento de cerrar negocios. Plainview es también visionario en ello, sabe que su rostro y sus asuntos son rudos, y una cara inocente y juvenil le abrirá la aceptación de granjeros que ven en la tierra el mayor bien del planeta (aunque sólo haya piedras y tierra).

Pero a medida que Daniel va concentrando sus logros tendrá que ceder más cosas, por ejemplo el convertirse al culto de la Tercera Revelación (una escena muy simpática), a la aparición de un medio hermano aparecido de la nada, e incluso vivir con la sordera de su hijo, producto de un accidente en una torre petrolera.

Pero cuidado, no nos vayamos con el engaño, Daniel va a conseguir una opulencia absoluta, y sin embargo la dirección de Anderson no olvidará que se trata de un personaje ambicioso de poder, de demostración, que se encuentra feliz durmiendo el piso, ebrio y grosero, que busca destrozar a todo aquello que le represente una amenaza o competencia, de lo cual será víctima también su hijo, ¿la revelación del final será producto de su ira o de por fin revelar una verdad?, habrá que reflexionarlo.

Por supuesto, el remate de la cinta es contundente, es brutal, es una alegoría de lo que desearía cualquier ateo que vendió su alma a Dios con tal de hacer negocios y que termina por reclamar lo suyo, como si se tratara de un Tartufo que sí logró salir victorioso.

Petróleo sangriento (me parece más atinado el literal Puede ser sangre) es una cita que se apoya en la narrativa visual, en secuencias muy empáticas (una pierna rota, un obrero muerto por un tubo suelto, entre otras), por discursos muy crudos y muy persuasivos, con planos muy amplios, con con cercanía a las emociones de cada personaje, y todo ello enmarcado con una banda sonora (Jonny Greenwood) que delata ambición, asechanza y un ritmo que incluso ni parece de Hollywood.

Petróleo sangriento me parece una gran cinta superior en ciertos detalles a Sin lugar para los débiles (aclaro, esta cinta me gustó y más adelante se comentará); sin embargo, la cinta de Anderson es una muestra, a mi parecer, de un director maduro que escarba en las actitudes que han hecho del imperio americano ese tirano cínico y traidor que a la fecha conocemos.

La sangre llama

2008-03-04T11:04:00.000-08:00

Sangre de mi sangre es la primera película que dirige Christopher Zalla, y me parece que se trata de un inicio alentador. A mi juicio tuvo la mejor decisión en sentar la base de su relato en un actor como Jesús Ochoa, que a mi parecer es uno de los actores más dominantes en el medio mexicano. No sé si su estilo sea puro, si esté refinado, si se comporte de manera similar en cada uno de sus trabajos, pero sin duda llena la pantalla por más tosco, agresivo o antipatico que sea su personaje.

Sangre de mi sangre es un relato de dualidades, Pedro (Jorge Espíndola) es un chico de diecisiete años que viaja a Estados Unidos, concretamente a Brooklyn, para encontrar a su padre, Diego (Jesús Ochoa), pero en el viaje conoce a Juan (Armando Hernández), quien termina suplantado a Pedro, digamos que el vivillo de la película, y es así como ambos personajes empiezan su particular búsqueda.

Diego, el padre en cuestión, es un mexicano que reside en Estados Unidos con la intención de olvidar su pasado, es hosco, encerrado en sus trabajo (lavaplatos y fabricante de flores de fantasía), que vive en una miseria absoluta, quizá para expiar sus errores, quizá para no ser deportado como ilegal, quizá como un estilo eremita que lo satisface al alejarse del mundo.

En tanto avanza la historia la dirección va mostrando diversos personajes y situaciones desalentadoras, carentes de valores más allá de lo económico, donde la soledad, la falta de futuro y el comercio sexual (en muchas de sus variantes) se van entrelazando como una respuesta y crítica al sueño americano. Sangre de mi sangre es la antítesis del glamoroso Nueva York de las películas de Woody Allen.

La búsqueda de estos tres personajes centrales no será fácil. Pedro está sin un papel de identidad, sin dinero, sin saber nada del idioma, es una apátrida que deambula por lo más bajo de Nueva York, Pedro, por su parte, no puede dejar atrás su estilo de vida: robo, engaño, apatía, búsqueda de la oportunidad de su vida (chingando a alguien, desde luego), y aunque es obvio que no desea dejar ese estilo de vida, tendrá que enfrentarlo a las consecuencias.

Por medio de imágenes sórdidas, de filtros en color verde que acentúan los estados de ánimo de los personajes, Diego poco a poco se irá involucrando con el Pedro que se le ha presentado. Después de todo, es algo así como él de joven: seguro, presumido, altanero, echador, como se dice en México. Diego empieza a verse proyectado en el gandul que dice que es su hijo, sin que ello elimine la posibilidad de enfrentamientos, de reclamos, de aceptación de culpas, y sobre todo, de defender cada uno su posición de macho dominante.

La dualidad de la historia se confirma con las decisiones de Pedro y Juan. Juan no tiene mayor escrúpulo en dominar la situación, sacar ventaja, comprar lo que desee y para ello valerse de cualquier medio, en tanto que Pedro va a ser el ejemplo de estoicismo, será llevado al límite de sus valores, de su moralidad, sí, será doblegado, pero ello no quiere decir que se entregue al sistema corrupto en el que cimienta un imperio como el americano.

La búsqueda, como en la historia más clásica terminará con una navaja que pareciera que desde el inicio de la cinta reclama su ofrenda de sangre, y ese será el inicio de la pena de Juan. ¿Y es que puede haber más tormento para un timador que por fin atreverse a decir la verdad y no que no se la crea nadie? Diego al final podrá ser ese padre protector, sacrificado en el juego de los personajes, en tanto que Juan continuará como empezó la cinta, corriendo, perseguido, quizás ahora no por matones, ni por la policía, sino por sus propios remordimientos, por la culpa que va tan sólo un paso atrás de él, que no lo alcanzará, pero que tampoco lo dejará tranquilo.

La cinta de Zalla también se fortalece con un papel de apoyo de Eugenio Derbez (¿llegó el momento que reclamará que sí es actor?, al tiempo) y de Paola Mendoza, una drogadicta que guía a Pedro por el purgatorio noeyorkino, además de una ambientación que plantea seria dudas de si en verdad vale la pena este tipo de aventuras a Estados Unidos.

Sangre de mi sangre no intenta convencernos de que hay que quedar en México, o que hay que vengarse de los americanos explotadores, ni siquiera denunciar los valores morales más tradicionales, es tan sólo plantear los dilemas que cada vez ahogan más a la humanidad: ¿cuál es nuestra identidad? Alentador es el inicio de Christopher Zalla.

Juno, o madurar a pesar de todo

2008-03-02T08:29:00.000-08:00

He de confesar que escuché buenos comentarios de Juno, crecer, correr y tropezarse, y para excepción de mis gustos fílmicos terminé viendo la cinta, claro, tomé ciertas precauciones como un boleto gratis por mis puntos acumulados como cliente frecuente, así como un horario bien matutino para evitar a la mayor parte posible de adolescentes enviados por voluntariosos y animosos maestros. La cosa no estuvo tan mal, usé mis puntos y sólo tuve que callar a una grupito de “pubertas” en una ocasión.

Ahora, sobre la cinta, tiene sus partes muy lúcidas, aunque otras que, la verdad, resultaron como lo esperaba; con todo y eso la película tiene elementos muy rescatables.

Empecemos por la dirección, que recae en el canadiense Jason Reitman, mismo que se distingue en su filmografía por abordar los temas de una manera políticamente incorrecta (suena muy odioso, pero la expresión puede ilustrar), como lo es Gracias por fumar, y bueno, ahora con Juno vuelve a plantear un tema bastante delicado, como lo es el embarazo en la adolescencia, con una óptica que escandalizaría a muchas personas políticamente correctas (que necedad la mía).

La primera parte de la cinta de Reitman navega por el dilema juvenil del embarazo no deseado, un guión que exalta la forma estúpida o inocente en que Juno toma su avasallante problema y unas figuras paternas bastante diluidas. Esto no quiere decir que está mal por necesidad. Si lo vemos con perspectiva, es muy honesto poner a una chica que se arrepiente de abortar al saber que su niño ya tiene uñas, o que al verlo en el ultrasonido diga que tiene la forma de un moco, lo extraño sería algún tipo de reflexión filófica profunda o frase hiperbólica cuando precisamente se ha metido en ese problema por imprudencia. Reconozco que mi crítica responde más a que por momentos se requiere que los personajes caigan en el discurso al estilo de American pie (el aborto).

Ahora, en lo que es la segunda parte del relato, Ellen Page (Juno) es quien toma el control de la historia, no por estar embarazada, o por haber decidido que va a dar a su bebé en adopción a una pareja deseosa de tener un niño, sino por su cándida responsabilidad, por saber lo que hay que hacer, lo que quiere para un niño que no quiere, pero al que desea que la vida le resulte con mejor destino.

Juno va a tener que ir contracorriente en su mundo, pues en la escuela es vista como un fenómeno, claro, es un fenómeno para todos esos chicos que tienen una vida sexual desenfrenada, pero que son escrupulosos ante las consecuencias. Juno expondrá esa cara hipócrita de la sociedad que puede cometer cualquier exceso, siempre y cuando no tenga evidencias o contraveniencias sociales.

A la par de este entorno juvenil, Juno va a intimar, en el mejor de los sentidos, con la pareja que adoptará a su hijo, pues desea que esté en un hogar, en armonía, con un buen principio. Esto se plantea desde la inocencia juvenil, y que a la vez expone el contraste de ese matrimonio donde Vanesa (Jennifer Garner) desea que todo sea perfecto para el niño que adoptará, en tanto que su esposose muestra más pendiente de acechar a la adolescente barrigona que ha llegado a su vida y de poder cristalizar su sueño de ser el siguiente Kurt Kubian.

Al tiempo que la historia va madurando el ruido en la sala fue disminuyendo, la atención quedó atrapada cuando esta chica de 16 años tiene mucho más claro lo que quiere, en donde su valentía termina siendo la energía que Vanesa necesita para salir adelante sin la presencia del marido.

La cinta, al final, deja contentos a todos los que quieren involucrarse, no se trata del fin de una pesadilla, más bien es la forma amable en que deben terminar los conflictos, donde cada quien va a tener lo que desea, lo que quiere, ¿y no tendría que ser siempre así?, vamos, no todo tiene que ser Madame Bovary o Cumbres borrascosas, también es posible que todo mundo tenga su recompensa, ordene su vida con el universo, y no por ello se tenga una historia bonita y simplona.

Es cierto, las chicas en la sala se emocionan más cuando Juno y Pauline (en chico que embaraza a Juno) se dan un beso tierno, para las chicas pasa de largo el proceso de la decisión y madurez que vive la adolescente, sin embargo, con apego a los principios que guían al cine, Juno, crecer, correr y tropezarse, es una cinta interesante, agradable y muy ilustrativa en cuanto a que el problema no es tanto el embarazo no deseado, sino el tener claro qué es lo que se quiere, sin gritos, insultos, amenazas ni lágrimas forzadas.

Ver algo majestuoso

2008-02-27T18:35:00.000-08:00

Nunca he visto completa Historia de amor, pero con ver la escena final, en donde Ryan O´Neal se sienta en una banca del nevado Central Park, los árboles totalmente deshojados, la soledad, la cámara alejándose y la música gloriosa no puedo uno menos que sentir lástima por este sujeto y saber que el universo se le ha venido encima.

La anterior escena es un ejemplo de que el romanticismo vive y perdura y de que nos gusta ir al cine a ver la desgracia de un sujeto, porque seamos francos, no hay nada más aburrido que la felicidad plena, por lo menos que cueste un poco, y eso es algo que se puedeconfirmar al ver Antes de partir, cinta estadounidense, dirigida por Rob Reiner y protagonizada por Morgan Freeman, Jack Nicholson y Sean Hayes.

Si revisamos la filmografía de Rob Reiner podemos encontrar trabajos muy comerciales tales como Cuando Harry encontró a Sally, y donde la excepción se da en 1990, cuando dirigió Misery, adaptación de la novela de Stephen King. Bueno, por fortuna Antes de partir le pone una palomita a su carrea de director.

Como ya anotamos, el protagónico es compartido por Jack Nicholson y Morgan Freeman, ¿no se tiene acaso todo para que los actores se devoran al director?, puede ser, pero creo que es lo más irrelevante. Antes de partir es la historia donde Edgard Cole (Nicholson), un millonario hedonista hace amistad con Carter (Freeman), un hombre culto que tuvo que ser mecánico para resolver su vida.

El relato desde luego no es novedoso, hasta cierto punto es la misma base de Golpeando las puertas del cielo, de Thomas Jan, sin embargo, el talento de Freeman y Nicholson hace de esta cinta algo simplemente extraordinario.

Edgard tiene dinero, es de acción, es cínico y tiene una muy efectiva coraza que le evita tomar consciencia de los vacíos morales que ha cosechado en su vida. Carter, por su parte, es un hombre que parece completo, tiene familia, seguro social, es el típico americano clasemediero, tiene una base moral y filosófica profunda, tanto como los huecos de insatisfacción de su vida.

Ambos personajes van a morir, sus dos opciones son someterse a tratamientos experimentales o vivir a plenitud el tiempo que le queda (no más de un año), desde luego ésta última es la elegida. Sí, la cinta no resiste al gusto de exponer gustos muy a la “gringa”: lanzarse en paracaídas, correr autos veloces, viajar por el mundo (para algo debe servir ser millonario como Edward), y sin embargo, la cinta no descuida el factor más importante: cubrir las deudas o pendientes morales son las que nos acercan a la dicha.

Edward, a lo largo de la hisroria, parecería que con sus millones compra una amistad, Carter no pone objeción en que su amigo gaste dinero como si fuera una obsesión, finalmente ambos ofrecen lo que necesitan. Carter podrá conocer el Tibet, la Muralla china, las llanuras del África, Francia, y sin embargo el final de su viaje será su hogar, su familia, será como el viaje del héroe que sabrá reconocer la señal de cuándo es necesario regresar al hogar; por su parte Carter enfrentará a Edward con esas deudas personales que no se pueden dejar sin saldar, del enfrentamiento con esa realidad con los tuyos, con ese pasado que no se puede comprar u olvidar.

Sin duda que uno termina en lágrimas por la historia, pero no por escenas recargadas de misericordia, de lamentos, de llanto y gemidos escandalosos, no hay frases rimbombantes ( Edward acoseja no desperdiciar una erección o desconfiar de un pedo, ¿dónde está lo glorioso?) y sin embargo toca el corazón con diálogos empáticos, con dilemas humanos, con la duda de saber si en la vida nos hemos dedicado a hacer el bien por alguien.

El gastado recurso de la lista de cosas pendientes de Carter o de Edward se va cumpliendo, pero no se trata de una comedia ligera donde todo es contra tiempo, la cinta de Reiner se va internando en los sentimientos y valores del espectador y lo que parecía desde un inicio una escena cursi, termina siendo un golpe maestro de amistad, de lealtad y se certeza de que se está contemplando algo majestuoso, tal y como Carter lo deseaba.

Al salir de la sala, una vez concluida la cinta, me preguntaba, ¿qué pudo ofrecerles Reiner a estos dos actores para que aparecieran en su película?, ¿dinero?, debieron cobrar bien, ¿un buen libreto?, seguro que ya lo han logrado antes; quizás una lista de cosas que ambos actores no habían hecho a la fecha, todo ello en un muy bien libreto. Antes de partir, sin duda una cinta aconsejable para un examen de nuestra búsqueda interna.

Así como cuando vemos a O´Neal sufrir por su amada que ha muerto y sentimos ese dolor en el ánimo, nosotros veremos a Carter y a Edward en el recipiente ideal para tener estilo, y saber que algo se ha cumplido, pues no podía ser de otro modo, pero con la sensación de que hemos gozado mucho con lo que hemos visto en la pantalla, pues sólo se trata de otra historia de amor.

Un viaje al centro del ser

2008-02-19T16:25:00.000-08:00

Hace poco más de un año tuve el gusto de comentar Elsa y Fred, y en esa ocasión dije que era un cine sin mayores pretensiones, sin grandes complicaciones, vamos, que incluso se podía prestar a chantajes sentimentales, y sin embargo ocurrieron dos cosas: en lo público, permaneció en cartelera algunos meses, y en lo personal puede gozar la cinta con los ojos llorosos por largos lapsos.

En esta oportunidad ha llegado a nuestras pantallas El viaje de la Nonna, cinta de Sebastián Silva, de quien podemos decir, actuó al lado de Javier Bardem en Mientras anochece (desde luego que no recuerdo su aparición) y como asistente técnico en Babel. Más allá de falta de protagónicos en la dirección fílmica, Silva nos presenta en El viaje de la Nonna una cinta muy bien planteada, muy emotiva y que, como Elsa y Fred, rescata muy bien los valores que debe tener el cine: un buen relato.

El viaje de la Nonna conjunta talentos en toda la pantalla, Ana Ofelia Murguía es la Nonna, centro de toda la historia, pero encuentra el soporte y acompañamiento de actores Rodrigo Murray, Julio Bracho, Martín Altomaro (más ubicable en anuncios de autos hace tiempo) o de de Jorge Zárate (uno de esos actores en quienes es su talento suple su falta de imagen tradicional), y de actrices como Verónica Langer, Ximena Ayala, Cecilia Suárez o Alejandra Gollás es evidente en todo momento.

Por favor,que no se pierda de vista el papel de Enrique Arreola, es el mejor ejemplo de cómo un papel breve y casi incidental cautiva y atrapa la simpatía del espectador (Arreola lo pueden ver en Párpados azules, como Víctor).

La Nonna (mucho más cálido que la señora Todaro) es una anciana con problemas de memoria y de corazón, sin embargo tiene la convicción necesaria para saber que tiene que ir a Italia, a conocer el pueblo natal de su difunto marido. Desde luego que el viaje es un dilema entre lo posible y lo incorrecto para la familia de la Nonna. Viajar es poner en riesgo su vida, y sin embargo, ¿qué sentido tiene la vida si no se pueden cumplir los sueños?

Es a partir de esta premisa que Sebastián Silva empieza a jugar con los sentimientos de los personajes a través del por fin realizado viaje a Italia, bueno, en sí es un viaje a Jajalpa donde un pueblo es adornado y ambientado al más puro estilo de la campiña italiana. No hay nada que ocultar, Silva se encarga de poner una serie de clisés del cine italiano, a veces vemos escenas de Fellini, a veces pensamos que veremos pasar frente a la cámara a don Camilo, sin olvidar escenas de La vida es bella, y todo ello con un aroma a fiesta mexicana.

Es en este terreno de ambientes comunes que se logra un relato íntimo de la Nonna, donde sus desvaríos, sus suspicacias y su inocencia, va logrando que toda la producción que gira en torno a ella se vaya compenetrando, y donde cada personaje va descubriendo su lado tierno. María (Verónica Langer) dejando de mortificarse de todo, Teresa (Ximena Ayala) mostrando su deseo lésbico, Luiggi (Rodrigo Murray) tomando consciencia de sus gusto alcohólico, y así podemos ir siguiendo a cada personaje, que es este viaje va encontrando algo nuevo.

Ahora bien, no hay que descuidarse, la cinta es el viaje de la Nonna, pero el viaje no es ir a Italia y regresar, la historia es profunda cuando se regresa, pues la Nonna desea que ahora esa familia Todaro sea la que la visite. No se trata de una trampa, es sólo cerrar círculos, como se verá en la parte final de la historia.

Tal vez este tipo de cintas sea un chantaje sentimental, pero la forma en que el guión de la cinta es aderezado por la poesía se Sabines, de Borges, o algunas otras pinceladas literarias dan color y sentido a lo que los personajes viven, con las visiones dela Nonna (por favor vean la escena donde en medio de la fiesta canta con su marido) la forma en que cada sujeto, y cada pareja se encuentra es muy sencillo, el mensaje final de la Nonna es claro, es sensible, es muy cálido, no con dramatismos exagerados, no hay gritos, no hay maldiciones a los cielos, tan sólo se trata de completar el círculo, lo que falta, para así terminar muy emotivamente la cinta.

No sé si El viaje de la Nonna vaya a durar meses en cartelera, pero es sin duda una buena oportunidad de ver una historia sencilla, de poner a prueba la memoria con los chistes en la aldea italiana, pero lo más importante, recordar que la vitalidad es para usarse, no para extrañarse.

Un cachorro bien dirigido

2008-02-05T14:47:00.000-08:00

Hace algunos años tuve la oportunidad de ver La buena vida, del director David Trueba, donde contaba el súbito cambio de vid de un chico que de ser hijo de familia se convierte en huérfano, lo que es aprovechado para contar divertidas escenas de la vida de un niño que de la infancia va adentrándose en la adolescencia.

Ahora llega a la pantalla, y para variar con poca difusión, Cachorro, cinta española de Miguel Albaladejo, un film que no está hecha para buenas conciencias, no tiene moraleja fácil, ni tiene interés en aparentar lo que no se es.

En la página web de la cadena de cines que exhibe se anuncia como una comedia, lo cual, la verdad no me parece lo más atinado. Pedro (José Luís García Pérez) es un profesionista, es homosexual y le gusta vivir solo, lo que va cambiar por un breve periodo, pues su hermana Violeta (Elvira Lindo) le deja a su cuidado a su hijo, Bernardo (David Castillo), en tanto ella hace un viaje místico a la India.

A Pedro no le hace gracia la idea, no se siente a gusto con niños cerca de él, vamos, ni siquiera la idea de vivir en pareja con alguien, por su parte, Bernardo es un chico aplicado, sabe cocinar, es ordenado, y no tiene ningún tipo de angustia o prejuicio con la homosexualidad de su “tiíto”.

Los eventos van a verse modificados cuando ocurre una llamada del Ministerio del Exterior a casa de Pedro, la astucia del Albaladejo es evidente, en la lógica "hollywoodense" uno supondría que Violeta ha muerto. No, Violeta ha sido detenida I(encarcelada), por viajar sin papeles oficiales y con drogas. Lo que eran una vacaciones para Bernardo y una temporada de guardar ciertas formalidades para Pedro termina siendo ya una responsabilidad de tiempo completo.

La nueva convivencia entre Pedro y Bernardo está alejada de momentos cursis, sin frases grandilocuentes, de clases de moral llevadas a última consecuencia, es decir, Pedro no dejará su vida sexual libre ni Bernardo le cuestionará sus gustos o su estilo de vida.

El antagonista saldrá del pasado, Bernardo no tiene a su madre, pero tampoco tiene padre, se dibuja la imagen de un padre que lo perdió todo en las drogas y ahora la abuela paterna es la que busca a su nieto. No se trata de un personaje maligno por necesidad, claro, no es tampoco una anciana tierna, es una mujer que como una inmensa mayoría de personas que vive un infierno particular de temores, de remordimientos por la mala relación con su nuera y su nieto, y la idea de que viva con in pariente homosexual es algo de simplemente no puede aceptar.

La separación va darse, es inviable que Pedro sea una figura moralmente sólida, tampoco la abuela es la opción, pues Bernardo se siente más a gusto con los amigos y parejas de su tiíto. La distancia vendrá por medio de un internado.

Este escenario es adecuado para poner estampas de la vida y sentimientos de Pedro, de lo práctico que ve la vida, de lo duro que a veces hay que enfrentar los conflictos, la dirección de la cinta no tiene falsos pudores de ver a una pareja homosexual entregándose entre sí, ni se les ve con ternura casta ni depravación, sólo es gente que quiere un poco de amor.

Pedro mantendrá ese espacio en el que ya no está sólo él, Bernardo crecerá, se hará más fuerte, la abuela materna podrá tranquilizar su conciencia, mientras que Elvira tendrá la verdad que le pueden contar, a la que puede acceder, su onda hippie le ha permitido comprender que la verdad es en ocasiones lo que se nos permite ver.

Cachorro es catalogada como comedia, y sin embargo lo menos que tiene es ligereza, no voy a decir que es profunda, pero sí tiene detalles que bien vale la pena. Que el espectador no crea que va a ver La jaula de las locas, ni Víctor Victoria, Cachorro es una cinta que habla sobre algo diferente: el que los problemas nos encuentren fuertes.

El ansia de la soledad paciente

2008-02-02T11:44:00.000-08:00

El cine simple, me parece, es el más complejo, y desde luego el más interesante. El decir de los cuerpos, de las miradas, de los vacíos, de los colores, del viento es el que debe prevalecer, el que debe seducir, pues brinda al espectador un poco de tranquilidad, tiempo para observar, para entrar a la mente del personaje y poder establecer contacto, empatía, dicen los que saben de eso. Párpados azules es una muestra de ese cine que brinda al espectador la oportunidad de decir “me voy a involucrar en esta historia”.

La premisa de donde todo se desencadena es fácil: tienes una nueva y última oportunidad para ser feliz, aprovéchala”. Sobre esta idea es que Ernesto Contreras, egresado del CUEC, empieza a armar un espacio de imágenes y cuerpos que se conjugan con un entorno que no es triste, lo que es el gran acierto, sino melancólico.

Marina (Cecilia Suárez) es en quien va a residir la oportunidad de ser feliz, de esa oportunidad que no hay que dejar pasar, pues en la empresa donde trabaja el pajarito de la suerte (más evidente imposible para mostrar el golpe de suerte) escoge el papelito con el nombre de Marina para ganar un viaje que se ha rifado. Diez días gratis a Playa Salamandra para dos personas, es la oportunidad de ser feliz.

El gran acierto, a mi parecer, en la cinta Párpados azules es que no hay necedad del juicios morales sobre Marina, es decir, está sola, es melancólica, porque así es, no hay detalles abrumadores de locura, de inadaptación, de maldad, de perversión, sólo está sola y tan ha sido así su vida que pareciera que es lo cotidiano.

Pero no basta con la soledad de Marina. Cuando se habla del caos es importante saber que éste es el desorden abosuluto, pero también el orden absoluto, orden que impode ver la diferencia entre cada elemento de ese universo, eso es lo que logra Contreras al introducir en la historia a Víctor (Enrique Arreola), un ex compañero de Marina, en la secundaria, que es todo lo opuesto a ella, y sin embargo, son idénticos.

Víctor se atreve a saludar a una mujer que no sabe en absoluto quien es, diferente a Marina; Víctor pareciera que recuerda a todos sus compañeros de secundaria por nombre y apellido, además de andanzas, diferente a Marina que no sabe ni recuerda nada; Víctor acepta ir de vacaciones con Marina, pese a darse cuenta que no tiene idea alguna de quién es Víctor, algo que Marina difícilmente haría; y sin embargo, Marina y Víctor están solos, solos, solos.

La cinta con sus casi 100 minutos de duración se hace deliciosa al dejar que el silencio y las miradas cuenten todo, es más, me declaro sorprendido e impresionado por la actuación de Cecilia Suárez, actriz que sólo había visto en personajes de tipo soberbio o egocéntrico (no olvidar sus participaciones en telenovelas de TV Azteca). Aquí, la Suárez es cándida, es inocente, el tímida, es encantadora, con un acento en sus diálogos que definitivamente gana la simpatía del espectador.

Contreras se resiste a poner a historia de amor abierto, no cae en el gancho de llevar a sus personajes hacia la boda con fuegos artificiales, se da tiempo para mostrar como sus dos protagonistas muestran más gozo en su respectiva masturbación que en el contacto físico con la pareja, ¿no queda así comprendida la idea de la soledad?, pues finalmente, la historia no es de Marina, tampoco la historia se mueve a Víctor, la historia es de la soledad, de la melancolía, de la tristeza, y es por eso que el relato en tiempos descansa en Marina, en tiempos en Víctor, como almas sofocadas en sus creencias y ansiedad de soledad.

Sí, el viaje está latente, y sin embargo no veremos ni una escena de la playa, pero el viaje no se va a desperdiciar, y nadie va a ser feliz del todo, y no habrá quien se bronceee bien por miedo a la ardida, y sin embargo, estos dos solitarios nos recordarán a los amorosos de Jaime Sabines:

Los amorosos callan.

El amor es el silencio más fino, el más tembloroso,

el más insoportable.

Los amorosos buscan,

los amorosos son los que abandonan,

son los que cambian, los que olvidan.

Su corazón les dice que nunca han de encontrar,

no encuentran, buscan.

Los amorosos andan como locos

porque están solos, solos, solos,

entregándose, dándose a cada rato,

llorando porque no salvan al amor.

Párpados azules da tiempo a todo, encontramos escenas extraordinarias, coomo la de Tiaré Scanda (sin duda la Muchachita está cada vez más bella) donde concentra toda la ira y desesperanza de la vida moderna; además de la sutil y categórica aparición de Ana Ofelia Murguía, que para quien vea con atención la cinta, es quien soporta el relato, y debemos agradecerle esto a Ernesto Contreras, que concentró en Murguía al personaje ideal para dar ritmo, explicación y sentido a lo que Marina y Víctor nos contaron con su cuerpo.

Párpados azules es cine que se agradece, que se centra en el personaje, no en la circunstacnia efectista.

El infierno de la elección

2008-01-26T14:25:00.000-08:00

Las palabras de los maestros son como líneas escritas, permanecen en el tiempo, claro, hay que anotarlas, por menos en la mente. Alguna vez un maestro en verdad único, Benjamín Rocha nos dijos a todos los del grupo: el ser humano es un cavernícola barnizado de cultura.

XXY es la propuesta de Lucía Puenzo para exponer que el ser humano, ya sea en colectividad o en lo individual vive presa de sus miedos, de sus tabús, que es muy cuestionable eso de buscar la originalidad, pues en el fondo parece que buscamos lo más normal y ordinario, lo más conocido, lo más habitual para no entrar en grandes inquietudes, es decir apenas una fasceta de ese cavernícola.

La cinta de Puenzo narra el ostracismo en que vive una familia que no puede o sabe cómo aceptar y manejar el hecho de que su hija sea hermafrodita, sin embargo, la evolución del relato expone lo que toda alma atormentada debe saber, el infierno, la duda y la angustia es portatil, incluso huyendo hasta la Patagonia.

Alex (Valeria Bertuccelli) es la chica sobre quien se centra la historia, tiene 15 años y ha dejado de tomar sus corticoides, mismos que le frenan la masculinidad que empieza a madurar en su cuerpo. Los padres de Alex (atinado nombre para definir el hermafroditismo) reciben la visita de un cirujano,con de su familia, quien puede extirpar el pene de Alex para que ya pueda ser una chica “normal”.

La familia del cirujano viaja con Álvaro, un chico como tantos hay ahora, callado, metido en su mundo de música portátil, con su eterna mochila al hombro, aunque con el extra de la seria duda de su padre respecto a que si es puto.

La historia dirigida y escrita por Puenzo revela los grandes miedos de los seres humanos en la incertidumbre que no podía ser más paradójica en un matrimonio de biólogos que buscan proteger a la tortugas, pero incapaces de saber qué hacer con las circunstancias de su vida, en la atracción que empieza a entrelazarse entre Alex y Ávaro, en los rumores en una localidad pesquera en extremo pequeña y retirada de la "civilización" global, en la demostración de poder animal que manifiesta Alex sobre Álvaro, por citar los más representativos.

La cinta es complementada con la presencia de Ricardo Darín (el padre de Alex), sin duda el actual referente del cine argentino, aunado a una historia donde los silencios y el filtro azul en sus tomas da ese tono y sentimiento de soledad, en donde cada personaje tiene grandes vacíos, notables angustias; no se trata de hacer una operación y así “curar” a la chica, se trata de Alex buscando su identidad, de saber quién es, lo que quiere. Alex quiere decidir, y parece que decidir no hacer nada es o que desea, ¿tiene derecho a ello?

XXY expone en cierta medida lo que ha sido la historia de la sociedad, el dejar en el silencio los problemas que nos avergüenzan, lo que se tiene que hablar quedito, expone un despertar sexual que no es tan sencillo, que no es nada grato. ¿Es que acaso no vive esa confusión la sociedad actual? Me parece XXY es apenas un bosquejo de la desesperanza y confusión que vive una sociedad y un mundo que tiene acceso a infinidad de datos, de archivos, y que sin embargo no sabe qué hacer y a dónde dirigirse.

La astucia de la dirección se manifiesta con el atino de mostrar a Alex con su mascota, qué mejor que un camaleón, diálogos que no tiene formalismos, formas directas como cuando Alex le pregunta a Álvaro si se acostaría con ella (o con él) , o cuando Alex le pregunta a Álvaro si desea verle esa pija a la que parece ya mostrar deseo, pues finalmente Alex es una existencia andrógina que cumple de las dos formas, y eso hace interesante el relato.

XXY es una cinta que, vista desde la perspectiva de la mujer expone lo que es el hombre, la sociedad, la ansiedad por dejar un infierno en el que los cromosomas introducen a la existencia. La premisa queda clara, no se trata de quitar parte de la sexualidad, se trata de que cada persona sepa encontrarse a sí misma, lo cual, en ocasiones, puede casar auténtico horror, pues, ¿ quién desea ver, delante de sí, en el espejo, a un cavernícola?

La amistad, un jarrón para guardar lágrima

2008-01-25T15:54:00.000-08:00

Recuerdo con afecto lo que mi maestro de cine me dijo en la carrera: “no te hagas bolas, al cine vas a que te cuenten historias, lo que importa es que la cuenten bien”, agradezco esta enseñanza a Enrique Cano, el maestro más alternativo que tuve en la carrera.

¿A qué viene esto? Me explico, y pido un poco de paciencia a mis cuatro lectores. Esta semana vi un fragmento de un insufrible drama campirano del canal de las Estrellas donde una inocente niña es embarazada por un rico hacendado, ok, hasta ahí va entendible el asunto.

¿Qué ocurre?, pues nada, que el guionista sí supo poner a la chica desolada hasta la sala de los ricos para hacer su drama de amor frustrado en el velorio; clásico, es asesinada (para impedir que nazca el heredero), lo que deriva en que sus hermanos anden por el pueblo buscando la hacienda de la familia en cuestión. Me pregunto, ¿cómo es posible que una “inocente” niña encuentre no sólo la hacienda, sino la habitación de la velación, y tres gandules que claman venganza no pueden saber donde diablos está una hacienda?, ¿será una hacienda de interés social y por eso es tan chica?, ¿o más bien se tratará de una batihacienda, y esté en una catacumba? Me parece que esto ilistra una historia mal contada.

Esto viene, mis queridos cuatro lectores, en contraparte, a que tuve la oportunidad de ver una película sencilla, de tema trillado, pero con un dilema bien contado, interesante, incluso que genera tensión en el espectador, es decir, una historia simple, pero profunda, lógica en el universo que sea crea, no como en el ejemplo introductorio.

Mi mejor amigo es una cinta de Patrice Leconte, cineasta ya conocido por un servidor por Ridículo, film en el que se exponen las intrigas de la corte francesa de Luís XIV (incluso dejando claro que Versalles y Los Pinos son idénticos).

Además, Mi mejor amigo es llevada en hombros por un actor que es común ver en el llamado cine de arte, Daniel Auteuil (El octavo día, La viuda de St Pierre, El clóset) y que expone una idea muy sencilla: que duro es pasar por la vida sin un amigo. Pero cuidado, no nos enganchemos a la idea de una historia predecible, de mucha lágrima, de expresiones gloriosas por la pérdida de un amigo. La historia va mucho más allá.

Francoise (Auteuil) es un comerciante que sólo ha centrado su vida en trabajar, hacer negocios, tiene pareja, tiene una socia, tiene colegas de trabajo, pero nadie, absolutamente lo reconoce siquiera como una amistad agradable. Leconte tiene el tino de poner a un sujeto que podríamos definir como “normal”, es decir, Francoise no es un sujeto de robe a lo pobres, que insulte ancianos, lastime a menesterosos, no, solamente es un tipo que no tiene amigos.

Paralelo a Francoise está Bruno (Dany Boon), un taxista de sonrisa agradable, muy atento, pero que vive solitario, básicamente, por saber demasiadas cosas que a nadie le importan. Bruno es un sujeto que toma y aprende todos los datos que ve, sabe de calles, casas, orígenes de nombres, es una amplia enciclopedia de las cosas que a nadie le interesan. Paradójico, nunca ha sido seleccionado para programas de concursos (el rival más débil, a la francesa) por el pánico escénico que sufre. Bruno es bueno para decir sus datos, no para responderlos.

Bruno y Francoise tienen sus barreras, sus problemas, y sin embargo ambos tienen un problema en común, no tienen amigos. ¿Cuál es el punto de unión?, una metáfora creada en torno a un jarrón por el que Francoise paga 200 mil euros en una subasta, un jarrón del siglo V AC que tiene como motivo la amistad de personajes de la Iliada (Patroclo y Aquiles).

La cuestión es sencilla, la compra del jarrón mete el tema de la amistad delante de Francoise, el cuál acepta el reto de su socia para que en menos de 10 días le presente a su mejor amigo o ella se quedará con el jarrón (obtenido a un costo prohibitivo para su empresa).

Los días pasan, y Francoise va compilando una complicada lista de “amigos” que no son tal, ya sea ex compañeros de la escuela, colegas, quien sea, Francoise no tiene amigos, no sabe ser simpático, no sabe ser atento, y nunca se dio cuenta de ello.

Es con este escenario que Bruno termina siendo maestro de Francoise, y es por medio de escenas que de simples resultan complicadas, pues lo de menos es poner frases cursis, pero no, lo hiperbólico del mensaje es la significación que da el espectador al acto de querer encontrar un amigo.

Mi mejor amigo es una cinta donde se exponen los costos, donde tenemos a un héroe que quiere ser amado y solo causa molestia, enfado, antipatía, y que contrasta con lo que significa tener una amistad real. Este es el marco para ir trazando en la imaginaria lo que podría ser una amistad entre Francoise y Bruno.

Sin embargo, Francois no ve lo que para muchos puede ser natural: la amistad, la voluntad, el deseo de sentirse cerca no se compra, no se trata de un montaje teatral, pues hasta ahí llega, Francoise no tiene límite en su deseo de demostrar que un amigo hace lo que sea por los lazos existentes. Francoise llegará a lo más bajo de la calidad humana y tendrá que pagar por ello; descubrirá nuestro imprudente héroe que lo que ha armado en torno a Bruno es falso, frágil y de mala calidad, como el jarrón que tiene en su casa (la película explica muy bien este detalle).

El dramatismo del final de la cinta lo dejo al juicio de mis cuatro lectores, en lo personal me agradó el ambiente de concurso en que la cinta se destraba, pues finalmente Francoise entendió la relación con Bruno como un concurso, por lo que la solución tenía que venir en un concurso, al menos así lo veo.

Recomendable Mi mejor amigo, sin duda para un servidor. Movimientos de cámara que recuerdan el estilo de Lars von Tiers, diálogos sin mucha complicación, cinta centrada en los valores más básicos del ser humano, hechos encadenados que tienen lógica. Tal vez Mi mejor amigo se haya logrado tan bien por buscar en lo íntimo de la humanidad y no es tratar de encontrar una hacienda en medio de la nada.

El viaje místico, pero sin exageraciones

2008-01-21T16:33:00.000-08:00

Dice una expresión muy antigua, no por ello menos cierta: los caminos del Señor son misteriosos, y es que fueron poco más de dos meses para que volviera a escribir en este espacio para deleite (?) de mis cuatro lectores. Los motivos fueron varios, entre ellos el que no encontrara algo muy atractivo en la cartelera (Sultanes del sur no entra en las expectativas).

Hace dos años tuve la oportunidad de llevarme una grata experiencia con el estilo narrativo de Wes Anderson, en esa oportunidad disfruté Vida acuática, que contaba la vida entre torpe y divertida de Steve Zizu (un documentalista marino, al estilo de Cousteau). En aquella ocasión la musicalización de la cinta, más el jugo que sacó a actores como Bill Murray, Owen Wilson y Jeff Goldblum me resultó muy atractivo.

En Viaje a Darjeeling, la nueva propúesta de Anderson, la grata impresión se mantiene, incluso se supera, sin que por fuerza signifique una historia del todo novedosa o única.

Viaje a Darjeeling es el pretexto que toma Anderson para recrear un tipo de historia que nos remite al viaje de los Beatles por la India. Es más, la música que predomina en la cinta tiene todo el sello de este grupo.

La acción es simple, Jack (Adrien Brody) y Peter (Jason Schwartzman) se encuentran en un tren de alguna ciudad hindú, se ven, se saludan, y pareciera que han estado juntos toda la vida (Peter acaba de estar en París, lo que se ve un corto al inicio de la cinta), es hasta que llega Francis (Owen Wilson) que descubrimos que estos tres pesonajes son los hermanos Whitmann, y que están en ese viaje para tener diversas experiencias místicas para llegar a lo más profundo de ellos mismos (porque así lo determinó Francis, el hermano mayor).

¿Cuál es la razón priumera de que esos tres hermanos estén ahí?, bueno, todo es sencillo si vemos la cara totalmente lacerada de Francis, producto de un accidente de motocicleta, y que al salir vivo toma la decisión de que sus dos hermanos tienen que realizar un viaje místico por templos y lugares mágicos para encontrarse a sí mismos. La razón de fondo es ver a la madre que no estuvo en el funeral del papá de los Withmann.

La descripción de los personajes se hace muy divertida al ver cómo Francis busca ser el guía, el que da las órdenes, no se conforma con dar todo el itinerario del viaje, incluso decide qué van a comer sus hermanos. Pero esta familia no está bien, los tres hermanos son adictos a analgésicos (así son sus borracheras), sobre la muerte del padre se nota que hay dudas y cuentas pendientes, eso sin contar que la madre está en una convento cristiano hindú y que por si fuera poco, no desea verlos.

En este microcosmos creado por Anderson es que sus personajes van creando sus espacios, muestran sus perfiles: Francis y la dominación del mayor, Jack no dejándose intimidar por Francis y Jack que siente deseos carnales pro la guapa mesera del tren en que viajan; eso sí, los tres unidos por ser el confidente de alguno de los otros hermanos, sin que eso signifique ni confianza, discreción, o aceptable comunicación.

¿Cuál es el resultado de esto?, inicialmente un absoluto fracaso, el director expone que el viaje místico no es por encargo, no se da por itinerario fijo, no hay netas que a fuerza nos abran los ojos. Viaje a Darjeeling recrea lo que es un viaje de búsqueda auténtico: donde las circunstancias se topan contigo y tienes la decisión de comprometerte o no.

En una mataforización maravillosa, los tres hermanos vagabundos tratan de salvar a otros tres hermanos que tratan de cruzar un río embravecido, y es ahí donde la historia da un giro, es ahí donde el valor de esas vidas sin cohesión empiezan a conformar una nueva realidad.

La cinta de Anderson, a partir de esta metáfora empieza a tener la unidad de todos sus elementos, por medio de simples flash backs es posible ordenar lo que parecía estar suelto. Claro el viaje se tiene que completar, se tiene que buscar a la madre metida de misionera, y que es el pretexto para poner una, a mi juicio, plena integración de todos y cada uno de los momentos la cinta, pero no con un tono santurrón o moralino, sino de integración de las partes, esa visión holista que vemos tan “simpatica” de oriente, pero que como occidentales nos negamos a ceptar.

Viaje a Darjeeling es disfrutable por la fotografía, por la musicalización, por el mensaje de búsqueda, pero sin caer en las tentaciones de terminar en un documental de corte folklórico, tan sólo es una historia en donde Anderson nos muestra lo que es el viaje de los Whitmann, mismos que quedan listos para enfrentar las cosas pendientes que dejaron en sus respectivos mundos.

La importancia de la página a tiempo

2007-10-29T16:21:00.000-07:00

Denis Dercourt es un licenciado en filosofía y doctor en ciencias políticos, entre otras de sus habilidades es ser solista de viola y maestro de música cámara en el Conservatorio Nacional de la Región de Estrasburgo desde 1993, y ahora salta a la notoriedad como guiniosta y director de la cinta La cambiadora de páginas.

La cambiadora de páginas, a la vista de estos datos biográficos, se revela como un tipo de biografía del director, o al menos como involucrado en experiencias similares. El film inicia con un relato directo donde podemos ver a Melanie (Déborah François), una niña con la aspiración de entrar en un conservatorio para poder cristalizar su sueño de estudiar para concertista de piano. La secuencia se marca fácilmente: la niña tiene clara su meta, pues es hija de un carnicero parisino, es decir, proviene de una cultura de esfuerzo, no de un entorno de fácil acceso a los lujos.

Todo marcha bien en su examen, es dueña del escenario, impresiona de inicio a sus sinodales, pero en uno de esos giros del destino de pronto todo juega en su contra. Una de sus examinadoras se distrae del recital por firmar un autógrafo. Melenie pierde concentración, pierde ritmo, pierde todo, y simple y sencillamente, la oportunidad de su vida se ve resquebrajada.

Melanie lo tiene claro, su sueño acabó, la ira y la decepción se apoderan de su destino, ella no ve en el piano un pasatiempo, no es como la tropa de niños que dicen que perseguirán su sueño el tiempo que sea necesario. No, Melanie cierra su piano, guarda sus fetiches musicales, ha cerrado la página de su vida por la indiferencia y poco respeto de un sinodal que sólo vio a una estudiante como ve a muchas más.

El tiempo pasa, y Malenie es una chica agradable, guapa, serena, dispuesta al trabajo, tiene la prudencia de hablar poco y demostrar fácilmente su destreza en un despacho donde realiza sus prácticas universitarias. Lo interesante es que esto es parte de su plan de venganza contra la concertista. Para explicarlo fácilmente, y sin que sea chisme, ese despacho donde Melanie trabaja es del esposo de aquella sinodal que se distrajo de su interpretación por firmar un autógrafo.

Claro, lo sencillo al plantear la palabra venganza sería el gastado estilo de que la chica entre a la casa de “la mala”, y haga una carnicería con su natural antagonista (se podría justificar siendo hija de carniceros), pero no, hay indicios que hay que respetar, y por lo tanto mover la venganza más a la sutileza. Se necesita de un motivo, y la dirección lo arma con sencillez.

Melanie obtiene la llave de entrada a la casa de Ariadne (Catherine Frot), con el pretexto de cuidar y atender al hijo de ésta. De nueva cuenta uno puede suponer que la venganza será con la vida del hijo, sería la forma directa de quitarle su vida a Ariadna, así como a ella le robaron su proyecto de vida. No, hay que seguir buscando.

La historia, a medida que avanza, va creando vínculos más fuertes entres Melanie y Ariadna, las dos son mujeres, la música es un tema en común, y ambas son susceptibles a la presión del entorno, Melanie lo demuestra en su examen siendo niña y Ariadne por haber perdido facultados en un accidente vial años atrás.

Denis Dercourt, deja en claro en su relato que las cuentas se cobran en igualdad de circunstancias. Paulatinamente vemos a una Ariadne que empieza a depender más de Melanie, no como “niñera” sino como confidente. Ariadne tiene en puerta una serie de compromisos con los que pretende recobrar la fuerza de su carrera, muy en el fondo desea conseguir las cosas por su esfuerzo y no por el apoyo de su esposo (así como Melanie rechazó el que su papá le pagara clases particulares de piano).

De manera clara y directa, las acciones se centran en esta deliciosa joven que tiene la facilidad de pasar la página para Ariadne durante los ensayos de su grupo de cámara, una habilidad que no es tan sencilla, más bien es algo que implica talento, sensibilidad, coordinación, una especie de conexión emocional entre intérprete y asistente.

Por medio de un juego semejante al buen jugador de ajedrez, Malanie mete a Ariadne en su juego, tiende una trampa que pasa por lo lógico, por la sensualidad, por el juego de las emociones, tratando de dejar a la víctima en su propio infierno, ese infierno en el que Melanie ha vivido desde que Ariadne le introdujo en ella.

El juego psicológico y de las apariencias llena la pantalla, no hay grandes demostraciones de emociones, de gritos, de escándalo, más bien todo vive a nivel interno de los personajes. Eso hace que La pasadora de páginas sea atractiva.

Al final Melanie se verá liberada, cobrando lo justo, algo así como un moderno Shilock que sí logra obtener su libra de carne exacta de Antonio, el mercader veneciano. No hay mayor pretensión, no está oculto el deseo de Melanie, el punto es la forma de lograrlo, sin sangre, sin gritos; Dercourt busca dejar ese sabor en el espectador en que se ansía la venganza, pues presenta este platillo frío, bien frío, casi obligando al cinéfilo a sentir que la venganza es un sentimiento noble, ¿o no lo es?

Una nueva visión de María

2007-10-28T18:22:00.000-07:00

De verdad que los distribuidores de películas en México no tienen solución. Se empeñan en poner nombres atractivos porque hay que engrosar la taquilla, pero nunca se ponen a pensar que malacostumbran a las víctimas, digo, a los incautos que sólo se guían por el nombre que les dan a las cintas.

Hace pocos días me “lancé” a ver el espectacular (por nombre) El evangelio prohibido. Ver la sinopsis me llamó la atención, hasta la fecha no me ha decepcionado cinta donde aparezca Juliette Binoche. Lo simpático fue cuando vi en la sala a cuatro pubertos armados con sus celulares, sus bromas, refresco de “onda joven" y sus palomitas. Sin duda estos chamacos esperaban ver explosiones, algún alien, o por lo menos una escena de sexo explícito, pues por algo se trataba de un evangelio prohibido.

La historia, dirigida por Abel Ferrara es de tinte documental y de ficción. Ted (Forest Withaker) es un periodista que dirige un programa de análisis, el tema abordado a lo largo de la cinta es analizar el peso y papel del Jesucristo como dogma que guía a la mitad del planeta. El origen de la disertación es la inminente premier de una cinta que explica la vida de Jesús, claro, desde un punto de vista, digamos, alternativo.

Ted es un hombre exitoso, algo así como el Larry King de la historia, su programa tiene peso en la opinión pública. Mientras se desarrolla la documentación, reflexión y peso filosófico de Jesús se van intercalando fragmentos de lo sería la película en cuestión, ¿cuál es el interés?, Ted se involucra cada vez más en la investigación, lo que lo lleva a descuidar a su esposa, próxima a dar a luz. Es ahí donde se mezcla la ficción, el caso particular que puede encajar muy bien en lo frenético del mundo.

Pero no basta con este escenario de búsqueda de Jesús como mito, o de Ted como persona en conflictos personales. Es aquí donde el al gusto de poner un título “espectacular” distrae la misión de la película. Maria es el nombre original del film, pues el real personaje central de la historia es María Magdalena, la prostituta redimida, la posible amante de Jesús, o más interesante, la posible discípula (la máquina no me marcó error, así sea) de Jesús.

María Magdalena es representada en la ficción de la película a estrenar por Juliette Binoche, y en la realidad de la película también se llama María, y es tal el grado de integración con su personaje que esta María del siglo XXI inicia una búsqueda de sí misma internándose en la siempre mística Jerusalén.

A medida que avanza la historia tres dilemas se van identificando con claridad: la vida de Jesús es un enigma que fascina al estudioso; Ted ha entrado en una espiral donde llega al cuestionamiento de todos sus valores como ser humano; y la forma en que la sociedad del siglo XXI tan abierta, tan lejos de atavismos, tan distante de moralismos, reacciona de manera virulenta ante la interpretación de los temas más “sagrados” que ignora en lo cotidiano.

Si bien es cierto que la película no es precisamente la mejor contada, me parece que sí tiene elementos interesantes que lo mantienen a uno es la sala por espacio de hora y media. Claro, este punto de vista no lo podrán compartir los cuatro jóvenes de los que hablé al principió, pues dejaron, descepcionados, la sala cuando estaba a la mitad la proyección.

María (para usar su nombre original) expone lo que mucha gente se niega a aceptar: cuando estamos sujetos de un clavo ardiente sólo queda implorar por la ayuda divida en lo que termina siendo un viaje interno de purificación. La catarsis de Ted al ver que esposa y su hija (recién nacida) están por morir sólo puede ser entendido por quien ha sentido su vida cerca del abismo (la muerte no es el único abismo) y no hay más que bajar la guardia, suplicar y tratar de “negociar” con la divinidad a cambio del favor recibido.

Veámoslo de nueva cuenta, de no ser por la fe, ¿podríamos encontrar motivos de alegría en el mundo enfermo y esquizofrénico en que vivimos?, ¿es posible tener esperanza cuando vemos a un líder que anuncia una guerra mundial, pero que en caso de darse va a estar en su bunker a cientos de metros de la superficie para su seguridad?, y así pueden seguir los ejemplos, y me parece que la misma tablita de salvación sigue siendo la fe en algo superior.

Maria es una buena oportunidad de volver a tomar conciencia de que no importa bien a bien en qué creer, es muy posible que esa pregunta sea insignificante, siempre y cuando se haga el viaje al interior, ante el único al que no podríamos mentirle, que es nuestra propia conciencia. María recuerda la introspección que es posible en cada persona como una oportunidad latente de tener más equilibrio, de ver al mundo desde otra perspectiva.

Probablemente María no tenga la mayor cantidad de aciertos, empezando por el idioma, pues es muy incómodo escuchar a la siempre bella Binoche hablando en inglés, y que la trama pueda caer en el posible “chantaje emocional”, pero aún así me parece una cinta entretenida que usa con precisión sus 86 minutos. Sólo una sugerencia para los distribuidores de películas (hay que tener la actitud y esperanza de que alguno me lea): no abusen para poner títulos, no todo es loco, explosivo o prohibido como en Hollywood, no pongan trampas de taquilla.

Una historia feminista con rostro masculino

2007-10-26T15:46:00.000-07:00

El universo femenino, por naturaleza, es complicado, cualquier sujeto que haya tratado de comprender la mente de una mujer entiende que un tratado de física cuántica es más simple.

En el caso del cine me ocurre algo similar. De manera directa, podría decir que en los 10 años que tengo de ver sistemáticamente cine encuentro honrosas excepciones: La vida sin mí, de Isabel Coixet; Sexo por compasión, de Laura Maña; A corazón abierto, de Susane Beir; por ahí existe una comedia alemana llamada Nadie me quiere, de Doris Dörrie; y bueno, pues esta semana se integra una más de estas excepciones a la lista: El favor, Eva S. Aridjis.

Aún así, El favor tiene algo especial, que igual por mi profunda ignorancia me exhibo, pero de todas formas lo voy a escribir: es cine feminista donde el papel central es masculino, sin que ello implique situaciones de homosexualidad.

Lawrence (Frank Word) y Caroline (Peige Turco) fueron pareja de juventud, novio de preparatoria, y en un breve flash back se expone la situación: la joven pareja está por separarse para irse a estudiar a universidades distintas. La promesa de amor eterno y el deseo carnal se conjuntan en una sola noche. Lawrence asegura que desea a Caroline como su mujer para siempre y Caroline es la que tiene la hormona desbordada. Francamente me parece una audacia de la directora el cambiar los roles afectivos y emocionales.

Sí, el tiempo pasa. 25 años después vemos a un Lawrence ya abordado por los años, calvo, sin su fina figura, vive solo, su única compañía es una perrita Lucy (perra se oye brusco) que bien puede ser la representación de Caroline. Es un fotógrafo de mascotas (todos hemos sido tentados por esa frenética y emocionante profesión) y también toma las impresiones de los detenidos en la cárcel local. La vida de Lawrence es una perfecta y gigantesca x.

Caroline, en la línea opuesta, sigue siendo una mujer atractiva, una madura ejecutiva que regresa a la ciudad de origen por la enfermedad de su padre (Alzhaimer), y bueno, ya divorciada del patán con el que concibió un hijo (¿que mecanismo perverso tendrán las mujeres para dejar al noble, casarse con el patán y terminar regresando para decir: la verdad siempre supe que el noble era el indicado?).

Lawrence es un sujeto tierno, hogareño, limpio, metódico, sereno…, bueno, que bonita mujercita sería. Lo fácil para una dirección emocional sería poner un reencuentro con Caroline, echar frases cursis, y después de algunas situaciones cardinales poner que el amor triunfa, que se da el amor en el otoño, o mejor aún, que por sus estilos de vida descubren maravillados que por 25 años creyeron una monumental mentira de amor.

No, la vida va a dar un giro diametral, partiendo del accidente más absurdo, más inverosímil, de esos que abundan cada día si nos ponemos a ver con atención nuestro alrededor, por lo que Lawrence termina siendo el tutor del hijo adolescente de Caroline: un auténtico gandul que no habla, que anda en su universo, que está chico para ser adulto y grande para ser niño: irresponsable en la escuela, con actitudes autodestructivas y con deseos de libertad económica y emocional (adicción a las drogas, pues)

Aquí viene otro acierto de la Aridjis, la relación de Lawrence con su nuevo “hijo” no está cargada de frases heroicas, no hay expresiones lapidarias, no hay meta conceptos (¡que palabras me apunto!) para dejar la moraleja en el cautivado espectador. No, la relación es fría, incomprensible, de notable incertidumbre de qué hacer. Ambos son dos extraños que tienen una pérdida en común. La ausencia de Caroline los ha metido en una misma casa y ninguno de los dos está preparado para la convivencia, ya no digamos para ternuras y afecto de familia.

En este entorno es que Aridjis empieza a entretejer temas afines, esos vínculos que hacen a la gente recapacitar de a dónde va la vida, del impacto de nuestros actos, vamos, de que a este chico gandalla le quede la certeza de que lo que hace tiene consecuencias. Reitero, no encontré en los diálogos de la cinta frases de exagerada ternura, para ello se encargan los movimientos de cámara y la musicalización, que sin ser elementos excepcionales llenan esos huecos de la estructura narrativa.

Varios momentos y catarsis irán moldeando esta relación de dos desconocidos. Lawrence admitiendo que ese chico es, finalmente, la oportunidad de tener ese hijo que nunca pudo tener con el amor de su vida; para el chico, descubrir que Lawrence es la mejor (única) opción si es que quiere hacer algo de su vida, tomar compromiso por algo o alguien.

El fin de la cinta sí tiene dos momentos emotivos, sí, hay que dejar salir esa lágrima, esa emoción cuando los dos protagonistas de la historia, luego de la crisis descubren que sólo tienen a ellos, y donde un moviendo largo muestra en la calle la oportunidad, el destino que puede salvar a un chico desorientado: una chica.

Es necesario ver El favor, es obligatorio dejarse lleva por una historia sencilla, pero bien contada, al menos eso me parece. Que las dos horas en la sala de proyección sea del agrado de mis cuatro lectores.

La actualidad de los clásicos

2007-09-11T15:34:00.000-07:00

A lo largo de este año me he clavado en asuntos de semántica y de análisis del discurso, disfruto sobremanera platicar, discutir, y buscarle razón a las estructuras narrativas. Tal vez sea una forma velada de envidia (espero que no) a los que tienen el arte de contar historias que nos atrapan. Me parece que Flaubert dijo que ninguna frase usada en sus relatos estaba de más. No sé si fue pedantería o seguridad, pero creo que ese es uno de los misterios que se han minimizado en estos tiempos en que hay una avalancha de malas historias (fílmicas o escritas) que sólo piensan en facturar.

Sobre esto del relato me ha quedado claro que necesita establecer paradigmas, que existen arquetipos, que hay semántica muy clara en el discurso (claro, si uno lo sabe encontrar), que un sin fin de acciones se encadenan, que algo sugiere una acción posterior, etc., ¿pero cómo hacer que todo esto funcione?, creo que todo descansa en la magia.

¿Todo este rollo a qué viene?, hace pocos días vi una semblanza de Harry Harryhausen, y uno puede decir, ¿y ese quien es?, bueno pues nada menos que el encargado de las animaciones en la película Jasón y los argonautas, y eso desencadenó todos mis recuerdos con mi primer encuentro con el cine.

Para cualquier lector (más allá de mis cuatro seguidores) menor de 25 años, no creo que lo que continúe les diga mucho. Empiezo mi exposición mítica.

Jasón y los argonautas, película inglesa de 1963, dirigida por Don Chaffey, nada tiene que hacer ante Matrix, Vengador del futuro, Transformers, Los cuatro fantásticos, o cualquier éxito maquilado en computadoras hollywoodenses, claro, esos chicos menores de 25 años estarán ahogándose en la carcajada, pero para el pequeño Carlos mítico (y contemporáneos) Jasón y los argonautas puede ser algo de lo mejor que se ha hecho visualmente en cine.

¿Cuál es la idea de Jasón?, exponer las aventuras del héroe para apoderarse del vellocino de oro y así poder reclamar el trono que le corresponde. ¿Por qué tiene argonautas?, sencillo, el barco en viaja es el Argos. ¿El resto de la historia?, la verdad es que la película se pierde en cuanto a su relato, como que al director, al final, se le olvida que tiene que regresar al abnegado Jasón a ejercer el trono, claro, si tiene el vellocino el resto se deduce.

¿Dónde está la magia de Jasón y los argonautas?, ¿dónde está el valor semántico?: en el trabajo de Harry Harryhausen quien fue el encargado de las animaciones de gigantes, hidra, arpías y los inolvidables esqueletos con los que se cierra la película.

Para mis lectores que ya rebasan los 30 años sabrán a lo que me refiero con la lucha a espadazos entre nuestro héroe y esos malandrines esqueletos, por eso es que cito a Antonio Toca: “Aún recuerdo siendo niño, la sorpresa que me produjo ver la famosa escena de la pelea con los esqueletos. Si ya de por si la secuencia causa admiración, escuchar al propio Harry Harryhausen hablar sobre la misma, habla mucho mejor de ella, sobre todo por la complejidad que tuvo rodarla. Necesitaron cuatro meses y medio para realizar la secuencia, a un ritmo de 30 fotogramas por día, debido a los 135 movimientos que debían realizar para mover a los 7 esqueletos cada día (poco más de un segundo de película). En el mismo enlace en el que cuentan estas cosas, se puede ver que tuvieron que usar actores reales para simular la pelea, y algún dibujo con la idea que tenía Harryhausen sobre la secuencia”. (http://www.blogdecine.com/, 14 de mayo de 2007).

Esa es la clave de la cinta, por medio de exhaustivos fotogramas el director y su animador fueron capaces de crear un campo narrativo mágico, mover nuestras mentes a espacios únicos, inolvidables. Estoy de acuerdo que el mundo avanza, que a la fecha los trucos cinematográficos son mucho más elegantes, más profundos, con mayor fastuosidad, en fin, un técnico de animación puede dar un sin fin de detalles, lo cierto es que sin esos trabajos artesanales nada de lo que ahora se ve hubiera sido posible.

Jasón y los argonautas permite al cinéfilo romántico ver en la pantalla esa faceta del ser humano que busca el honor, que se mueve en el terreno de la magia, donde la mitología es el hecho cotidiano, donde hay cosas intangibles por las cuales luchar, donde el honor es el motor y no sólo la riqueza por la riqueza, es la lucha del héroe ante las adversidades para cumplir las profecías.

La aventura de Jasón remite al ser mitológico que es el humano, donde se actualizan nuestras emociones, lo que aparentemente no es pero sería fantástico que ocurriera, de cuando los caprichosos dioses se las pasaban fastidiando a los pobres mortales, de búsquedas que aunque externas concluyen en la más profunda de las introspecciones.

Pensemos por un momento, ¿quien no desea que su paso sea facilitado por Neptuno cuando atraviesa el desfiladero de las rocas que caen?, ¿en qué momento nos convencieron que la hidra no existe y que el vellocino de oro es puro cuento?, ¿en qué segundo se perdió la seguridad de que un gigante de cobre se anima al ser saqueado el recinto que protege?, ¿cómo estamos seguros de que un coloso no podrá tomar nuestro barco y sacudirlo hasta hacernos caer en las aguas del mar?, reitero, ¿es que de verdad no es posible que las calaveras no salgan efectivamente de la tierra y empuñen espadas?

Tal vez me ha atrapado la nostalgia, pero recuerdo que cuando “eso” era una verdad que en cualquier momento saltaba ante nosotros el mundo nos resultaba más sencillo, más coherente, más llevadero, pero sobre todo, más mágico. Insisto, no debemos exagerar el valor de la realidad, pues está tiende a ser pesimista y un tanto fría. La magia tiende más a la diversión y tolerancia.

Una de vaqueros

2007-08-06T18:11:00.000-07:00

El verano continua, y por ello es que no existe gran variedad de películas que valgan la pena (vamos, ni el caso de los Simpson, de quienes he escuchado que es un capítulote mal hecho y forzado), pero por fortuna están los clásicos.

De lo que ahora deseo hablar es sobre el clásico del spaghetti western El bueno, el malo y el feo. Por fragmentos habré visto la cinta unas tres veces, pero de manera completa apenas hace una semana me di tiempo y diversión.

Pocas historias de vaqueros me han gustado, como que no es mi estilo, pero esta es la excepción que pone a prueba la regla. Realmente es poco original lo que se pueda decir de la dirección de Sergio Leone, de la musicalización de Ennio Morricone (aunque el track principal lo disfruto más con Hugo Montenegro), o la insuperable actuación de los tres malandrines que sueltan tiros por el desierto.

La historia entra fácilmente en el arquetipo del vaquero americano, sólo que con la visión del cine europeo, con esto me refiero a que se mantiene la idea del tipo rudo, ambicioso, muy dentro del modelo la nación americana expansionista del siglo XIX, de gandules que ponen una bala donde quieren sin importar los más de 50 metros de distancia. La visión europea entra en la sensibilidad de poner diferentes cuadros donde estos granujas sienten miedo, se conmueven, y dan pequeños momentos de tristeza que resultan memorables.

Claro, para ello se necesita saber trasmitir los valores fílmicos a la pantalla. Imaginemos en retrospectiva, 1966, esas monumentales salas de cine, por ejemplo el cine Latino, y en una pantalla no menos chica el rostro de Lee van Cleef (el malo), comiendo algo así como alubias y en el centro sus ojos enigmáticos, de matón que va a cumplir el encargo con ciertos ajustes.

A lo largo de la cinta de Leone se puede apreciar el constante juego de aliados y antagonistas, no hay amistad, hay intereses (¿más metaforización con los gobiernos americanos?) y en ellos El Rubio (Clint Eastwood) y el Tuco (Eli Wallach) jugando con la idea del ahorcado y el caza recompensas. El arquetipo es sencillo, ¿dónde viene la originalidad?

La andanza es la clave. El Rubio desea terminar la sociedad con Tuco, claro, de una manera ventajosa, pero el Tuco no es un tipo solamente malo, es audaz, logra cazar a su ex socio y ahora tiene el control, lo que se enmarca con una caminata por el desierto. El giro del destino llega en una diligencia de soldados moribundos, donde uno de ellos, a cambio de agua promete revelar el secreto de dónde ha guardado 200 mil dólares. Claro, en lugar de que el secreto del dinero sea para el Tuco, es el pasaporte para que el Rubio salve su vida al ser el confidente beneficiado.

Lo que se describe es simple, si hay tres tipos ambiciosos lo sencillo es poner dinero de por medio, pero la sensibilidad de la dirección consiste en poner a Tuco y al Rubio siendo frenados por los bandos sureños o norteños durante la guerra civil americana.

Esta guerra, por cierto, es bien interesante como elemento latente durante toda la película. Sin ningún tipo de escrúpulo o valor moral, Ojos de ángel (el malo) llega a ocupar un cargo en el bando sureño, Rubio y Tuco son prisioneros más por una casualidad irónica que por formar parte del ejército yanqui, y el colmo de la imbecilidad creíble: dos ejércitos desangrando sus tropas en medio de un páramo, luchando en medio de la nada por un puente que no tiene ningún valor estratégico.

Lo más sencillo que pudo hacer Sergio Leone es poner a sus vaqueros viviendo su propio universo, echando bala, a la búsqueda del dinero. Lo actual de la cinta es exponer secuencias donde Tuco dice a Rubio que su hermano es lo máximo cuándo ese mismo hermano lo corre del monasterio en que vive luego de que ambos llegan a su propia catarsis familiar, donde el reclamo y la violencia es natural para el relato.

La actualidad llega cuando Rubio arropa a un joven soldado sureño que agoniza, y más que caer en desgarradoras escenas de salvación le da de su cigarro, gran fetiche del bueno, hasta que éste expira, es así como el director nos recuerda lo absurdo de la guerra, la fragilidad de la vida, la inepta decisión de la élites que se sienten con todo el poder y autoridad para destrozar la vida de la masa por un supuesto ideal.

El final no tiene más salida, es un duelo, por eso es una película de vaqueros, pero en un perfecto triángulo de emociones. Queda la impresión de que cada uno de los tres ángulos representaran tres fases del orden social, Ojos de ángel como el malo perverso, del Rubio que mueve a tanta simpatía que se hace de lado toda su villanía, Tuco, como el simpático que hace disfrutable la crueldad. Todo este marco tiene la precisa guía de cómo se arreglan las cosas entre hombre: a balazos, con un aura de que el bueno no puede ser tan gandaya, con un malo que encuentra los gramos de plomo que lo mandan al caos e indiferencia, y con un feo que no tiene suficiente aire en los pulmones para gritarle al Rubio que es un hijo de puta.

Que siga el verano, mientras los clásicos lleguen a ocupar un espacio en la televisión podremos seguir avanzando, tal vez pronto día se logre alguna cinta que les haga compañía en ese exclusivo lugar de lo bien logrado. ¿Imaginar un transformer bueno, otro malo y uno más feo será la opción?

Una mecánica que continua funcionando

2007-07-31T14:49:00.000-07:00

Tan gratificante resulta ver una historia cinematográfica inteligente que hasta se puede perdonar el doblaje de ésta, incluso parece que se eleva el nivel de la voz ajena a la original. En este caso La naranja mecánica, dirigida por Stanley Kubrick, basada en la novela del mismo nombre de Anthony Burgess, logra que el horario nocturno se vuelta un auténtico deleite.

Alex (Malcolm McDowell) es un gañan que vive entre el mundo burgués y sus trapacerías donde exalta la ultraviolencia. Por medio de la narración de este protagonista se va dando cuenta del proceso de degradación o exaltación humana en sociedad. Alex encabeza un grupo de jóvenes drogadictos, pero no para hacer dinero o liderar un cártel, es más bien su búsqueda de poder, de dominación, de superioridad sobre los común y ordinario.

A lo largo de la cinta, Kubrick plantea visualmente a la sociedad que vivimos: con dominación sexual, el sometimiento a fetiches e imágenes fálicas, gobiernos que actúan como gran hermano, de negaciones de la realidad, de gozo en medio de la tecnología, en suma, del desastre que somos como sociedad, el datelle es el toque personal con que lo narra.

La historia de Alex es aderezada por juegos de tiempo, la deliciosa cámara lenta con que Alex reprime a sus amotinados droguitos, el juego de luces y ambiente en la tienda de discos donde Alex invita a un par de chicas a su departamento, desde luego la escena de ese trío fornicando al ritmo y velocidad de la obertura de Guillermo Tell (sí, la famosa melodía del llanero solitario). La cinta es amena en lo visual, en la propuesta crítica y en la musicalización (una delicia todo el soundtrack).

Sí, es un delincuente que lucha por mantener su estilo y estatus ante su grupo. La violencia que despliega le hace ganar el desprecio de sus compinches. Sus excesos hacen que ya no sea tan divertido golpear, violar y abusar de los demás. Los droguitos ponen la trampa, sabiendo que Alex no va a resistir la tentación de abusar de la fuerza. El asesinato está rondando la vida de Alex.

Los excesos de Alex, como es de esperarse, lo dejan como un habitante más del sistema penitenciario. Ahora bien, hablar de la degradación de Alex dentro del sistema penitenciario es limitado, creo que sería perder de perspectiva la obra de Kubrick, Sí, es cierto, Alex cae en la cárcel, y esta micro sociedad es terreno fértil para un director que expone el vicio del sistema , donde el contraste se logra por medio de la brutalidad del mecanismo judicial, por medio de la vulgarización del mensaje religioso que busca que todo aquel "hijo de puta" que cae en esos lugares logre la redención futura, no su estilo de vida.

La implementación de nuevas “técnicas” de readaptación (cualquier método para que el sujeto no delinca) dejan a Alex a merced del la nueva estrategia. Si Alex exaltaba la ultraviolencia ahora vivirá en la no agresión. La pasividad del protagonista no vendrá por libertad del espíritu, ya no digamos reflexión de hechos: se da por la exposición a la violencia y su asociación con su antítesis: la melódica presencia de Ludwing van Beethoven, claro, además de las consabidas drogas que estimules la nausea y dolor ante cualquier tipo de violencia.

Sí, Alex es tomado como un modelo de superación, algo así como el triunfo de un nuevo modelo social. Está listo para ser sociable. Sin embargo el presa del pasado, sus padres han rentado la habitación de Alex, la sociedad que antes era violentada por el joven criminal ahora es quien lo denostado, la autoridad policíaca ahora es nutrida por su anterior banda de rufianes (vamos, como los porros que luego terminan de representantes populares).

La programación de respuestas, la inducción del miedo, el uso de figuras para justificar los aciertos del gobierno, el gozo conductista de la sociedad, donde ésta termina aborreciendo a lo que ella misma construye. ¿Acaso Alex no será un producto del entorno, de la cosificación, de la individualización del sujeto, todo ello para justificar planes de readaptación?, ¿personas como Britney Apears, Lindsay Lohan, o quienes vengan, no son un actualización de Alex, “personalidades" que la sociedad de consumo encumbra y después abandona por ofender sus escrúpulos?

Se me ocurre imaginar que la novela de Burgess identifica esa mecanicidad en donde el sujeto no encuentra más expresión que una violencia ciega que destruye a su propio creador, tal vez los Alex que destacan son el mostruo que trata de estrangular a su doctor Frankenstein.

Haber visto La naranja mecánica fue gratificante, y a la vez deja algo perturbador en la imaginaria: ¿qué hace que siga siendo tremendamente actual, vigente, incluso proyectiva?

El héroe y su epopeya

2007-07-29T10:52:00.000-07:00

La narrativa rusa es muy particular, no se anda por las ramas, me parece que rara vez cae en terrenos comunes, gusta de plantear los dilemas en los que vive el ser humano. El pequeño Vania, cinta dirigida por Andrei Kravchuk, es uno más de esos casos, lo que hace que la cinta sea sencillamente extraordinaria.

Vania es un niño que de seis años que vive en un orfanato y ha sido elegido por una pareja de italianos para que sea su hijo. Es por medio de este escenario que se exponen dos ideas centrales: todo el orfanato trabaja para el nuevo elegido que asciende al rol de héroe, pues va a poder salir de ese mundo sin futuro, sin suerte, sin nada alentador; todo ello rodeado por el cascajo de lo que fue el orgullo del imperio soviético (una percepción que cualquier globalizador negaría). Sí, Vania se convierte es el pequeño bendecido por la suerte y como tal no debe de rechazar ese golpe de abundancia, de lo contrario su destino será la delincuencia juvenil, en el más cercano destino.

Contrario a lo que pudiera pensarse, la historia de Vania (Kolya Spiridonov) no busca el chantaje sentimental, no es un niño metido en grandes sufrimientos, nadie abusa del él, no está en escenas cargadas de sentimentalismo, Vania es un niño que forma parte de la célula productiva del orfanato, es parte de la maquinaria con que los más grandes obtienen dinero, ya sea por servicios en gasolineras, o por prostitución, que es el caso de una de las chicas del grupo.

Todo va perfectamente, el grupo festeja que uno de los suyos tenga mejor destino, que se pueda ir y deje atrás toda la miseria. Ser adoptado es tanto como garantizar el éxito en la vida. Sin embargo son los fantasmas del pasado los que despiertan la curiosidad y deseos de otras opciones en nuestro infantil héroe.

La búsqueda de uno de los niños ya adoptados por parte de su madre detona el sentimiento más básico de Vania: encontrar a su madre. Por escasa que sea la posibilidad, para Vania vale la pena dirigirse a su origen, claro, esto se mueve más cuando algún otro niño le dice: no te preocupes, pronto vas a tener una nueva madre. En la lógica del héroe no tiene esto sentido.

El proceso en que va germinando esta escapatoria para la conquista de su meta no es gloriosa, no es exaltada, más bien es la un niño de 6 años que no sabe bien a bien por dónde empezar. Tal vez sea robando dinero poco a poco al líder del orfanato (algo así como el que padrotea a los demás), tal vez sea aprendiendo a leer, quizás sea escapando, ¿pero cómo?, el héroe necesita de guías. La primera surge de una de las chicas del orfanato (la que se prostituye), es quien le pondrá en el tren que lo llevará a la ciudad de su primer orfanato y así poder tratar de encontrar a su madre, es a partir de ahí que empieza la epopeya del héroe.

Notable acierto del directo es que el chico siempre esté abrazado a un cuaderno, como si fuera su antorcha en medio de las tinieblas, la búsqueda de sus aspiraciones son metaforizadas por el cuaderno, es su guía, es la fuerza de la volunta a la que se sujeta, la que no permitirá que desfallezca hasta llegar al final de su cruzada.

La astucia, el saber acomodarse al lado de los adultos, cubrir al compañero en desgracia, como diría Clavillazo: “vivillo desde chiquillo” es lo que hace que Vania vaya cruzando este mar de adversidades. Claro, la persecución de quien pierde dinero con la adopción frustrada es constante, y es lo que hace que el héroe tenga que aplicar el máximo de sus breves capacidades.

Es en la ciudad donde Vania conoce la generosidad casual o la maldad más premonitoria. Gracias a ayudas incidentales Vania llega al orfanto original, donde su madre lo abandonó a su suerte, pero el héroe es tal por enfrentar su destino, y es ahí en donde empieza la verdadera prueba. Casi es atrapado por sus perseguidor (el gandul que trabaja para la mujer que contacta a los padres adoptivos), pero el destino le tiene la sorpresa de que es defendido, de manera indirecta desde luego, por unos jóvenes con quien se cruza en su huída.

El camino del héroe en apariencia está despejado, aclara todas las dudas sobre el destino de su madre y es cosa de esperar a que amanezca. Pero falta el clímax para el joven héroe. En su camino definitivo, sin atajo posible, se topa de nuevo con su perseguidor, y cuando esto llega a lo más intenso, cuando no hay salida, el héroe demuestra que está listo para pelear, para enfrentar a sus demonios, a gritarle a quien sea que está dispuesto para la batalla, pues tiene la razón de su lado, escena magistralmente coronada con una lluvia que confirma el bautizo, la purificación, Vania personifica su propio sacrificio para que surja el nuevo Vania. Sí, es una escena maravillosa, que conmueve, y no deja más elección a fiero y deslamado perseguidor que dejar a nuestro héroe enfrentar su destino, pues se ganó con todo derecho su nueva vida.

En el final, claro, hay que llorar un poco, hay que dejar que los ojos se humedezcan, pero no sólo es por que el niño ha logrado su meta, es porque el héroe llega al final de su epopeya demostrando que tuvo la voluntad, la fuerza, el talento, a su favor, que jugó sus cartas, se arriesgo y en ello confirma la renuncia de la vida prediseñada que iba a recibir por un destino que se gana a pulso.

Andrei Kravchuk, nos regala en El Pequeño Vania una historia donde deja que su héroe gane su independencia, su espacio, pero no pone más que lo justo, la musicalización es maravillosa, simple, como un murmullo de piano (quien haya visto el decálogo de Krzysztof Kieslowsky sabrá de lo que hablo), donde las imágenes te proyectan ese orgullo acabado del otrora reino comunista, y en ello surge un héroe que da dignidad a lo más elemental del ser humano.

Una buena historia de amantes

2007-07-25T13:12:00.000-07:00

¡Hay tantas cosas que pueden pasar antes de que inicie una película! Vas a cambiar tu tarjeta de cliente frecuente, así lo pides y el muchacho que te atiende te quiere vender el boleto (es decir, me oyó, pero no le importó); vas a comprar un dulce que corte el antojo de comer algo y te tardas 10 minutos por las eternas y despistadas vueltas del vendedor (es decir, la gente goza haciéndose bolas); por estar en la fila escuchas a los de adelante decir que Tranformers es una excelente película, tan “padre” como duro de matar (es decir, el plástico ha vencido al discurso fílmico); y por si fuera poco, la película inició con un retraso de 15 minutos, eso sin contar los, al menos 14 anuncios que nos endosaron (es decir, todo puede pasar de manera secuenciada).

¿A qué viene toda esta queja?, a que todo quedó saldado al poder disfrutar de una buena película. Apenas hace unas semanas decía que el cine italiano es irregular, bueno, la revancha llegó, ahora sí hay una buena cinta italiana en cartelera: Un amor italiano.

¿Dónde están los méritos de Un amor italiano? La historia se centra en la Italia de 1936, es decir, en las postrimerías de la locura de la segunda guerra mundial. En un tren, que es la metáfora del avance, de la trasmisión a lo largo de toda la cinta, donde vemos a un sujeto bien parecido, de sonrisa seductora y finos modos, es Giovanni, (Stefano Accorsi) que sin el mayor recato pasea por los pasillos del tren en busca de alguien que corresponda a sus encantos.

El encuentro ocasional con una mujer en al tren va desarrollando la historia, no se dio cuenta de que esa mujer en cuestión era María (Maya Sansa), digamos que el gran amor de Giovanni. Es hasta que regresa a la casa de María, como una visita social a verificar su pasado en que cae en la cuenta de que esa chica del tren era María, claro, ya no era rubia, ahora es de castaña, pero en el fondo sigue siendo María.

Es por medio de este pequeño ajuste que la relación de María y Giovanni reinicia, de nuevo regresan al camino de los amantes, de las calles oscuras, de las confidencias en apartados lugares, del amor entregado en la playa desierta o en el bosque brumoso, ¿cuál es el tino de esto?, que no hay frases cursis, no hay juramentos absurdos, Giovanni no va a dejar a su esposa ni a su hija, María seguirá siendo esa amante tan fiel pero que no pasará de ahí.

A lo largo de la cinta, dirigida por Carlo Mazzacurati, se va haciendo un recorrido en donde de nueva cuenta la costa mediterránea es el testigo y confidente de la historia de estos amantes, de sus entregas apasionadas, de sus regalos costosos, de sus enojos, bien expuestos en la lógica de la pasión latina, en los gritos, en la violencia, sólo para terminar aceptando que pese a todo se terminará uno al lado del otro.

La música, a lo largo de la cinta es un acierto, es un compañero, tiene el tono melancólico que adornando a una Italia que paulatinamente se acerca a la imbecilidad del conflicto, el primer detalle es el alistamiento de Giovanni en el ejército por la campaña en África, pero eso no ciega a la historia, el orden superior sólo contextualiza la historia de los amantes, sus acercamientos y sus lejanías, su dependencia, más allá de formas y convencionalismos sociales, vamos, ¿Quién no ha sido protagonista de esas historias que saben a gloria y se ven como estupidez por culpa de una mujer?

¿Otro acierto de la historia?, Giovanni es un hombre casado, pero sólo hay una escena donde se ve a dicha familia reunida, claro, celebrando el cumpleaños del hijo y con María frente a la pastelería, donde de súbito cobra la dimensión del lugar en que siempre permanecerá.

¿Por qué un acierto?, porque me parece que el director no cayó en la tentación de hacer participar a la familia de Giovanni con diálogos, eso implicaría tener que diseñarles su propio universo, sus angustias, sus problemas, donde es fácil caer en los chantajes emocionales, donde se puede abusar de la miseria del abandono, en el tono moral hacia el protagonista. La familia está ahí, con una sola imagen queda claro su papel, su peso y su presencia para los fines del relato.

La historia avanzará, y en lo que no resiste el director es a poner un escenario que cada vez se cierne sobre Giovanni y María: la guerra mundial. De nueva cuenta se va a exhibir la locura de la humanidad en donde las élites deciden sobre la masa, donde las élites meten en su locura a la vida de quien no tiene más elección que defender a la patria que dichas elites han jurado defender con la sangre del pueblo.

De primera instancia me pareció un exceso del director al poner escenas de esa demencia cuando ya las imágenes previas avizoran la tragedia, pero el diálogo que tiene Giovanni con María y con un boletero del tren hacen que la cinta, a mi juicio, concluya vigorosa, pues queda de manifiesto esa pujanza europea que ha hecho que siga siendo un polo dominante de poder y estilo para todo occidente.

Un amor italiano es una cinta muy agradable, de mucho valor cuando en las salas aledañas la atención se centra en magos y máquinas que cobran vida para defendernos (¿?), de cada uno de los pasajes, invitamos al cinéfilo a que los vaya descubriendo las sutilezas del mensaje.

Jugando en el terreno de los jóvenes

2007-07-20T19:54:00.000-07:00

Para asombro de mis cuatro lectores, en esta ocasión voy a enfocarme en una cinta que ya antes había capturado me atención, sólo que ahora sí la pude ver completa. No, no la vi en cine, tampoco la he encontrado en algún video club, pero no puedo negar que me atrapó en su poco más de hora y media de duración.

La cinta en cuestión es La fuerza inútil, producción mexicana que contó con el guión y dirección de Carlos Enrique Taboada. Es muy posible que no sea cotidiano el nombre de este director, aunque si nos remitimos al reparto, donde aparecen nombres como Rafael Baledón, Macaria, Fernando Balzareti, Verónica Castro, Blanca Sánchez, entre los que pude ubicar, bueno, la cosa ya cambia un poco. No serán los mejores actores que hemos visto en México, pero de que nutrieron la tropa de actores en las telenovelas no hay duda.

La sinopsis de la película dice que se trata de una historia donde un hombre mayor se integra a un grupo de jóvenes para aprender a conquistar muchachas. No quiero pecar de odioso, pero quien puso eso no entendió la cinta, vamos, creo que ni la vio.

Sí, Rafael Baledón (el Profe) es un “ruco” alivianado que da hospedaje a un grupo de jóvenes de la onda (estamos hablando de 1972) que terminan su farra frente a su domicilio. Es llamado el Profe porque es un estudioso de los insectos, además de ser un hombre grande (¿les gusta de 55 años?) y que para los chavos es el perfecto modelo del burgués que ya no tiene nada que ofrecer al mundo: clasista, arquetípico, con ideas del siglo pasado.

Es en este escenario en donde Taboada empieza a el recorrido de su hipótesis y propuesta: los jóvenes de la época ni querían ni buscaban el cambio, poseen tantos escrúpulos como los ancianos que critican, además de pregonar un tiempo y modo de cambio que ni ellos sabían bien a bien cómo lograrlo. ¿Este prototipo de juventud ya estará superado?, me inclino a pensar que no.

¿Qué es lo que va ocurriendo a lo largo de la cinta?, El Profe se va adentrando en el mundo de los jóvenes paulatinamente, va a sus fiestas, organiza las propias, danza con ellos, los invita a que sean libres, auténticos, locos, naturales, congruentes con lo que dicen pregonar. Con un sentido crítico diríamos que es la inspiración para la marca de café instantáneo que exige a los jóvenes a que vivan “cool” (aunque también tenga su café para el “adulto contemporáneo”).

¿Dónde está lo interesante?, en que no existe reclamo moral del “ruco”, serán los jóvenes los que se sientan abrumados al ofenderse de que él viva y exija congruencia en sus juveniles amigos. El Profe se vuelve una especie de serpiente en el jardín del Edén de la muchachada. Seduce a cuanta chica tiene a su alcance, pero siempre con el deseo científico de la observación.

Lo que afirmo lo sustento porque a lo largo de todo el discurso de este hombre maduro nunca se percibe un tono de reproche a la ligereza con que aparentemente se dan al amor las chicas, nunca hay un consejo sabio para que los jóvenes vivan con recato, es más, se podría decir que se vuelve esa conciencia de la juventud que los mueve a ser irreverentes, a buscar su supuesto rompimiento de moldes.

La historia trascurre por la seducción, por el lance sexual libertino, por el debate de las drogas, por el abuso del alcohol, por la trivialización del honor, se trata a la muerte, al materialismo, a la orfandad emocional; la historia se centra en jóvenes que nunca interactúan con sus padres, pero no lo necesitan pues el escrúpulo y la moralidad ya la tienen lista para relucir cuando se acercan a los linderos del auténtico rompimiento de moldes sociales que dicen practicar.

Me parece que uno de los momentos más interesantes de la historia es el juego de los estoicos, en donde se llega a la cumbre de la materialidad, donde todos los participantes tienen que dar lo que más quieren en la vida y sobre ello aceptar la consecuencia de sus actos. Es ahí en donde el Profe dará su cátedra de lo que es el mundo actual, este juego, este pasaje, es el que revalora y actualiza la historia, al menos hasta que de verdad rompamos los “viejos moldes”.

¿Dónde radica la trascendencia de la cinta?, para ser honesto, ignoro si el guionista director en verdad deseaba trasmitir ese discurso, si lo vemos en perspectiva, el cine de los 70 se especializa a hacer ver a los jóvenes como animales, como locos, como inadaptados que al final sufren el castigo divino por sus atrocidades; en La fuerza inútil no ocurre eso, más bien la propuesta es exhibir la mentira en que vive la juventud que siente que reinventa el mundo con la base de los escrúpulos más conservadores.

Completemos la idea de la actualidad: tomemos el ejemplo mediático y fenómeno de Rebelde, un grupo de alumnos (bastante descebrados) que van contra las reglas, que quieren un mundo sin ataduras, fresco, dinámico, que no tenga nada que ver con lo viejo, pero que en el capítulo final concentra la atención en una boda y todo los valores semánticos que contiene, que juran un nuevo orden y terminan haciendo un recorrido en un salón de clase donde la que dirige su discurso a la manada es la líder autoproclamada. ¿La fuerza inútil es profética sobre la visión de esa juventud de plástico, sin identidad y sin búsqueda de nada nuevo?

Probablemente Carlos Tabeada es una víctima del sistema, pues si se revisa su filmografía se puede ver que va desde cintas como Rapiña (1973), El arte de engañar (1973), Más negro que la noche (1974), pero también cayendo en otras como Twist, locura de juventud (1962), Baila mi amor (1962) y otras tantas que bueno, no pasaron particularmente a la historia, pero al menos con La fuerza inútil deja un grato sabor para el discurso cinematográfico: muchachos que proclaman libertad, pero son fieles alumnos del Yunque.

Enfrentando a los demonios

2007-07-17T17:20:00.000-07:00

Por cosas que desde luego no tiene caso explicar, hace poco más de un año me quedé con las ganas de comentar una película que me pareció magnífica. Quien lea esto podrá decir: ¡infame tecleador, qué caso tiene tu comentario si ya no está en cartelera! Tranquilos, mis cuatro lectores. La opción del DVD hace que sea muy sencillo conseguir la cinta y poder disfrutarla.

Ya en temas fílmicos, considero que el cine es un universo de códigos que son bien complejos, pero a la vez fascinantes. Dentro de los códigos entra el sentir de un pueblo, su idiosincrasia, su valoración del mundo, en fin, detalles y detalles que conforman lo que somos como seres humanos.

En el caso concreto del cine israelí, siento que está atrapado en un dilema histórico. La idea se centra en el hecho de ser uno de los pueblos más polémicos en el planeta, casos y ejemplos sobran, y por medio del cine se ha tratado de remarcar constantemente el tema del holocausto. Desde luego no pretendo distorsionar, polemizar o mucho menos minimizar tal episodio humano, pero creo que sí se vale la reflexión, ¿hasta qué punto el cine israelí es rehén de esta temática?

El motivo de toda esta reflexión es que el director Eytan Fox dirige Caminando sobre el agua, la cual nos presenta, de manera genérica, una proyección evolutiva. Se acepta, se reconoce el holocausto, con todas sus circunstancias, pero también establece un “ya basta”, dejemos de estar atados al pasado y empecemos a vivir nuestra propia vida.

La historia presenta como protagonista a Eyal (Lior Ashkenazi), un agente del famoso Mossa, y que desde luego se encarga de perseguir y liquidar a los terroristas enemigos de Israel. La efectividad y dureza de su profesión lo lleva a vivir sumido en un infierno emocional donde todo lo que se acerca a su vida termina muerto. Iris, su esposa, es uno de esos ejemplos al suicidarse.

Pero la vida sigue, y Eyal tiene que actuar como guía de turistas de Axel (Knut Berger). Hermano de Pía (Caroline Peters), una mujer alemana que ha decidido dejar atrás a su familia y vivir en un Kibutz (un interesante contraste). Axel, además de conocer lo más emblemático de Israel, busca que su hermana viaje de regreso a Berlín para el cumpleaños de su padre. ¿Cuál es el valor de esta explicación?, Axel y Pía son nietos del aparentemente fallecido Alfred Himmelman, de pasado nazi y al cual Menachen (Gideon Shemer), directivo del Mossa, y jefe directo de Eyal, desea dar alcance y muerte.

La investigación que Menachen encarga a Eyal deriva en la interacción entre el agente israelí y Axel, lo que genera diversos sentimiento, emociones, reflexiones, actitudes ante la vida que nos recuerdan una premisa de la cinta: para poder avanzar hay que purificarse, llegar a la raíz de los sentimientos y superarlos, de otra manera seguiremos atrapados en nuestras creencias, en nuestras percepciones.

El humorismo y la reflexión se mezclan con la realidad de los ataques terroristas en camiones israelitas a manos de mártires palestinos, de la notoria rispidez en el trato entre hebreos y árabes, vamos, la historia general de medio oriente vista a través de un Eyal que detesta estar esta misión “caza nazis”, y que a la vez es incapaz de reconocer la homosexualidad de Axel.

Las charlas grabadas (al puro estilo de Carlos Ahumada) revela lo que Menachen suponía: el militar nazi no está muerto, por lo que da la instrucción a Eyal para que vaya a Berlín, restablezca el trato con Axel y se acerque a verificar la versión sobre la existencia de Himmelman.

Es en este momento del relato en que se empieza a girar hacia asuntos más comprometedores en Eyal. Cumplir para lo que está adiestrado suena elemental, ¿pero esta es su lucha?, ¿el holocausto es algo directo para él?, ¿este odio es su odio? Eytan Fox plantea estas reflexiones de manera ágil, involucrando al espectador, pero sin grandes frases hiperbólicas, lo que es todo un acierto.

Sí, Eyal estará delante de un anciano que apenas es capaz de poder respirar con instrumentos, donde todo un cúmulo de angustias, de odios, de herencias y acciones a cumplir se arremolinan, ¿Eyal soportará esto?, ¿el asesino del Mossa se vencerá ante sus sentimientos y quedará en estado de indefensión por no poder cumplir su misión, es decir, completar su utilidad?

Fox teje los elementos para ofrecer un final sorprendente, muy agresivo si se toma en cuenta el dogma de como “debe” ser visto el holocausto y sus consecuencias. La inteligencia del director no deja de lado que también hay algo en la cultura germánica que también tiene que concluir, que hay algo que aún duele y es necesario hacerle frente, algo así como saber cerrar los círculos pendientes.

Por espacio de poco más de 100 minutos el espectador puede ver un proceso de degradación que generará un mejoramiento en los personajes Suena paradójico, ¿acaso el mundo no tiene mucho de paradójico para poder ser habitable?

Sí, Caminando sobre el agua, realizada en 2004 en una coproducción Israel Suecia, es una estupenda opción cuando se va al video club y parece que en lugar de seleccionar una película estamos eligiendo la caja del anuncio que luce menos mal.

Un dilema que se queda en intento

2007-07-07T11:36:00.000-07:00

En las salas cinematográficas de la ciudad de México se está exhibiendo Vainilla y chocolate. No puedo decir que salí contento, es más, hubo algunos detalles que me agradaron, pero eso al mismo tiempo hace que me sienta un tanto decepcionado.

Todo esto viene a cuento porque me he dado cuenta que me encanta el cine, el discurso existencial, es decir donde el dilema gana al final bonito, por decirlo de alguna manera. Como detalle, ver una cinta como el clásico Ladrón de bicicletas de Vottorio de Sica te deja en una situación de angustia, de desesperanza, vamos, de sentimientos encontrados, en donde el director te obliga a trascender la historia y ubicarla en la perspectiva profunda del sentido humano. En el caso de Vainilla y chocolate se pudía, pero el director no se atrevió.

Ciro Ippolito, director del film en cuestión, nos presenta a Penélope (María Grazia Cucinotta), llamada por todos como Pepe, maestra de piano, como una mujer insatisfecha, infeliz, víctima de las infantiladas y cabronadas de su marido, Andrea (Alessandro Preziosi). La decisión esperanzadora para Pepe es regresar a su origen, la casa de su entre severa y maternal abuela.

Claro, la decisión de Pepe es en parte huir de su agobiante entorno familiar, y a la vez se significa como una oportunidad de “hacer” madurar a Andrea, quien ahora tendrá que encargarse de sus tres hijos, dos adolescentes y uno de no más de 7 años. Puede ser, un entorno asfixiante puede propiciar que el más templado de pronto necesite espacio y distancia.

Pepe, ya instalada en la finca de su abuela, tiene una serie de evocaciones de su infancia, de su despertar a la vida (¡que cursi!, prometo ser más cuidadoso para la siguiente), y así vamos viendo algunos detalles de su madre y sus canitas al aire, del día en que conoció a Andrea (algo así como recordar el destino), los consejos de su abuela, en fin, detalles que pueden ser adecuados para crear el ambiente de Pepe y entender su vida. A la par de ello, Ippolito juega con la “nueva” vida de Andrea y sus tres hijos.

En este torbellino donde Pepe siente que ha sido la tonta en la infidelidades de Andrea, aparece el recuerdo y vivencia del amate de Pepe, Carlos Martínez (Joaquín Cortés), este me parece el momento más importante y fundamental de la cinta, donde los cuestionamientos pudieran darse, y sin embargo, me parece que se dejan pasar de largo para dar una lección moral.

La historia de Pepe y Carlos es lógica, un hombre de porte cautivador pone sus ojos en una mujer casada. Él trata por todos los medios acercarse a ella, hasta que ella accede. Se entiende que no puede estar con Carlos por ser casada, y también porque Andrea es el hombre con el que ha decidido estar (ojo, que no menciono amor). Finalmente Pepe vive su historia de amor, pues para que la dama tenga esa historia necesita sentir algo hacia ese sujeto (¿a quién no nos han puesto de pretexto el amor para darnos largas a ciertos temas?).

Bueno, Carlos logra romper esa barrera, Pepe se entrega a él, es plena, es dichosa, el feliz…, hasta que Carlos le pide que deje a su marido y se case con él, que junto a sus hijos formen una nueva familia, claro, para que tengan el suyo, el propio. Ahí el encanto se rompe. Se valdría preguntar, ¿por qué una mujer desea sentir amor para tener una aventura, pero cuando corresponden a su amor sale huyendo?

Es aquí donde la cinta, me parece, rompe el hilo de historia y se vuelve una lección moralina. Pepe tendrá que regresar, Andrea dice que ya aprendió y que va a cambiar (¿?) y el amante fogoso es castigado con un cáncer que casi corta sus lujuriosos sentimientos.

Con todo ello, la historia quiere abarcar tanto que termina dejando cabos sueltos: La hija de Pepe tiene desórdenes de alimentación, una escena que presenta pero no concluye nada, la misma hija que repite el despertar sensual de Pepe, pero es “protegida" por Andrea, unos diálogos entre Pepe y su madre que son flojos, pues nunca llegan a la médula de la justificación o del reclamo. Del final, ni que decir, sentí que estaba sufriendo la conclusión de cualquier capítulo de "Lo que callan las mujeres".

De verdad que me quiere gustar el cine italiano, pero me parece que es irregular, por ejemplo, la musicalización, por momentos tiene a influencia de Ennio Morricone, no está mal, pero hay que evolucionar; en otros la música en tan estorbosa que parece que se puso una cinta de Camilo Cesto (ya se imaginarán), digamos que este cuadro lo rescata la música y voz de Joaquín Cortés, quizá esa debió ser la base de todo el arreglo musical.

La fotografía no es mala, el entorno mediterráneo ayuda mucho, los encuadres tiene buena profundidad, y los ángulos que hay a lo largo da la cinta le den un toque de cierta frescura, se ve el estilo del director en romper lo cotidiano en ese sentido.

Del origen y nombre de la cinta, bueno, suena como una buena idea, pero me parece que es como una alegoría para decir que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, la misma cinta se encarga de machacar esta idea.

En fin, habrá que reflexionar sobre algunas cuestiones más por iniciativa que por la propuesta de la dirección. Se pueden pasar algunos instantes divertidos, pero esperar los grandes cuestionamientos del ser humano, caray, se tendrá que seguir viendo a Lars Von Trier, Kusturica, Wim Wenders, en fin, los clásicos que por algo son lo que son.

Para ver a las ballenas hay que tener fe

2007-07-05T15:42:00.000-07:00

Ya en alguna ocasión comenté que hasta en el cine de propuesta existen cintas que no tienen ninguna propuesta (por paradójico que suene), pero aún así resultan muy buenas películas. Me parece que esto no se deriva sólo de tener la mente abierta a aceptar el mensaje fílmico que no es “hollywodense”, sino a una postura de vida, es decir, no hay propuesta, pero sí la idea de mandar un mensaje interesante.

Este es el caso de la película Padre e hijos. Para ser honesto, ignoro si en algún momento alcanzó alguna sala aislada en los grandes complejos empeñados en sólo hacer dinero con cine desechable. Si el caso de esta cinta fue estar condenada al DVD de manera inmediata, bueno, qué le vamos a hacer, pero lo que sí les puedo decir es que se trata de una historia simplemente deliciosa.

Padres e hijos es sensible, es emotiva, es divertida, pero no siento que recurra al chantaje para lograr interesar al público. La piedra angular de la historia descansa en Phillip Noiret (inolvidable Alfredo en Cinema Paradiso), al encarnar a Leo Serano, un hombre que ve cómo pasa el tiempo, no es abuelo, y para colmo sus hijos viven en un notable alejamiento, cada uno preso de sus carencias o vanidades. Los tres hijos en cuestión son Charles Berling (David), Bruno Putzulu (Max), Pascal Elbé (Simón).

¿Cuál es el detonante para que la trasformación empiece a generarse?, realizar un viaje de vacaciones, la idea es ver a las ballenas en Canadá, aunque ya haya pasado la temporada de avistamientos.

Las vacaciones son el pretexto para que Leo logre que David y Max logren romper las barreras y distancias que los tiene como enemigos jurados. El argumento central de Leo es la manera en que exagera un leve problema de agotamiento (transformando en un coágulo que va a terminar con su vida).

Pero que esto no provoca una historia cursi, de frases melosas y terrenos comunes donde la muerte y las lágrimas brotan como si fuera un vulgar reality. El guión y dirección de Michel Boujenah es ágil, plagado de un lenguaje ligero, cotidiano, subido de tono, con insolencias, con juegos de lenguaje, sí, con cierto terreno común en las bromas y chistes, pero me parece que están justificadas.

El encadenamiento de los hechos hace que estas vacaciones cambien de rumbo en cada momento, las mentiras y las verdades se combinan a lo largo de la historia. A veces es la atención en el masoquismo de Max, en otras descansa en la vanidad y superficialidad de David, en ocasiones en lo abstraído de Simón, eso sin contar las sombras de homosexualidad; se descubre la aventurilla de juventud de Leo, se expone la repetición de soledades de Leo con su hermano, el que Simón no acabó la prepa, pero sobre todo el juego del chantaje de Leo para que todo puedan verse y quererse como familia.

Pero la solución a esa búsqueda de los valores, de la identidad, de lo que nos puede unir tenía que llegar desde afuera para que lo interno lograra el equilibrio. La respuesta llega por Mado (Marie Tifo), una curandera entre mística y charlatana que es capaz de revivir a un cerdo (después de todo, todos los hombres tenemos algo de cerdos).

Es en este ambiente aislado de todo, sin señal de celular (¡qué maravilla!), de trabajo rudo y de simplezas de vida es que estos cuatro personajes coronan ese viaje a su interior. Secuencias muy divertidas, aunque por ahí con su detalles emotivo que mueve a las lágrimas si se ha hecho “clic” con la historia.

Pero falta el pretexto original: ver a las ballenas. Leo lo explica muy sencillo en dos expresiones: para ver a las ballenas hay que tener fe. Para ver a las ballenas hay que merecerlo. Quien guste atreverse a gozar esta cinta (que está en tiendas de autoservicio a escasos cuarenta pesos) sabrá entender lo maravilloso y emotivo de estas dos ideas que el maravilloso Noiret nos legó.

Tan simple y profundo como el Agua

2007-06-29T18:38:00.000-07:00

De las millones de cosas que me asombran, el caso del cine de verano tiene un lugar especial. En más de una ocasión me ha tocado preguntar a algún cuate o amiga si les ha gustado la película “de moda”, y casi siempre resulta que me responden “pues está medio chafa, no vayas a verla”, y tras escuchar esto tan instentemente, no es menos mi asombro que si churro tras churro (bodrio, dirían los enterados) se repite la experiencia, entonces, ¿porque no aprender la lección y buscar algo nuevo?

Sí, ya lo comentaba en otra entrada, entre las arañas, fantásticos y ogros el verano avanza, y me parece que por no aprender las lección no nos damos la oportunidad de ver otras propuesta visuales, narrativas e ideológicas.

Continuado con las ideas que mueven al asombro, otra que me cautiva, de verdad que es primorosa, es cuando se habla de los “machos mexicanos”. No voy a aventarme la puntada de decir que el machismo es un mito genial (ni que fuera el tristemente célebre Pedro Aspe), pero me parece que ya es una imagen donde es fácil adoptar argumento de víctima.

¿A qué viene toda esta reflexión?, sólo hay que ir a la taquilla del cine y pedir un boleto (suponiendo que se va solo) para la película Agua y dejarse atrapar por su hilo narrativo. Agua, de la directora Deepa Mehta es romper la inercia adictiva de ver la película del verano y tener una nueva visión de lo que es sistema de vida machista.

Agua no significa ver una historia en donde el público femenino termine por aceptar que “no está tan mal y que hay lugares más jodidos”. Seguramente esa sería la explicación en el modelo arquetípico del estadounidense (cómo olvidar célebre capítulo de Los Picapiedra cuando Pedro agradece a la vida que es un simple obrero y no el jefe de la cantera) Paradójicamente, Agua, y este es su gran acierto, plantea la situación del renacer, de la aspiración válida.

Mehta inicia la historia dando un rápido escenario en donde un Chuyia (Sarala), a su corta edad (8 años)ya ha sido casada y ya es viuda, y por lo tanto debe vivir confinada en una casa de retiro para mujeres viudas. Habrá quien diga que eso es del carajo, bueno, las otras dos opciones de la cultura hindú es ser incinerada con su difunto marido o casarse con el hermano del mismo. La casa de retiro suena lo menos jodido.

Ahora bien, lo más sencillo sería que la directora se contentara con poner un recorrido de esas y demás gandalladas de ese sistema de castas y creencias que conforma a la cultura hindú, pero eso sería simplista y sólo se trataría de poner situaciones circunstanciales.

Chuyia es el pretexto simbólico, lo que nos puede horrorizar al occidental, para adentrarnos en dos corrientes narrativas directas, la forma en que “viven” las demás mujeres viudas y la manera en que éstas logran la sobrevivencia menos indigna. La vida de las viudas es la miseria, la pena, el dolor, el tener que completar la existencia pues resultan ya una carga, y costosa, para la familia; pero también se deja ver la corrupción del sistema.

La corrupción tiene nombre, Kalyani es una joven y atractiva, bella viuda, que por muy viuda que sea es la posibilidad de obtención de recursos para las demás mujeres, sobra decir la manera en que se obtiene ese beneficio, y que desde luego que es el medio ideal para hacer cuestionamientos a ese modelo machista que tanto predomina en la India. La directora no se puede abstraer a la idea de la tragedia clásica en donde la muerte es la única salida, pero no una muerte de finalización, sino de purificación. Desde luego, se tiene que ver la cinta para saber identificar el código que nos presenta la directora.

Asimismo, mientras se establece en entorno narrativo de Chuyia y las demás viudas, el hilo narrativo desarrolla pinceladas de la revolución conceptual de Gandhi, en exponer ese sentimiento paradójico del hindú acomodado que ve con desprecio al libertador y goza las noches citando a los poetas de la metrópoli inglesa, en la germinación de ideas de cambio en una sociedad que en el fondo funciona con los mismos códigos corruptos y perversos del pederasta más asqueroso.

En medio de este desarrollo narrativo no podemos hacer de lado el gusto estético y místico que nos regala la autora por medio de la justa aparición del elemento que cohesiona todo el credo de la India: El Ganghes. Es a lo largo de este punto en común que la historia de desarrolla. El río purifica, el río es origen de vida, es crematorio para el muerto, es el símbolo que conecta dos orillas que parecen distantes. Ganghes es vida purificada, en vida corrompida, pero vida en movimiento.

Agua cuenta con el apoyo fotográfico de Giles Nuttgens y la música Mychael Danna, lo que otorga un balance adecuado a la historia. Donde las imágenes y los sonidos sólo son, no hay la idea de inducir sentimientos, el público es el que se debe comprometer en la búsqueda de las emociones, ver en los cuadros el gusto por dejar que la imagen fluya, que el sonido acompañe a lo que vemos, no que sugiera lo que debemos sentir.

Metha hace así la entrega de su primera parte, tres completarán este saga de historia, y deja abierta la puerta de la esperanza, de la posibilidad, pero no de manera absurda y gloriosa, sino dejando la idea de la incertidumbre, del "vamos a cambiar", aunque no se sepa a dónde se va, pero se deja clara la idea: hay que arrojarse. La directora, me parece, retoma hacia al final a Chuyia como ella misma, teniendo que tomar decisiones valientes, o siendo beneficiaria-víctima del arrojo de alguien que quiso algo mejor para su futuro, un futuro que en la cosmovisión hindú, depende mucho del sexo, no del karma.

Agua es una excelente historia que nos enfrenta con las creencias y actitudes más antiguas, pero también deja abierta la puerta del cambio, de la renovación, de la esperanza de que todo se mueve, como las aguas del Ganghes.

Explicando el sistema humano

2007-06-23T19:11:00.000-07:00

Un ogro verde, cuatro súper héroes para variar salvando al mundo (entiéndase Nueva York), un pirata borracho y simpaticón, y una araña que tiene crisis de identidad es lo que domina, arrasa en las salas cinematográficas de la ciudad de México. Ni modo, así es esto del cine de verano, y cito célebre diálogo de Bob Patiño: hasta el homicidio tiene su lado malo.

Sin embargo, sí se puede encontrar por ahí en algunas salas una, a mi juicio, disfrutable opción, que es París, de amo. No se trata de una cinta armada, tampoco me atrevo a calificarla como un documental, incluso decir que es una “serie de estampas que nos reflejan lo que es la ciudad luz”, prefiero decir que es un una visión del sistema humano, ¿a poco no puede sorprender la forma en que pretendo de ser original?

A lo largo de dos horas París, te amo, nos ofrece una visión humana, sensible, muy emotiva de lo que finalmente preocupa a la gente. Veámoslo con calma, ¿será necesario saturar mis sentidos con efectos en donde colosos destruyen una ciudad porque nos defienden o interiorizar el sufrimiento de una madre soltera que tiene que dejar en una guardería a su hija de meses para ir a trabajar y cuidar a una niña de meses que tuvo mejor destino?

Otro ejemplo, podemos ver el corto en donde la siempre encantadora Juliette Binoche sufre por la pérdida de su hijo, lo que da motivo a una proyección onírica en donde las calles de París son recorridas por un vaquero estupendamente caracterizado por William Dafoe, al tiempo de dejar en claro que su hijo es una gran muchacho. ¿Vale más la seguridad del universo o la serenidad que logra la madre al entender que su muchacho está bien?

La astucia es una arte que hay que saber explotar, En una historia donde Nick Nolte es el protagonista todo el tiempo se discute la libertad de su hija, de su derecho a disfrutar de la vida, o bien, la capacidad de elección que nos expone Elijan Word para ser un vampiro por elección y no por maldición, de las andanzas de Steve Buscemi quien nos da el mejor consejo para cuando vayamos a París: no ver a los ojos a los franceses. Delicioso relato en donde mueve a la risa sin decir una sola palabra. Los tres tienen en común la sorpresa.

París, te amo da la posibilidad de ver relatos que emulan a las cintas de Audrye Hepbrum donde la clase y el estilo termina por parecernos natural y lógico, como ocurre con la historia de Bob Hoskins, pero también podemos ver el asunto de la marginación, de la violencia, de la no aceptación al que es diferente, relatos que evidencian la problemática del emigrante cuando el concepto de originalidad y de pertenencia ha sido armado y vendido por los seres más ciegos o nocivos para el mundo.

La cinta se goza por los estilos narrativos que ponen cada uno de los diferentes directores, es como un colage en donde no importa tanto segmentar, sino integrarse al sistema de emociones humanas, el tiempo se dilata, o se escapa; pero a final de cuentas queda de manifiesto que sólo somos instantes, que nada garantiza la inmortalidad en tanto no sepamos vivir el fugaz presente.

Alfonso Cuarón, Los hermanos Cohen, Gus Van Sant, son sólo algunos de los directores que nos regalan una personal visión del ser humano, París es el pretexto, es el escenario en donde estos directores y actores juegan con los elementos y nos permiten acercarnos más al ser humano.

Desde luego que no estoy en contra del cine de verano, pero me parece muy justo que nos limitemos a los sentimientos superficiales, esos que tan pronto llegan los olvidamos; me agrada la idea de que el cine nos trasforme, de que tratemos de entender al otro, porque de esa forma podemos aproximarnos a nosotros. Es necesario que busquemos los retos a la imaginación, a salir de patrones que de tan contados se pueden volver adictivos.

París te amo, producción Alemania, Francia, Suiza, Liechtenstein, no revela un nuevo mundo, pero sí me parece que quiere encontrar otra variante a ese mundo que cada día pareciera que deseamos destruir con más empeño.

Relato que se tiene que contar

2007-06-05T16:19:00.000-07:00

He de comentar que fui a ver El violín con una amiga, también he de confesar que cuando voy al cine no me distraigo ni distraigo a mi acompañante (por asombroso que parezca voy específicamente a ver la película) y una vez que ésta concluyó le pregunté a mi amiga si le había gustado. Me imagino que fue algo amable su respuesta, pues dijo que sí, lo que no resultó amable es que le interrumpiera un bostezo.

Imagino que sintió la necesidad de explicar su respuesta y su lenguaje paraverbal. Me comentó que la película le había gustado, pero que como que era muy trágica, al parecer el final no le gustó. Ahora yo lanzo una pregunta a quien la vio: ¿acaso había otro final dadas las circunstancias?

El inicio de la cinta de Francisco Vargas Quevedo es más que premonitoria: la bota de un soldado paseándose amenazante ante un hombre maniatado en primer plano, mientras en el fondo hay otros sujetos, igualmente atados. Todos están siendo torturados, están en un ambiente rural. El escenario ha quedado planteado: la guerrilla en México, concretamente en el campo mexicano.

La cinta no abunda en diálogos, no se necesitan, las imágenes de abandono, de pobreza, de limitaciones son elocuentes, ¿imaginar a un campesino parlanchín?, ¿escuchar a campesinos guerrilleros que hablan sus planes en charlas de cantina?, reitero, saturar la pantalla de diálogos hubiera sido un descuido a la estética visual que nos recuerda las imágenes del cine clásico del siglo pasado, este fue un logro de Martín Boege Paré.

En medio de toda esta tristeza, de toda esta impotencia, de esta lucha de los dueños originales la tierra, es que el violín se erige como el símbolo que lo llena todo, que representa la melancolía, el sueño, el deseo de algo mejor, digamos que lo único que aún permite mantener la dignidad de todo un grupo que ha sido despojado desde siempre.

Don Plutarco (Ángel Tavira) es el violinista de esta historia, es el padre de Genaro (Genaro Taraceda) y abuelo de Lucio (Mario Garibaldi), ¿podían ponerse nombres más representativos?, y pese a ser manco (quizás metáfora de los desposeídos) da tono a los lamentos, melancolías, ansias de lograr que por fin algo de justicia llegue a los que siempre han sido marginados.

En El violín se va entrelazando un lenguaje de miradas discretas, de señales, de pequeños códigos en esta lucha contra el sistema. Vigías, muchachas en el camino, vendedoras de queso, en fin, una red de complicidades donde todos saben que ya nada pueden perder, una lucha que no es por dinero, donde el todo es la dignidad.

Como resultado de la persecución, el desplazamiento y desaparición de lugareños, don Plutarco termina por empeñar sus tierras (en un contrato en blanco, desde luego) para poder ir por su nuera arrestada y a la vez ir en búsqueda de su violín. Es en este giro en que Vargas Quevedo expone algo que suena tal vez obvio: entre guerrilleros y militares no hay tanta diferencia como pudiera parecer.

La búsqueda de este instrumento le permite a don Plutarco ir internándose en el círculo militar que ocupa sus tierras. Por medio de la música empieza a ganar la confianza del capitán del destacamento (Dagoberto Gama), incluso es la oportunidad que se encuentra para exponer la ayuda que puede recibir el mismo guerrillero de las fuerzas armadas, de esos soldados que por mucha fidelidad a la institución no pueden olvidar que pueblo son.

Hay que poner atención a los diálogos francos entre Don Plutarco y el capitán, quizás ahí está la clave de esa lucha que puede ser tan duradera como al vida de un campesino, y bueno, que ayudan a entender que a veces somos continuaciónde algo, que no por fuerza podemos estar incluidos, pero sí metidos en el asunto. Suena paradójico, ¿pero qué sentido tiene contar lo que se puede disfrutar en la sala?

Contar más detalles es arruinar el fenómeno fílmico, es quitarle naturalidad a don Plutarco y querer inducir sentimientos de angustia e interés que la cinta por sí sola puede transmitir.

Definitivamente me parece que El violín es una historia muy actual, muy interesante, bien contada, que vale la pena observar, pues se trata de exponer la violencia, pero no la que emana del dinero directamente, sino la violencia por la búsqueda de la libertad, de la justicia. En donde es mejor no saber todo, como se dice en la cinta. Donde usted podrá esclarecer si es posible otro tipo de final.

El violín es una oportunidad de conocer una versión muy sentida y clara de cómo un dios cabrón le echo la sal al mundo y por lo que a la fecha estamos pagando.

Todo lo barato lo compra el dinero, ¿y lo demás?

2006-12-25T07:00:00.000-08:00

Elsa y Fred es una película que no tiene aspiraciones por mostrar algo nuevo en el cine. No está saturada de frases reflexivas, fuertes, de confrontación. Es más, desde poco menos que la mitad de la cinta sabemos en qué va a terminar. Dado este notable vacío de concepto, ¿a qué se debe que haya durado casi 6 meses en la cartelera de la ciudad de México? Me parece que a lo más simple, a la emotividad y pasión con que es dirigida.

Considerando lo que es la vida en cartelera del cine de propuesta (odiosamente llamado “cine de arte”) de apenas dos semanas, tres si las cosas se dan bien, Elsa y Fred se significan como un enigma: Un anciano que recién enviudó empieza a relacionarse con una mujer que pareciera que vive condiciones semejantes, la diferencia: ella muy apegada a la vida y sus aventuras, él muy ordenado, medido en grado extremo a lo seguro.

Sí, de nueva cuenta una historia en donde el loco termina un poco cuerdo y el cuerdo logra poner algo de locura en su vida. El escenario ahora no es un lugar de La Mancha, sino las céntricas calles de Madrid. Ya hace un par de años el director sueco Vladimir Michalek nos regaló Por siempre joven, y realmente la idea es similar: una visión de la vejez con alegría por la vida, por no limitarse ante los placeres, de atreverse a lo imposible de acuerdo a la percepción y juicio de lástima que se le tiene al viejo (que para mucha gente pareciera lo que rebase los 35 años)

El director Marcos Carnevale no tiene una zaga amplia o que sea notablemente conocido en México, quizás se recuerde algo Almejas y mejillones, comedia donde un heterosexual se enamora de una lesbiana. Ahora bien, con Elsa y Fred logra una historia sencilla pero cautivadora. Sí, es un film que sin estamos desprevenidos terminamos sollozando en el antro que el es cine, pero qué diablos, si no se puede uno sincerar en la oscuridad, ¿entonces en dónde?

La historia es protagonizada por Concepción Zorrilla (realmente desconocida en México) y Manuel Alexandre (si ha visto series de comedia de Antena 3 lo identificará fácilmente) y son los personajes ideales. Doña Concepción, logra una Elsa maravillosa, un poco distraída, bastante mentirosa, mitómana pero encantadora. Elsa es una mujer que aunque se está muriendo goza al escuchar a Serrat cantando “Hoy puede ser un gran día”. Por su parte, Alexandre logra que Fred hable con naturalidad, con tiempo, con los ojos, con esa lentitud soberbia que da a la experiencia en escena.

El reparto lo complementan Blanca Portillo que interpreta a Cuca, hija neurótica de Fred; José Ángel Egido como esposo de Cuca, sutilmente interesado en el capital de Fred y así echar a andar su propio negocio; Roberto Carnaghi (Gabriel, hijo de Elsa), Carlos Novoa, como Juan, amigo confesor de Fred; y Federico Luppi (en breve aparición como el ex marido de Elsa, pero soberbio en un diálogo donde advierte a Fred de las locuras de ésta, para terminar dando el consejo supremo de su vida: "¿sabe qué, no la pieda por nada del mundo").

Ahora bien, ¿cuál es el motor de la historia?, El mismo Carnevale lo confiesa: su vida fue marcada por la imagen de Marcello Mastroianni y Anita Berkman en La Dolce Vita y la escena más famosa de ésta: la rubia espectacular entrando a la fuente de Trevi en una de las más sensuales escenas que se hayan filmado.

La fijación de Carnevale se ve materializada en Elsa, que confiesa, y tal vez esta sea la única verdad ciega de ésta, su deseo se recrear la escena ya citada como un, pareciera, gran cerrojazo de lo que ha sido su vida. Fred se convierte en su cómplice, no de travesura, sino de gusto por vivir.

Las situaciones y circunstancias de la cinta son sencillas, incluso como meras anécdotas, no hay mayor profundidad o mensaje en ver a una pareja de ancianos salir de un costoso restaurante sin pagar, de ver a Elsa en cuanto sencillo accidente de tránsito provoca, en un ritmo de galanteo en donde a veces inicia Elsa, donde a veces busca Fred, y si esto le parece muy sencillo de nuevo le pregunto: ¿cómo ha hecho esta cinta para estar casi seis meses en cartelera?

Tal vez sea la dulzura melancólica de Fred, tal vez los embustes de Elsa, quizás el conocimiento de que ella, con tanto apego a la vida, la tiene contada, tal vez por el gusto que da ver a un anciano que “ya no se está dejando morir, sino dejándose vivir”, o bien, por ver que de nuevo os recuerda abrir los ojos a lo que realmente vale la pena en la vida, y que curiosamente no es la obtención de dinero. Todos estos escenarios son muy bien musicalizados por Lito Vitale muy en el ritmo de Cinema Paradiso y Ennio Morricone.

¿Por qué vale la pena ver Elsa y Fred?, no lo sé, ¿pero es que todo en la vida necesita explicación? Quien sabe, esta producción española de 2005 es simplemente disfrutrable.

El esclavismo a examen

2006-12-18T18:38:00.000-08:00

Lars von Trier se significa como uno de mis directores favoritos. No es un director que nos acostumbre a cintas express, más bien tienen un largo periodo de gestación, y ello es algo que se agradece en estos tiempos de historias prefabricadas, adaptadas y con un tufo a plástico de lo más común.

¿Por qué me gustan sus películas?, por su propuesta de plantear dilemas éticos que exponen, me parece, de manera inteligente la simple profundidad del ser humano, por la forma en que su cámara se mueve en todo momento, por las ediciones de la cinta, lo que obliga gratamente al espectador a completar, a ser parte activa del relato, por los rostros que captura, dejando espacio para el diálogo, pero también a la reposo de las expresiones en sus actores.

Cintas como, Bailando en la oscuridad, Dogville y recientemente Manderlay tienes en común el cuestionamiento a las reglas con que la sociedad norteamericana se mueve, a los valores que la soportan, a los principios más relativos y viciados en los que se funda el sueño americano.

Deseo hablar de Manderlay, que se significa como un lugar ubicado en el sur de Estados Unidos, claro, los estados sureños, tan proclives al esclavismo, este flagelo que se trata de cubrir con el fervor democrático, pero que sigue siendo una cuenta no saldada en el imaginario colectivo americano.

Manderlay es un relato en 8 capítulos, en donde de manera genérica se puede decir que Grace, hija de un gangster, decide que debe quedarse en un lugar llamado Manderlay, pues siente un compromiso y deuda moral (compasión, que desea llegar a esa gloria llamada agradecimiento eterno por mostrar el camino correcto, como todo profeta lo desea) con los aún esclavos que trabajan en dicha propiedad.

El hilo conductor visible es la manera en que Grace, apoyada por un grupo de gangsters cedidos por su padre (el siempre fino Willem Dafne), es decir, a punta de pistola, va mostrando a los esclavos que la libertad es el bien más preciado de la humanidad. (“Libertad. Horrible libertad”, gritan las hormigas al ser liberadas de manera accidental por Homero Simpson, claro, el célebre capítulo en que Homero va al espacio).

¿Por qué es el hilo conductor visible?, porque en el cine de Lars von Trier siempre hay una subtrama que se va tejiendo para que de pronto salga a la superficie y te haga sentir muy bien por haber visto cine inteligente. Se expone la productividad, la democracia, las elecciones, el deseo sexual, el sometimiento a reglas no escritas, entyre varias más).

Las actuaciones de Bryce Dallas Howard (Grace), Isaach De Bankolé (Timothy), o Danny Glover (Wilhelm) llenan la pantalla, porque el director les da espacio, los deja desarrollarse, le a cada uno un carácter, un fondo, expone sus miedos, sus debilidades, por que los ubica en situaciones irónicas.

Veamos ironía simples, los esclavos no tiene la iniciativa de arreglar sus barracas y así dejar de sufrir por la goteras, es Grace, la guía de la iniciativa de la libertad la que les da la muestra al iniciar clases de democracia, de decisiones para que usen los árboles que rodean Manderlay, aquellos que los amos, los blancos, nunca quisieron tocar en su odioso papel de dueños de la vida y sus riquezas.

Y sí, las casas se arreglan, todos trabajan, todos son felices, hasta que llega una tormenta de arena, la primera de la que se tiene memoria, claro, ya no están los árboles que protegían a la comunidad, y tras sufrir tormenta, entre otras cosas, una niña cae enferma, lo que ocasionará otro tipo de dilema moral bien interesante, ¿se hizo lo correcto talando los árboles?, ¿era mejor sufrir las goteras?, ¿la iniciativa de mejorar trajo una desgracia?

A lo largo de la historia Lars von Trier va a modelar a los personajes, expondrá los trucos con que se mantiene siempre atrapado en deudas al esclavo (al colonizado, al tercermundista, etc.), la manera en que la fuerza más generosa termina corrompida, a identificar ese aparente mal equilibrio del sistema esclavista que es cuestionada no es su extinción, sino en la conveniencia de su permanencia.

Pero el punto más excitante para un servidor es la clasificación de esclavos que se encuentra en un misterioso libro que pertenecía a la dueña de Manderlay. Ese libro que puede ser cualquier dogma, al que se le respeta, más allá de razón, que tiene las respuestas si las queremos ver, y que por asombroso que parezca, por opresor que pueda parecer, es producto de la misma gente que sufre sus efectos, ¿acaso no es esa la historia de una religión fanatizada, de un régimen fascista, de un modelo de vida globalizador?

Y la mejor forma en que el director cierra la historia es volviendo esa fuerza liberadora en lo que cuestionaba, en la fuerza que castiga, que golpea, que confirma superioridad, que destroza la piel a latigazos. Donde se funde odio y superioridad, donde se cuestiona la formación de un mundo nuevo.

Manderlay es una denuncia del modelo americano más hipócrita, por favor, vea la cinta hasta que pase el último crédito, que también es relato de la cinta. Pues el cine de Lars von Trier es inteligente, de muchas lecturas, un cine que desquita cada minuto de proyección y que se tiene que disfrutar con ojos muy atentos

¿Elegir entre realidad o fantasía?

2006-12-18T17:15:00.000-08:00

“Somos lo que elegimos” advierte el Duende verde al Asombroso hombre araña en el momento definitorio de la película, y el caso del cine no es la excepción. Y en ese camino de elecciones llego a esta simple reflexión: Peter Jackson toma una historia mítica y nos entrega una carnicería alegórica de la edad media (todo lo que quiera decir del Señor de los anillos). Tim Burton puede darnos un paseo por lo que pudiera ser cotidiano en su universo y nos regala un poema (por ejemplo El gran pez); sin embargo, una vez que disfruté El laberinto del fauno me queda la emoción de un poema, con la dualidad de la denuncia, pero sin caer por fuerza en la carnicería exaltada.

El laberinto del fauno es una historia en la que del Toro juega en dos dimensiones, la mística y la realidad. De la combinación de ambas encuentro un relato fantástico, pero no por ello aislado de un entorno escalofriante, doloroso, profundo. El centro ¿imaginario? no es motivo para olvidar lo que ocurre a nuestro alrededor.

Pero vayamos por partes. Para que haya una buena historia es común tener buenos actores. Dos son sus referentes de carácter: Maribel Verdú y Sergi López. La Verdú (Mercedes) ha demostrado que es capaz de echarse la historia a cuestas en momentos muy fuertes del relato; en tanto que del Toro deja la responsabilidad del papel masculino en Sergi López. Es muy posible que este nombre no diga mucho en México, y es una pena, tal vez si lo tocara Almodóvar sí que sería conocido. Para quien gusta del cine poco comercial seguramente lo recordará en cintas como Oeste, Hombres felices, Reinas por un día, Un amigo como Harry, Una relación íntima, entre otras. Sí, todas ellas se han exhibido en México, ¿Qué cosas no? Sergi López, como el capitán Vidal se erige enorme, brutal, soberbio, como el macho que encaja perfectamente es esa odiosidad mojigata que puede cuestionar en el más rancio estilo ibérico.

Del otro lado tenemos a Ofelia, interpretada por Ivana Baquero. Una niña que goza de los cuentos de hadas, que cuenta relatos a su hermano aún en el vientre de su madre, que puede ver y decir a las hadas cómo deben ser, que se interna en las más diversas pruebas para poder regresar a su lugar como princesa de un reino mágico del cual un día salió, y cuando vio al luz del sol quedo cegada y olvidó todo lo que sabía.

El film de Guillermo del Toro nos da la posibilidad de ver la historia desde el lado fantasioso o del real, siempre y cuando distingamos qué es lo fantástico y qué es lo real. Tomemos dos ejemplos sencillos: Ofelia es capaz de internarse en un árbol milenario que está seco, en su interior encontrará aun sapo de enormes proporciones, al cual le debe poner tres cuarzos en su boca para que de esa manera pueda obtener una llave que posteriormente le será de utilidad; o bien, ver la forma en que el capitán Vidal asesina a golpes al hijo de un cazador, con una botella, para luego darle un par de tiros al cazador por defender a su hijo, y al hijo, seguramente para dejar un huérfano en el mundo. Defina usted cuál de los dos ejemplos debería ser el fantasioso y cuál es más común. Ya le dije: Somos lo que elegimos.

Pero cuál es elemento integrador de todo este relato. El fauno, un semidiós romano que vive en los campos y las selvas y que persigue a las ninfas (nada tonto el fauno). Éste se presenta en varias ocasiones a Ofelia, le indica ciertas pruebas que debe superar si es que desea regresar a su reino, y sobre todo, huir de la asfixiante realidad en la que vive Ofelia y en la que vivirá su futuro hermano.

¿Guillermo del Toro nos presenta una historia de desesperanza o de confianza en lo que vendrá?, perdón la insistencia, depende de lo que nosotros queramos ver. Se dice que en la actualidad se han perdido valores y que vamos de mal en peor. Si vemos con rigor, en el momento que deseemos, ¿no siempre la historia de la humanidad ha sido crimen, asesinato, imposición, destrucción, sufrimiento, ambición, y cumplimiento de reglas de manera ciega? Acaso no hay escapatoria. Sí, si sabemos ver con cuidado.

A lo largo de la cinta Ofelia es advertida en varias ocasiones que deje en paz los cuentos de hadas, sus sueños, que todo eso es fantasía absurda, claro, después de todo ¿Quién se encuentra a un fauno cualquier día de estos?; pero, ¿y el deseo de Vidal por acabar con todos aquellos enemigos de una misma forma de pensar?, ¿y la obsesión de Carmen (madre de Ofelia) por ser querida por su nuevo esposo, Vidal?, ¿y el deseo de Mercedes de mantener un puente de ayuda a los soñadores que se oponen a las fuerzas del tirano? Me parece que todo depende de la manera en que deseemos ver lo imposible. Un ejemplo más, ¿qué es más descabellado, Ofelia abriendo puertas con ayuda una tiza en la pared o el deseo Vidal por que su hijo sepa algún día la hora exacta en que padre murió?

El laberinto del fauno representa una oportunidad de retomar los ideales y la realidad, empalmarla y saber de qué lado estamos, y comprender que la vida sin esa magia que debemos dejar que nos sorprenda es algo más que un vacío, tanto como obedecer reglas ciegamente. El mensaje de del Toro es claro y representa un cierre maravilloso, existen regalos que están ahí, sólo es cosa de saber mirarlos.

El placer como dogma de vida

2006-09-11T17:32:00.000-07:00

Hablar del placer ha ocupado el tiempo de filósofos, de los buenos, desde luego, y de los malos que pretendemos algún día coordinar una idea que sí sea interesante. Ya en su tiempo acusaron a Miguel Hidalgo de ser un sibarita, es decir, elegir a los placeres sobre las cosas “importantes” de la vida.

La caída de los grandes imperios de la humanidad se genera en la vida cómoda, ligera, materialista y sexualmente muy intensa (de alguna forma se busca que el proceso sea más grato) que empieza a ser hábito en las grandes élites y que termina impregnándose en las clases inferiores. Roma es el ejemplo más notable que la historia nos regala en este momento.

Laurence Dunmore, por medio de su cinta El decadente (The Libertine) nos presenta en la lúgubre Londres (mucho más que ahora) de los tiempos de Carlos I (interpretado por John Malkovich) el escenario ideal para dejar que el genio interpretativo de Johnny Depp (John Wilmot, duque de Rochester) tome amplio dominio con sus excesos por el placer sexual (sí, es una redundancia, pero me pareció divertido reforzar al placer).

La cinta tiene la propuesta muy al estilo antiguo de dar un prólogo de advertencia. El duque de Rochester nos avisa que no busca agradarnos, no le interesa que lo veamos como un buen sujeto, o que no es noble, ni pretende encarnar virtudes, mucho menos busca el bien de la humanidad y la paz mundial. No, advierte que es ruin, despreciable, cínico, libertino, eso sí, muy honesto, firme en su convicción ante la vida.

Johnny, para sus amigos, ha insultado al rey frente a otros nobles, ha sido desterrado por sus excesos, y sin embargo, es pieza clave para que el rey logre los consensos que necesita para ejercer el poder. Hay algunas menciones políticas al hablar sobre los franceses, los holandeses, en fin, pero la historia no ahonda en la política, sino en el dilema moral.

Johnny busca demostrar que su forma de vivir es más honesta, es más adecuada a un mundo que tiene los mismos síntomas de la actualidad: pobreza, futuro negado a las mayorías, desconocimiento de los valores morales prácticos. Reflexionando, la visión de Johnny es mucho más honesta que la actual. Al menos antes sabían que la desesperanza era la real compañera de vida, sin las esperanzas que en nuestro tiempo alimenta metafóricamente la televisión.

Pero no puede existir un libertino absoluto, hay sus lazos con el compromiso, y ese punto es el teatro (lo único que lamenta haber dejado de ver durante su exhilio). Johnny ve en él a lo genuino, a las máscaras emocionales, a desprenderse de la miserable realidad para trasmitir las emociones del dramaturgo. La consumación de este compromiso es ayudar a que una mediocre actriz logre ser una diosa del escenario. Quizá este sea el momento más pesado de la película, vaya, incluso pasando a ser algo aburridona la historia.

Pero lo relevante de la historia es la forma en que vemos al despreciable Duque de Rochester degradarse paulatinamente. El director no tiene miramientos con Johnny y la sífilis que sutilmente va dibujando en nuestro guía del placer. Un cuerpo que pierde color, dientes deformes, ojos que van tomando brillo mortecino (si se permite este absurdo giro del lenguaje) y un cuerpo que de tan viciado mueve al desprecio y a la lástima.

Es en este camino sin retorno, sin alternativas posibles, en que Laurence Dunmore va sumiendo a un personaje que lejos de producir desprecio moral termina por caer bien, por entender algo sus pasiones, su gusto por la vida y sus placeres. La caracterización del duque destrozado por la sífilis es todo un ejemplo para los lindos actores que actualmente se sienten maravillosos por hacer un papel de “feo”. Paso al camaleónico Johnny Deep que sí sabe lo que es actuar y caracterizarse.

Amor a los placeres, amor al teatro, un amor a la trascendencia por otro camino, es lo que vemos en El decadente. Seguramente no será la película más interesante de Johnny Deep, ni la mejor actuación de John Malkovich, pero sí se tiene el ánimo de investigar, se podrán obtener ideas claras de que todo mundo tiene un motivo.Un detalle agregado, no pierda de vista al criado que decide proteger Johnny, quizás lo más grosero y delicioso de la cinta

Humberto Eco, en un libro epistolar hace una argumentación simple “¿En qué creen los que no creen?”, Bueno, El Decadente es una oportunidad de indagar en las más bajas y emocionantes pasiones humanas.

Cuando lo tienes todo y te falta todo

2006-09-01T12:42:00.000-07:00

La globalización es frenética, es veloz, en un santiamén devora a sus propios hijos, no hay lugar ni tiempo para lo que no sea consumible, para lo que no sea enajenable. La globalización es la plusvalía en su más perfecta manifestación. No estar a la moda, no consumir lo actual, no dejarse llevar por el deseo de lo novedoso es marginarse, en no estar en la frecuencia correcta, es no saber vivir lo extremo, ¿pero qué ocurre cuando decides tomar ese carril de alta velocidad? Normalmente ser víctima del mismo deseo. Elige el veneno que más te agrade.

Ya años atrás Oliver Stone nos alerta sobre este tipo de vida frenética y devoradora con Wall Street. Donde el joven ambicioso lo apuesta todo a la escalada social y económica, pero tarde o temprano el advenedizo es traicionado por eso que algunos llaman conciencia y termina siendo mandado a la cárcel por atentar contra las reglas del juego corporativo.

Un botón más lo tenemos con El hijo de la novia, producción argentina del 2003, dirigida por Juan José Campanella, y donde emerge la figura de Ricardo Darín como la nueva joya internacional del cine austral. Y que se ve soberbiamente cobijado por la experiencia de Héctor Alterio y Norma Alejandro.

Rafael Belvedere (Darín) es un empresario exitoso, claro, agitado, neurótico, intransigente, implacable, que administra el restaurante familiar fundado décadas atrás por Nino (Alterio) y Norma (quizás homenaje a Alejandro). Las cosas van bien, el dinero no es problema, el punto es Rafael: que no tiene tiempo para su hija, para su actual novia (él ya es divorciado) y en general para nada que no sea completar la jornada de trabajo que lo demanda ,y lo permite, de tiempo completo.

El contraste es Nino, jubilado y con tiempo de sobra para estar pendiente de Norma, víctima de Alzheimmer, y no encuentra más motivo de vida que casarse para por fin cumplir el sueño nunca cumplido a su entonces prometida. Nino ha descubierto que los ideales políticos poco sirven cuando la condición humana es la que busca demostrarnos que el sentido de la vida no es la ideología, sino el amor a la mujer amada.

Es en este escenario donde Rafael empieza a ver que su vida gira, el regreso de amigos de la infancia, la dudas con respecto a su estilo de vida, y finalmente dejar que el ciclón globalizador lo despoje de lo que pensaba que era suyo, y en general el ajuste paulatino a una vida que sí será la Rafael y no la que por gusto o desconocimiento tuvo que abrazar años atrás.

La cinta presenta momentos sublimes como diálogos en iglesias donde se cuestiona la lógica del matrimonio, la curisodad de Nino por saber si alguno de sus amigos sigue vivo, de una primo familiar monumental en su desorientación racional, la redefinición de la vida del divorciado, la salud de un amor que es lo más puro como motivo de existencia, el humor como una válvula que impide la locura, y algunos otros momentos que hacen de El hijo de novia, una obra disfrutable por su mensaje, su sencillez, y por el calor humano que se manifiesta en momentos muy ubicables.

El hijo de la novia presenta la definición del proyecto de vida de la persona, de tomar compromiso con lo que ralmente vale la pena en la vida, de las dualidades del tiempo (Nino viendo en la iglesia a Natalia, novia actual de Rafael), de esos matices de la cruel enfermedad de la memoria y que nos obsequia un momento intenso, maravilloso y emotivo, no hay, desde la perspectiva de este tecleador, la idea falsa, sobreactuada o de plano exgerada.

Diálogos inteligentes, situaciones sencillas, y lograr sabe si en la vida es más relevante el dinero o el poder de Dick Wattson (no comer ansias, en los créditos finales todo se aclarará) definirán dos estupendas horas de cine.

Una asesina angelical

2006-04-14T14:48:00.000-07:00

“Dijiste que me seguirías hasta el infierno, pero yo quería que me llevaras el cielo”

Hace tiempo encomendé a mis alumnos de universidad a que vieran la cinta La virgen de los sicarios; de los pocos que se tomaron la molestia de cumplir con la tarea, algunos dijeron que la película no era mala, pero sí muy exagerada. No era posible que se matara a la gente de manera tan alevosa en pleno día y que nadie pudiera hacer nada algo al respecto. No sé si es la incredulidad de todo alumno o es que soy fácilmente impresionable.

Ahora se da la oportunidad de ver una nueva historia que nos ubica en Medellín, en 1989, la constante es la violencia, desesperanza y búsqueda de algo que haga más ligero el infierno que es la vida. Así se presenta Rosario Tijeras, cinta de Emilio Maillé. La película es una adaptación de la novela de Jorge Franco.

Rosario es interpretada por Flora Martínez, decir algo de la belleza de esta mujer es ya de por sí redundancia, pero el carácter que tiene a lo largo de la cinta es de considerarse. Desde luego, es difícil sustraerse de los encuadres provocativos con que el director nos recalca la belleza y erotismo de la sicaria (la PC no reconoce la palabra más que en masculino, ¿machismo en la industria del asesinato?) más encantadora quizá la legendaria Matahari.

Pero el director no se limita en los valores estéticos o eróticos de la asesina, también nos perfila la violencia y la agresividad que va incubando nuestra protagonista. El padre de Rosario revienta la yema de de un huevo frito delante de ella, cuando es apenas una niña y marca el camino de la futura matona. Rosario es avisada de su inminente inicio en la vida sexual no siempre grata; casi tan amargo como el reclamo de la madre, a los años, que no perdona la osadía de su hija por meterse con su hombre.

La cinta también nos sumerge en lo más profundo del sentimiento y sincretismo de la profesión con la fe: ya en la profesión, Rosario frota las balas de su pistola ante una virgen, en tanto que su hermano realiza un rezo profundo a lo que se intuye es la Santa Muerte poco antes de salir a trabajar, ¿adivinan la profesión del hermanito?

La historia no es lineal, y no lo necesita, obliga al espectador a armar un rompecabezas que si bien no es muy complicado, sí es divertido para tratar de comprender los motivos de los personajes.

A Rosario no solo la conocemos en su ambiente laboral, también es parte de las chicas VIP de una disco de moda, es ahí donde conoce a Emilio, y a su acompañante Antonio. Con Emilio se da la relación inmediata, la química es instantánea, en tanto que Antonio es el amigo buena onda que está en las buenas y las malas. La relación entre Rosario y Emilio va a funcionar mientras ambos estén en su esfera, en su espacio vital y nadie se meta en el entorno ajeno. Rosario lo comprende bien, pero Emilio no resiste la tentación de verla y presentarla como la chica ideal que podría encajar en su entorno familiar. Rosario necesitaría entrar en el establishment, de acuerdo a la visión Emilio.

Conforme avanza la historia Emilio se va eclipsando, no puede aceptar la idea de que Rosario tenga tantos misterios y tanto que ocultar. Antonio es quien cobran fuerza, no pide nada, solo acepta a Rosario, se ve enredando, pero no de manera melosa, sino como ese amante que sin saber cómo o cuándo termina por ser el centro de la atención y apoyo de la mujer.

Una astucia más de la cinta es exponer las reales debilidades de la gente, producto de los tiempos de consumismo. El deleite de la cocaína es semejante al consumo de golosinas para los niños. Los "pases" son en todo momento, y no hay pena o recato por admitirlo. Unos por las angustia y el crimen, otros por estar en contexto social, por desear estar chic. Pero Antonio ya conoce a Rosario, se ha vuelto su adicción. En una escena por demás astuta termina oliendo el semen de Rosario, resultado de una relación previa con Emilio. El rastro está ahí, Antonio ya probó lo que en verdad termina por importar en la vida al encontrar la huella. Solo tiene que ser paciente y estar atento a las pistas que se dejan en el camino de Rosario.

Pero la adaptación es agresiva también al exponer la filosofía del latino, del colombiano tan gustoso de la fiesta, del bullicio. Sí, el hermano de Rosario termina muerto, pero ni la muerte, la muerte tan próxima en el barrio marginal, frena el deseo de la parranda. Todo un peregrinar por la ciudad sirve para que el hermano de Rosario vaya a su último tugurio, a su último baile ante su última desnudista, a tomar su último trago y a pasear en su auto, junto a toda su banda, como ese guerrero que da su última batalla ya muerto y la gana. Con un sepelio que es en el barrio marginal, con letreros que invocan a una feliz Navidad y al fondo una cumbia que habla de un pistolero de leyenda.

En todo este ambiente tenemos que comprender el universo que el director nos presenta con detalles en reflexión presente y recuerdos duros como una bala, donde el asesino toma brandy con pólvora, las leyendas se van forjando y la belleza de Flora Martínez luce hasta cuando está en lo más deprimente de la vida, cuando ya está cansada de todo y quizás un disparo amigo pueda solucionar todo.

Rosario Tijeras, producción México-Colombia es una estampa más de ese mundo que no nos gusta aceptar, de los primeros resultados de una globalización que consolida élites y margina segmentos que son necesarias para esas mismas élites. De un mundo que ojalá fuera exagerado, pero que por desgracia nos baña y nos hace vivir con el miedo a cada momento.

Un triunfo más para Philip Seymour Hoffman

2006-03-17T17:33:00.000-08:00

Normalmente el cine tiene un lugar más que especial para los directores. Son algo así como el pitcher del béisbol, el que luce, quien se lleva las palmas y quien en muchas ocasiones dimensiona o catapulta al actor. En mi caso, uno de los personajes más dominantes, profundos, enigmáticos y cautivadores es Anibal Lecter en El silencio de los inocentes. Me parece que desde entonces no he visto un personaje tan bien logrado en Anthony Hopkins. El mérito, me parece, es del director.

Otra dimensión del director que amolda historias y actores con un encanto único es Woddy Allen. El detalle más notable es que sus actores trabajan casi por nada de sueldo, pero saber que aparecerán en sus cintas es un costo más que gratificante. Cómo olvidar en Los enredos de Harry, si la mente no me falla, ver a Robin William salir fuera de foco en todas sus escenas. Humorismo fino y maravilloso, el motivo: el actor estaba fuera de foco, así de sencillo.

Este director americano que se diera a conocer con la cinta Bananas, (véala, y descubra el primer papel en cine de Silvestre Stallone) también ha conocido las penurias que como director se puede sufrir. Cuando tuvo a su cargo a Leonado Di Caprio, afirmó tras dirigirlo: ojalá vuelva a abordar el Titánic y que se vuelva a ahogar en él”. Sin duda los directores son los grandes creadores.

Pero también es justo mencionar que los actores pueden acceder a esos estratos, quizá tarde más, tal vez cueste mayor trabajo. Pero es posible. Actores como el francés Danuel Autil (El octavo días, El closet) llena la pantalla, pero si lo vemos en una cinta junto a Juliette Binoche, La viuda de Saint Pierre, su caracterización le cambia su fisonomía. No es plano es su apariencia, enriquece a la producción (por cierto, en México esa cinta tiene el espantoso nombre de El amor nunca muere).

Gary Oldman es otro caso. Podemos verlo el JFK, pero nada que ver su aspecto en El quinto elemento de Luc Besson, y así podríamos ir repasando todas sus desconcertantes personalidades encarnadas. Ese tipo de actores son una delicia en la pantalla, pues entienden que cada personaje tiene motivos, historia, detalles, relieves que los hacen únicos.

Y así podemos seguir con gente como Kevin Spacey, Danny De Vito, o Jim Carrey, que más allá de gustar o no de sus cintas son personas que agregan mucho a sus interpretaciones y que siempre se agradece en una sala cinematográfica, por eso es que ahora me gustaría hablar de Philip Seymour Hoffman, protagonista de la cinta Capote, pues es uno de esos actores que son verdaderamente profesionales y concientes de su misión como actores. Un ejemplo más a lo que apuntamos en este comentario.

Me parece justo hacer mención a que este tipo de actores no son de los que aparecen de pronto, me refiero al ámbito de la fama, sino que han sabido estar en la trinchera y sacar buenos personajes. El caso de Philip Seymour Hoffman lo podemos ubicar por el estudiante mañoso, corrupto y convenenciero en Perfume de mujer, sí, ese al que insulta Al Pacino en el diálogo culminante ante la junta de escuela.

También podemos recordarlo en el papel de un tímido, no, de un mentecato vecino de una modelo. Él sueña con poder estar con ella en total y absoluta intimidad y libertad sexual. Lo patético de su personaje es admirable, pues fácilmente podía ir a la ternura compasiva cuando en realidad se mueve por las aguas de la mediocridad y de la miseria humana cuando muestra que tiene aspiraciones de las que se ha convencido como propias y termina como el gran impostor.

Pero no queda ahí, el trabajo previo de Philip Seymour Hoffman, también se nutre de interpretar a un enfermero que se involucra emocionalmente con su paciente moribundo que resulta ser el padre del personaje que representa Tom Cruce en Magnolia, de Paul Thomas Anderson, y uno dirá, ¿pero qué relevancia puede tener un enfermero en una cinta de casi dos horas y media y donde se narran alrededor de 8 historias particulares y relacionadas? Bueno, ese es el trabajo de los grandes actores que logran explotar al personaje, que saben darle relieves propios, que no parecen clonados, y que no hacen gran escándalo en salir “feos” en la pantalla.

Philip Seymour Hoffman nos hace entrega de su última transformación, de su nuevo transe por la imaginación y el atrevimiento de hacer algo digno de ser comentado, y se trata de la cinta Capote, co producción canadiense norteamericana, dirigida por Bennet Millar, y que se encarga de ver un fragmento de la vida del escritor norteamericano Truman Capote (autor de Desayuno en Thyfanny)

Capote es una historia centrada en el contraste de la vida deslumbrante de Nueva York y el ambiente sureño, sereno y rural de Kansas City. Truman Capote se encuentra en la cumbre de su existencia pública y de pronto ve en una pequeña nota de un diario el caso del asesinato de una familia que conmociona su atención y descubre que ese será el motivo de su próximo libro.

Vale decir que la ambientación de la película me parece admirable, detalles como autos, peinados, cafeterías, trajes, modismos incluso, todo parece llevarnos a los años 60 en el sur de Estados Unidos. Es en este entorno donde Philip Seymour Hoffman empieza a desarrollar un personaje manipulador, obsesivo, truculento, cínico, que se trata de vincular con los motivos de los asesinos, pero con el disfraz de “la buena onda”, de la afinidad sexual con uno de los reos, ofrece un sujeto que moralmente tiene muchas cuestiones ideales para el debate de la conducta moral. Con todo esto, no llegamos a odiar al escritor, ¿razón?, quizás la buena representacuón de Philip Seymour Hoffman.

¿Qué busca Capote?, tiempo, necesita retrazar lo más posible la ejecución de dos sentenciados a muerte para que logre sacarles las verdad, el testimonio, la forma fría en que logran asesinar a toda una familia, de ir obteniendo esos pequeños detalles que terminan por hacer el que será el mejor libro de su vida. Capote hace de esta investigación perversa el motivo de su existencia.

A medida que avanza la cinta enjuiciamos al Capote que Philip Seymour Hoffman nos ha armado. Vemos su transitar de ser el centro de atención de un coktail en Nueva York, donde la burla clasista es la constante, pasando por ser capaz de pagar a la servidumbre para que le digan halagos públicos, aunque su círculo cercano sepa que es patético en su idea; para terminar con un Capote vencido y dolido hasta la penuria porque no pueda acabar su libro.

Es aquí donde cae el mayor peso en los hombros de Philip Seymour Hoffman, pues debe trasmitir esa angustia, hastío y amargura que le está dejando no tener a sus reos ahorcados, pues ahora paradójicamente con ellos vivos no puede dar por concluido su libro A sangre fría, donde la novela traspasa la grandeza y se basa en lo cotidiano. Un aporte que resulta muy caro para el ego y trayectoria de Capote.

Es aquí donde el la cinta proyecta su real aporte. El escritor está siendo torturado, está en el suplicio, está consumiendo su vida por la carga insoportable que le ha significado su libro, mientras sus dos fuentes de información se están gastando sus últimas esperanzas por extender el perdón de su sentencia. El dolor depende de quien lo vive.

Este Capote no tiene límite en mentir a todo mundo, solo vive para su mundo, para sus intereses. No tiene empacho en decir que su interés de trato con los reos es su historia, aunque con uno de ellos establezca una afinidad homosexual que explota las veces que desea y sin ningún recato. ¿Para qué pagar abogados buenos por un par de desconocidos con una historia atractiva si estos no sueltan los detalles perseguidos?, así se planeta buena parte de la historia.

La labor para el espectador es juzgar hasta dónde es válido atacar al lado emocional del victimario para después, por ejemplo, hacer presentaciones de lectura de sus adelantos y no sentir ni molestia, ni incomodidad, pero tampoco felicidad por sus avances. Capote pretende usar a los inculpados y termina sumido en un laberinto del cual ya nunca se puede reponer.

Capote es una película con ritmo, con una musicalización muy afín a lo que se narra, con movimientos de cámara que refuerzan el sentimiento de los personajes. Me atrevo a decir que es un cine muy aseado, apegados a los fundamentos de saber contar una historia, donde el perfil del escritor es constante, donde su homosexualidad no necesita de detalles odiosos de confirmación, donde el tono de voz de Philip Seymour Hoffman es atinado, sutil y claro a la vez. Capote es una cinta muy atractiva que vale la pena ver.

Montañas muy ligeras

2006-03-10T16:08:00.000-08:00

Cuando uno ve una película de Emir Kusturica (La vida es un milagro) vamos a ver una historia donde en las dos horas y fracción ocurrirán cosas interesantes. Si uno disfruta algún trabajo de Lars Von Tiers (Rompiendo las olas) sabe que en toda la cinta se trabaja un dilema ético profundo, en fin, entendemos que la pantalla se va a llenar de ideas, incluso que faltará tiempo e imágenes. Por si fuera poco, si deseamos verlas es a la brevedad, pues los distribuidores solo proyectan una semana o dos.

En contraparte, cintas como Secreto en la montaña se ven agotadas en los primeros 45 minutos, y a lo largo de lo 85 minutos restantes el director, Ang Lee, trata de convencernos de tiene historia, que va a decir algo interesante, pero el relato se va diluyendo en situaciones ordinarias, cuando trata de exponer algo muy profundo y emotivo.

Vayamos por partes, cuando se indica que Secreto en la montaña está ubicada allá por 1969 no hay algún otro referente sólido que nos hable de la época, es decir, bien podría ser una historia en 1959, en 1967 o en 1997. La ambientación no puede depender solo de un bigote incidental o algunas patillas abundantes en los personajes. Existen referentes históricos, muebles, estilos arquitectónicos, utensilios, vamos, contacto con el resto del mundo. Secreto en la montaña está ligero en ese detalle.

La fotografía es bonita. No interesante, no agresiva, no contrastante, no provocativa. Lo bonito es convencional, común, zona ya experimentada. Además, Lee se ve casi obligado a caer en la necesidad del cine hollywoodense de ver todo y no dejar nada para la interpretación. Si en la cinta se narra que a un homosexual lo arrastran por el desierto hasta que su pene se desprende de su cuerpo, ¿en realidad es necesario ver esa escena para darnos una idea de la brutalidad?, en la lógica de Hollywood sí. Ahí es el gran problema del cine comercial: se recarga en la brutalidad denotativa y no en la contundencia connotativa.

De la música podemos decir otro tanto. Bonita, solo se espera un momento en que salga ese famoso vaquero que el cáncer acabó, y que nos invite a ir al mundo Marlboro. En fin, en el universo Hollywood todo cuadra a la perfección.

Estos detalles periféricos, de apoyo, cuadran a la perfección con los personajes de este drama que nunca llega al real conflicto. Jack Twist y Ennis del Mar (los vaqueros en cuestión) son personajes que tiene mucho para ser explotados, pero me parece que terminan siendo débiles. A lo largo de la historia en ocasiones uno es el fuerte, en otras ese mismo vaquero está lleno de dudas. No me refiero con esto a hacer personajes unidimensionales (malos muy malos y buenos muy tontos), pero cuando se trata de poner sobre la mesa un tema novedoso, pues hay que ser arriesgado y hacer personajes poderosos.

Los roles femeninos y masculinos que se manifiestan en la realidad no se ven con seguridad. Vamos, incluso como que no hay esos cuestionamientos personales que deberían atormentar a alguno. No son homosexuales declarados, impensable en el contexto que se vive, pero a su vez no hay una rebelión contra su vida heterosexual. No hay enfrentamiento. Todo es latente, pero no se profundiza.

Nuestros vaqueros emotivos saben que no pueden vivir juntos, ambos aceptan que no pueden hacer público su amor, y sin embargo sí hay más gente que los ve, como su patrón, Aguirre, o la esposa de Ennis, y sin embargo nunca hay reclamos públicos; en una sociedad sureña tan gustosa de hacer persecuciones (el caso del vaquero mutilado) o de colgar de un árbol a delincuentes, todo pasa serenamente. La vida se maneja con bajo perfil, demasiado bajo. Claro, los personajes sufren, entrarían, queriendo, en el poema de los amorosos, pero eso sería mucha audacia para un cine que en el fondo es políticamente correcto.

Eso sí, hay espacio para bosquejar que Jack busque esa compañía masculina al sur (ya se imaginarán qué está al sur de Estados Unidos), que Ennis, pastor de ovejas, se enrole en las filas del rodeo y aunque lo deteste lo haga para sentirse cerca de Jack (vaquero de profesión). Somos testigos de cómo las hijas de Ennis van creciendo, pero nunca hay reclamos contundentes, catarsis sobre un padre que está confundido en sus sentimientos y sexualidad. Una señora del Mar que calladamente soporta el secreto de su esposo, pero que cuando estalla no logra convencer sobre el infierno que carga en sus espaldas. Buenas perspectivas, pero escasamente explotadas.

¿Por qué insistir en la catarsis?, piense por un momento en películas de John Wayne, ¿se lo imagina viendo a dos vaqueros besándose y que se quedara sereno, les ecahara una mirada fea y les dijera "fuera de mi vista"? En la lógica del vaquero tradicional, histórico, claro que no. Los cose a balazos, los acribilla sin el menos recato. La hombría jamás podía estar en duda. ¿Se podría pensar entonces que es parte de un comportamiento que es más o menos común pero que se oculta? Tal vez sí, pero no se explota en la cinta. Quizás sea otro de los misterios guardados en la montaña.

No se trata de promover intolerancia, de fomentar homofobia. Pero no me queda la menor duda de que al momento de hacer la cinta se piensa en mercados, en no ofender a segmentos poblacionales. Pero si se hace una cinta para que nadie termine molesto, pues ya para eso se creo al emporio Disney (que también es todo un caso). Secreto en la montaña refleja miedo de entrar en temas espinosos, incómodos, que restarán popularidad, que generarán protestas y manifestaciones, ¿entonces para que entrarle a estos temas?..., oh, cierto el dineroy popularidad.

Con todo y esto que se comenta, la cinta tiene coherencia en su ligereza, vamos viendo algunas circunstancias que incluso parecen anecdóticas. Ang Lee se encarga en casar a sus vaqueros cariñosos en rápidas secuencias. Cuando le interesa divorcia a Ennis, éste también establece una relación con una mesara de un bar (qué original) y de pronto la termina, claro, Ennis quiere a Jack, pero eso no aflora de manera clara, es decir, ¿basta con que Ennis sea una persona reservada para que esto nunca emerja?

Con algunos diálogos que buscan ser atractivos, con otros que pasan intrascendentes, con algunos momentos que mueven a la ternura bonita, pero en suma, son pocos los instantes en que se rompe la línea tradicional de un cine que merezca un óscar.

En fin, me parece que de nueva cuenta Hollywood termina por ofrecer una cinta correcta, que se disfruta en una noche como se puede gozar de una pizza. Seguiré convencido que la mejor actuación de Jake Gyllenhaal ha sido Jimmy Burbuja, y no es sarcasmo, la cinta me parece más que divertida y más profunda si se considera el nivel e intención discursiva que busca exponer

El encanto está en los pequeños detalles

2006-02-24T20:22:00.000-08:00

El Octavo día es una película dirigida por Jaco Van Dormael, cinta de 1997, del siglo pasado, si se quiere ver más dramático; sin duda es una de las piezas fílmicas que más me han conmovido, claro, sustentado por haber llorando largas, prolongadas, escenas.

La leyenda promocional de este film dice “ni Dios lo imaginó así”, para los ojos materialistas dialécticos no tendrá mayor sentido. Para gente apegada al dogma quizás sea una falta de respeto absoluta. Tal vez sea una frase más para atraer al público, pero lo cierto es que tiene su realidad con respecto al curso que toma esta historia.

Desde luego que no tenemos la intención de contar la cinta, pero hay detalles a los que es francamente imposibles de resistir. ¿La película es original en cuanto a trama?, no. Se trata de una visión particular en la que se retoma el patrón del Quijote. El loco tiene que entender la mecánica del raciocinio, y para el cuerdo no hay más remedio que aceptar que sin locura no hay motivo para permanecer en este planeta.

Entremos en una breve descripción. George (Pascal Duquenne) es un muchacho con síndrome de down, Harry (Daniel Auteuil) es una autoridad en capacitación de ventas. George está “encerrado” en un internado que la verdad no luce como un lugar terrorífico (de algo tiene que servir estar en el primer mundo); Harry también está preso, pero en sus proyectos empresariales, en las presiones de la eficacia y la calidad total. George está en la búsqueda de su madre, de su familia y de su seguridad; Harry busca en apariencia a su esposa y a sus hijas (escenario de familia desintegrada), pero en realidad es que no las podrá encontrar hasta hallarse a sí mismo.

Bueno, hasta el momento, ¿dónde está lo original que ni Dios lo imaginó así? La cinta tiene detalles como la interpretación del Génesis cuando George cuenta que en determinado día Dios hizo a los aviones, que otro día hizo el viento, que da cosquillas en el cabello, que más adelante creo el pasto, y cuando lo cortamos llora, y tenemos que acariciarlo para consolarlo. Claro, es la mirada de un chico down, es creíble que tenga esa forma tan “chistosa” de ver el mundo (¿de verdad será tan chistosa?), pero algo le falta: una familia, una madre que quiera a George. La solución lógica, hay salir al mundo a buscarla. Un perro, lo acompaña, George no va solo, él es lo más noble de su existencia.

Por su parte, Harry vive atormentado en su domicilio. Una casa que antes tuvo una familia resulta muy grande, muy sola, muy atemorizante. Harry da tiempo a la introspección, a jugar al suicidio, a tomar decisiones como salir en frenética búsqueda de los suyos. Problemas angustiantes requieren soluciones extremas (no por fuerza efectivas).

Van Dormael nos va presentando la vida de un Harry que termina por ser un cliché de sí. Misma rutina matutina, idéntico discurso motivacional, similares respuestas. Harry no está tan solo como George, pero sufre más pues no tiene esa locura que permite enfrentar al mundo que conocemos.

La sucesión de hechos nos pone a Harry en una carretera, es de noche y llueve de manera copiosa, él de nueva cuenta juega al suicida. Cierra los ojos y sigue en marcha, de pronto un golpe seco. Ha atropellado al perro de George. La confusión es el previo a un encuentro que va a guiar al resto de la película. Harry conoce a George.

La cinta no es solo imágenes, también el concepto musical nos lleva al humor, cuando vemos al héroe musical de George (un charro de traje violeta) cantando en los lugares más insospechados, pero también con melodías de diversión, de locura, o de grandes batallas épicas, la música de Pierre Van Dormael es exacta a las emociones de los personajes.

Pero no cantemos victoria, claro que esa convivencia inicial es complicada, incluso tortuosa. George involucra a Harry en su búsqueda, y pese a que este último trata de evitarlo termina siendo parte de la causa, sin darse cuenta que con ello está resolviendo su propia vida.

La sucesión de anécdotas se van dando de manera lógica. George desea unos zapatos y se mete a la tienda a comprarlo. No tiene dinero, pero no importa, los desea. Harry lo tiene que auxiliar. George sufre una crisis por comer chocolate, Harry lo tiene que ayudar llamando al doctor. Hay que enterrar al perro atropellado, Harry debe hacerlo, pero el improvisado servicio necesita de cantos fúnebres, y George colabora con ello. Pero no todos son problemas, también Harry aprende a reír, a hacer cosas locas en la carretera como insultar a los camioneros (hasta que uno de ellos termina golpeando al cómplice Harry, todo lleva su costo).

Conforme avanza la cinta nos vamos involucrando con las fantasías de George. Él puede ver a su madre, charla con ella, recibe consejos y es consolado con una ternura, la verdad, a prueba de insensibles; fantasía, claro, la madre tiene años de fallecida. Pero también se da la oportunidad de ver al charro Louois, cantar en la habitación de un hotel, disfrazarse de ratón para pasar inadvertido, en el cofre de un auto en marcha, ¿acaso hay ortodoxia en la fantasía? George es capaz de imaginar sobre la existencia de los mongoles y sus aventuras a caballo por las estepas asiáticas; pero George también puede caminar sobre una piscina y liderar una fuga al lado de sus compañeros de internado y tomar "prestado" un camión para ir por su amigo Harry. George también sabe hacer acciones concretas y reales.

Es injusto decir el resultado final de esta historia. Lo que sí vale decir en que por momentos los roles se cambian. George es capaz de ayudar y consolar a Harry, así como Harry es capaz de integrarse a la causa de su amigo. Harry descubrirá que no se puede tener una familia mientras no se conozca a sí mismo, mientras no sea generoso, natural, empático, vamos, mientras no crezca como ser humano. George termina por salvarle la vida.

Pero la historia no contiene diálogos o mensajes al estilo “guía para padres”, solo se limita a poner la atención en detalles. Tanta es la confianza del director en su relato que nos regala un minuto con nuestra pareja en el bosque. Solo viendo esta escena se logra conocer a la perfección lo que es la introspección sencilla, claro, sin mayores pretensiones de, como dije, regalarse un buen minuto.

¿Por qué me gusta esta película para comentar?, porque el mundo nos ha enseñado que lo racional, o productivo, lo demostrable es lo que cuenta. Porque nos olvidamos que hay lugares en donde el mejor golpe de suerte que podemos recibir de la vida es que una “catarina” se pose en nuestro brazo, de que se puede caminar sobre el agua, si se sabe cómo (vean la película y me entenderán), de que la gente se puede amar por sí misma y no por ser “normal, tener coche, trabajo y todo”.

Visualmente la cinta tiene su encanto en la simple. No hay grandes efectos especiales, digamos que incluso es la incubadora de la exitosa Amelie, de ahí que valga le pena destacar el trabajo visual de Walter Vanden Ende.

El octavo día es una comedia, es una reflexión, pero sobre todo es la oportunidad de ver una cinta con un buen ritmo, con mucha sensibilidad y que toca las emociones más específicas del ser humano.

Como nota final, la cinta, comecializada por Quality Films, además de haber ganado el premio conjunto a mejor actor en el festival de Cannes, es fácilmente adquirible, ya sea en tiendas de video especializadas, ya sea en tiendas de autoservicio (sí, donde se hace el súper), solo es cosa de saber buscar en las ofertas.

La pantera 2006, no está tan mal

2006-02-17T19:35:00.000-08:00

Tengo deseos de hablar sobre el estreno de la semana, en este caso La pantera rosa, y en verdad que es algo complicado no quedar como desmemoriado o como un amargado que se quedó en el pasado.

Ahora bien, ya había comentado en anteriores ocasiones que gusto del cine diferente, bueno, en eso me mantengo, pero no puedo negar que sentí mucha curiosidad por ver la nueva versión de esta emblemático personaje surgido allá por los años 70. La nueva versión no es mala, incluso sería muy buen referente para que las “nuevas generaciones” (cliché más bien tierno) pudieran verificar las fuentes originales.

La versión de este 2006 tiene las características básicas del inspector Clouseup, un investigador atolondrado, que gusta de presumir el estar siempre alerta, que destruye las cosas con asombrosa facilidad, y que por alguna circunstancia al final se sale con la suya y logra resolver el misterio o el crimen.

El inicio de la película, fiel a la idea original, es con una introducción, claro, ahora es más vertiginosa, tan musicalizada y con movimientos de cámara que más semejan a un video musical que a una cinta. Se expone un crimen y la desaparición de una joya, desde luego, llamada Pantera Rosa. Un “dos por uno” que se explica en solo unos breves minutos (claro, no se puede sustraer la nueva historia de contextualizar la situación en torno al fútbol y un campeonato mundial, queremos suponer)

Una vez planteado el escenario vienen los créditos. Cuando niño disfrutaba la presentación de éstos, era maravilloso poder ver una serie de chistes gastados de toda la vida en donde la esquiva pantera se burla del inspector. Me parece más que correcto que en esta nueva versión se presente en inspector semejante a Steve Martin y no a Peter Sellers (¿quién?, dirían muchos chavitos de hoy).

La historia en adelante es sencilla, Clouseup no requiere más, es la incompetencia de este personaje el que llena la pantalla, se espera alguna caída, una explosión, arrojar algo a la calle para que ocurra una desgracia simpática, en fin. He de reconocer, Steve Martin me parece un buen actor, con muchos recursos, y los demuestra en la cinta, digamos que las quejas irían hacia la dirección.

Me parece que el inspector Clouseup es un personaje con mucha dignidad, ahí está la clave de su encanto. Por ello me parece una exageración ponerle pantalones zancones a lo largo de toda la cinta.

Síntoma de los nuevos tiempos del humor, me parece que los desastres de Closeaup eran tan maravillosos que no necesitaban del chiste escatológico. Sinceramente no me imagino a Peter Sellers en una historia en donde se mete en una habitación a prueba de sonido para echarse cuatro pedos, como que ese estilo no es para el inspector en jefe Clouseup.

Que hay buenos momentos, no se dudan, caídas por escaleras del metro, accidentes provocados a ciclistas, la forma en que pretende dominar la dicción del inglés, el destrozo de un segundo nivel de un hotel, claro, después de ocasionar un cuasi incendio con la respectiva devastación de las tuberías del agua. Sin embargo he de reconocer que no encuentro aun ese momento magistral que hace que en ocasiones una película entera valga por ese instante.

En contraparte, vemos que hay ya descuidos y olvidos que pueden ser menores, pero me llama la atención el desinterés por una cualidad que hizo maravilloso el inspector hace 30 años, el disfraz. Salvo una escena casi al final de la cinta, no se toca ese punto, cuando el personaje inicial hacía gala de buscar alternativas en su presentación, ya sea como un Lautrec, como un marinero con un perico inflable, o de comprar alguna nariz o dientes prominentes para encubrir su apariencia natural.

¿Y dónde quedó Kato?, las memorables escenas de este oriental, sirviente de Clouseup, desaparecen, cuando mucho se avisa en un par de ocasiones que el inspector ataca sin previo aviso para mantener alerta a su asistente Ponton (personaje bastante simpático y bien caracterizado por Jean Reno). Quizás Kato es una de las víctimas de la globalización en donde a los viejos se les llama adultos mayores (o peor, en plenitud) y cualquier giro sexual o racial se toma como una falta gravísima e intolerable. Claro hay toques claros de xenofobia cuando el inspector francés señalaba el tono amarillo de su sirviente al alertarlo para que en ese momento no fuera atacado, y sin ambargo así y todo, era bastante divertido e inofensivo.

Clouseup y Kato es como ese sueño que mucho tenemos de poder entrar a una casa y dar rienda suelta a una violencia que al menos por mucho tiempo era divertida, el sueño de poder destrozar una habitación, de romper puertas, paredes, de terminar manchados de pintura, vamos, todos esos impulsos destructivos que quizás ahora son tan políticamente incorrecto, pero que hace 30 años eran en verdad disfrutables.

Detalles como un policía obsesionado en tener una noche de gozo con una bella mujer no es el estilo de Clouseup y no por dudas de su virilidad, sino porque simpre terminaba ligándose a la chica de la película, era un imbécil, pero un imbécil muy sexy para las damas, al menos antes. Ahora la necesidad de basar el humor en poder y sometimiento se refleja en una pastilla de viagra que promete a nuestro nuevo investigador poder cumplir con ese sueño que parece ya ser global.

No hay que olvidar el detalle de cómo el inspector en jefe queda enamorado de la hamburguesa; me parece un aviso de que finalmente el productor le recuerda al público quien puso el dinero. Suena poco lógico que algún ciudadano occidental, vamos, y más del primer mundo, nunca haya probado una hamburguesa. De acuerdo, justifica un momento de la cinta para poder develar el misterio del robo de la Pantera Rosa y del asesinato.

El final es predecible, ¡y que bueno que lo es así, tampoco se va a sufrir por este tipo de películas!, se da un recuento de los hechos al más puro estilo inglés de Miss Marple, es decir, un relato cronológico (con todas las cámaras de TV, of course) donde todos los implicados están en la misma sala. Se entiende, hay que ordenar el rompecabezas.

Conclusión, Clouseup soluciona el problema, ocupa un lugar que quien lo conozca no sabe como ha llegado ahí, y menos cómo se habrá de sostener, pero bueno, es en el cine donde se deben contar ese tipo de historias que en la vida real y diaria no indignan tanto.

La cinta, reitero, tiene sus momentos, busca hacernos pasar un momento divertido, no olvidemos algunas versiones ochenteras sobre el mismo personaje, en una de ellas con un personaje como Roberto Benigni, que pasa, me parece, por nieto de Clouseup (¡!), es decir, esta nueva versión, para ser honestos no es mala, solo es para seguir reconociendo que un talento como Peter Sellers merece seguirse siguiendo en sus “pistas”.

Las pequeñas diferencias

2006-01-25T17:51:00.000-08:00

Una las cosas que más me agrada del cine es que se pueda sorprender al espectador. Cuando el cineasta logra sacar al público de la "línea de confort" no lo considero una molestia, al contrario, es la oportunidad de resolver un verdadero crucigrama. Cuando uno aprecia Psicosis, de Alfred Hitchcoock podemos comprender el genio de un director que inicia su historia con un robo y a mitad de la película nos encontramos atrapados en una historia donde el asesino Norman Bates toma el control e interés de la historia. Esto me parece que es lo relevante y atractivo de una historia.

Un ejemplo de contraste, y muy lamentable, es cuando el director de la cinta Strepptease afirmó que al inicio de la película buscó plantear una historia comica, ligera, pero a medida que se desarolló el relato se dio cuenta de que había una historia seria, incluso con tintes de suspenso y que tuvo momentos de duda sobre el rumbo que debía seguir su relato. Me parece que esto no es ser un genio que experimenta, es una simple situación de mercado: ¿qué le puede agradar más a mi público?

Nadie duda que el cine es una industria, pero eso no quiere decir que todo se reduzca a la venta de boletos, a dejar felices a todos con una cinta que de remate diga "fin". Debemos buscar que el cine sea algo noble, digno, divertido, sí, pero con bases, con idea, de decir algo interesante (no por fuerza novedoso). El cine es algo tan interesante que debe proyectar las emociones y deseos del cineasta, con historias bien contadas que logren empatía con nosotros.

Si pago por ver Hamlet sé que éste va a morir, pero no por ello dejaré de conmoverme al ver la dramatización, emocionarme con la sincronía de la música, reconocer los buenos encuadres y las inflexiones de los actores al encarnar a sus personajes.

Sin duda es mucho lo que se puede decir del cine, pero poco a poco iremos dando referencias, comentarios y puntos de vista sobre ese cine que no es consumido en masa (afortunadamente), pero que bien vale la pena de vez en cuando arriesgarse por ver algo diferente.

Hablemos de cine

2006-01-25T17:42:00.000-08:00

Me gusta el cine, no lo puedo negar, es un gusto que quizás llegó algo tarde a mi vida, y no lo digo en tono trágico, solo que el cine que me gusta no es fácil de ver, no se proyecta en cientos de salas, no recibe la mayor de las promociones, incluso hay ocasiones en que hay que ir poco a ciegas al momento de estar en la taquilla. Definitivo, el cine comercial no es mi ideal, no lo censuro todo, pero prefiero hablar de lo que me gusta, de lo que me apasiona y de lo que sé que puede aportar algo interesante a quien me tenga paciencia.